Fumetti di Carta: l'archivio extrafumetto

2005: a metal year

2012-01-12T14:15:00.001+01:00

2005: A METAL YEAR
IN REVIEW!

Ovvero: quello che mi è piaciuto quest’anno!

Com’è stato il 2005 per la musica metal? Sarà banale, ma la risposta giusta è: come tutti gli anni precedenti. Qualche uscita eccellente, un buon numero di dischi più che discreti, il solito trend (il cosiddetto Metalcore, ovvero il classico death melodico svedese presentato negli States con un altro nome e con una spolveratina a livello di forma) imperante negli States e tanti, troppi lavori incolori, se non fastidiosi.
Ma, soprattutto, il mondo della musica metal ha dimostrato, ancora un volta di più di essere aggrappato ancora con tutte le forze ai grandi vecchi, con pochi dei gruppi più “giovani” capaci di fare la differenza; un fatto piuttosto triste, che mostra abbastanza nettamente come nella scena ci sia ancora una preoccupante mancanza di idee, ma soprattutto di personalità, con tante, troppe band che se ne stanno tranquille nella scia di quelle più famose senza tentare di sperimentare qualcosa di diverso o senza cercare una evoluzione nel proprio sound. E così la scena non può che ristagnare (salvo le ovvie eccezioni) in attesa di uno scossone che sembra però molto lontano.

Non ci resta che godere di quanto di buono ha offerto quest’anno, a livello di musica pesante…o, meglio: quello che è piaciuto al sottoscritto, ovviamente…

- I Vincitori

A livello di qualità, popolarità, capacità di fare breccia anche in un pubblico differente da quello tipico metal i vincitori (con buon distacco) sono stati senza dubbio i System Of A Down, forti della loro doppia uscita Mesmerize - Hypnotize, due lavori che hanno confermato la straordinaria creatività della band di Serj Tankian e Daron Malakian e che ha proiettato il gruppo a vertici quasi impensabili di popolarità. I due album ci hanno presentato un sound tutto sommato più semplice, melodico ed immediato rispetto al passato, forse il fattore che più di tutti ha spalancato del tutto le porte del (meritato) successo a questa formazione davvero fenomenale, nonostante qualche carenza di troppo nelle esecuzioni dal vivo.

- Sul Podio

I Dark Tranquillity hanno confermato con Character di essere, al momento, forse i migliori interpreti di quel death metal melodico, sound piuttosto tipico nella scena svedese, divenuto improvvisamente (ed abbastanza insospettabilmente) popolare negli States con il successo dei Killswitch Engage. Character è un lavoro maturo, esaltante e personale, dove la formazione svedese riesce ad arricchire ancora di più il proprio sound grazie soprattutto alle tastiere, ora decisamente più integrate nella matrice sonora tipica del gruppo, il tutto senza rinunciare alla aggressività o alle suadenti melodie. Un album davvero convincente.

Sempre dalla Svezia arrivano i Grand Magus, progetto parallelo agli Spiritual Beggars (autori di un lavoro più che discreto, ma non fulminante come in passato) del bravissimo cantante JB. Rispetto ai due dischi precedenti, la band ha parzialmente abbandonato i territori del doom metal per avvicinarsi molto maggiormente al tipico epic metal anni ’80, tra richiami (sparsi) a R.J. Dio, Manowar, Warlord, oltre che Black Sabbath (sempre presenti nel riffing) e Whitesnake (soprattutto per quanto riguarda le parti vocali). Wolf’s Return, questo il nome dell’album, è un irresistibile ritorno all’epic metal più serio, coerente e scevro da coretti da stadio, spadoni e dragoni assortiti, nonché da pacchianismi vari, il tutto con un amore dichiarato verso l’hard rock anni ’70. Il miglior disco epic metal degli ultimi 5 anni.

- Giù dal Podio

Get Some dei Nashville Pussy, conferma questa sgangherata formazione americana come tra i veri eredi dei del rock n’ roll più sporco, ignorante e sporco, sulla scia di Motorhead, Ted Nugent ed Ac/Dc. Forse nulla di nuovo, ma c’è tanta passione, energia (e sesso!) con in più una signora chitarrista come Ruyter; un disco forse meno riuscito dei precedenti due (High As Hell e Say Somehting Nasty, da recuperare assolutamente), ma comunque godibilissimo.

Una bella sorpresa sono stati gli americani Byzantine: il loro …And They Shall take Up Serpents è un lavoro di puro e solidissimo metallone, tra richiami al classico thrash, ai Nevermore (soprattutto per quanto riguarda alcuni fraseggi di chitarra), Pantera (soprattutto nel cantato) ed un pizzico di melodie maideniane. Un disco intelligente, suonato con la giusta dose di passione, personalità ed energia ed una band da tenere decisamente d’occhio.

Sulla grandezza ed unicità di una band come gli Opeth si potrebbero realmente scrivere pagine e pagine; il loro ultimo lavoro Ghost Reveries, però, non riesce a brillare del tutto, rispetto soprattutto ai dischi precedenti. Sia chiaro, siamo di fronte ad un album decisamente sopra la media con alcuni canzoni da infarto, ma non sembra che la band scandinava abbia dato il massimo questa volta: colpa, in parte, di un sound che si è fatto un po’ più immediato e per certi versi prevedibile (almeno per chi li segue da un po’), unito ad una produzione un po’ fredda e modernista. Insomma, gli Opeth in passato ci hanno abituato fin troppo bene: Ghost Reveries rimane comunque l’espressione di una band realmente straordinaria, questa volta, forse, leggermente meno ispirata del solito. Per la cronaca alcuni brani del disco, una volta riproposti dal vivo, si sono rivelati decisamente più efficaci, segno che, forse, il problema è forse solo più formale che sostanziale.

Una buona dose di coraggio ce l’hanno avuta, sorprendentemente, i Dream Theater che, con Octavarium, hanno compiuto un grosso passo decisivo in avanti, abbandonando gli eccessivi tecnicismi per andare alla ricerca della melodia e della semplicità, concentrandosi esclusivamente sulla forma canzone. Ne escono così brani quasi shockanti come I Walk Beside You o The Answer Lies Within dove sono piuttosto palesi le influenze da gruppi certamente non affini al metal come U2, Muse e Coldplay. Un bel salto, insomma, che avrà alienato alla band di Mike Portnoy la simpatia di qualche fan, ma che ci ha mostrato un gruppo capace finalmente di dimostrare pienamente qual è il suo maggiore pregio (aldilà ovviamente delle capacità strumentali): scrivere canzoni.

Gli Annihilator non sono una di quelle formazioni che scriverà mai la storia della musica thrash, ma Jeff Waters e soci hanno (quasi) sempre sfornato lavori onesti, suonati con grinta, passione e quel pizzico di divertimento in più di molte altre formazioni in questo genere. Dopo quello che probabilmente è stato il peggior album della carriera della band, All For You, gli Annihilator tornano a livelli di qualità davvero ottimi con Schizo Deluxe: a dire il vero non c’è nulla di lontanamente innovativo in questo disco, ma è semplicemente un lavoro di metallone anni ’80 grezzo, divertente e con quella giusta dose di ignoranza che lo rende a tratti delizioso. Da segnalare la buona prestazione dietro al microfono di Dave Padden, che dimostra di avere una buona personalità, cosa che invece proprio non si intravedeva nemmeno da lontano col precedente cd.

Non potevano mancare i Nevermore, sicuramente una delle formazioni migliori dell’ultimo decennio, qui però alle prese con quello che il primo, piccolo, passo falso della loro carriera: This Godless Endeavour è infatti un lavoro non così riuscito come i precedenti. Colpa di un songwriting che si è fatto un pochettino prevedibile alla distanza e della seconda parte dell’album, un po’ prolissa e noiosetta. Rimangono alcune canzoni davvero splendide (su tutte l’opener Born), la solita potenza e la maestria della band, ma, a conti fatti, da una formazione straordinaria come questa ci si aspetta sempre un pochettino di più. Insomma, vale lo stesso discorso fatto per gli Opeth, alla fin fine.

Più che discreto anche il nuovo lavoro degli Strapping Young Lad: il grande Devin Townsend sembra avere trovato una maggior ispirazione rispetto al piatto SYL, anche se, per forza di cose, la band non potrà mai tornare ai livelli di City, visto che quello era un lavoro troppo legato a quello che provava il geniale canadese in quel momento. Alien è comunque un album sopra le righe, con alcuni tocchi davvero degni di nota, soprattutto sull’ottima Love?!?. Peccato per la produzione estremamente confusionaria, voluta dallo stesso Townsend, che rischia di rovinare l’ascolto.

Fulminante, invece, l'ultimo lavoro degli High On Fire: la band americana si conferma come una delle formazioni più grezze, cattive, energetiche ed ignoranti della scena. In Blessed Black Wings non c'è alcun fronzolo, ma solo puro rock n' roll marcio fino al midollo, suonato con una potenza a tratti insostenibile. A livello idealistico sembra di sentire i Venom degli anni duemila; solo che gli High On Fire sanno suonare e pure bene. Assolutamente devastante e cattivissimo, sconsigliato ai deboli di cuore!!!

- Due Ritorni

Come ogni anno non potevano mancare le reunion di band che hanno fatto furore (o quasi) negli anni ’80, altro segno di quanto la scena sia purtroppo ancorata pesantemente al suo fulgido passato. Quest’anno, però si segnalano due ritorni discografici davvero speciali, cioè quello dei Judas Priest con alla voce il grande Rob Halford ed il nuovo disco dei Candlemass in formazione originale; due ritorni che, per fortuna, non hanno tradito affatto le attese, restituendoci due gruppi in grande forma.

Angel Of Retribution dei Judas Priest non è un lavoro epocale, ma un disco ben scritto e calibrato, che pesca sapientemente dal passato della band, senza per questo risultare stantio o noioso. Evitato per fortuna anche il pericolo di un Painkiller Vol. 2, visto che, purtroppo, la nuova generazione di ascoltatori sembra conoscere solo questo album della mitica band inglese. Aldilà di tutto, fa piacere risentire Rob Halford tornato ad ottimi livelli qualitativi (sia in studio che sul palco) e supportato da un songwriting di qualità.

I Candlemass non avranno scritto la storia del metal come i Judas Priest, ma sono una formazione di culto che ha sicuramente lasciato un grosso segno sulla scena con il loro doom metal: per questo c’era molta attesa verso questo nuovo lavoro, Candlemass appunto; attesa che è stata ripagata da un album decisamente convincente. Anzi, le prime due tracce, Black Dwarf e Seven Silver Keys facevano addirittura gridare al capolavoro per la loro qualità. Purtroppo il resto del disco non è a così riuscito, ma si mantiene su livelli sicuramente buoni. Candlemass è comunque un’opera che merita di stare, a livello qualitativo, a fianco agli indimenticati vecchi lavori della band svedese e non è affatto poco.

- E il 2006?

Cosa dobbiamo aspettarci dal futuro? Probabilmente un’altra annata piuttosto statica come questa: è la maledizione di questa musica, attualmente, ed all’orizzonte non si vede nessuna band che può cambiare le carte in tavola. Per questo motivo le attese sono legate perlopiù ai soliti nomi vecchi e nuovi: ci sono gli Slayer con un nuovo album in arrivo (sempre che abbiano voglia di registrarlo), c’è l’atteso (ed un po’ temuto) sequel di Operation: Mindcrime dei Queensryche (ed è notizia dell’ultima ora che il ruolo del Dr.X verrà interpretato da un mito del calibro di Ronnie James Dio), c’è il nuovo capitolo della follia di Devin Townsend, Synchestra, ed il ritorno dei Pain Of Salvation, chiamati ad un pronto riscatto dopo il prolisso ed un po' pretenzioso Be. E ci saranno centinaia e centinaia di uscite tra cui spulciare in cerca del gioiello nascosto. Tutto come al solito, insomma…

Albyrinth - Dicembre 2005

Rush - R30

2012-01-12T13:57:00.002+01:00

RUSH - R30: DUBBI E CERTEZZE DI UN LIVE

RUSH: R30 - 30TH ANNIVERSARY
WORLD TOUR

Doppio DVD Sanctuary Records

Un live dei Rush, si sa, non è come gli altri.
Non solo per la qualità dell'esecuzione o per i virtuosismi che contiene. I Rush, nel corso della loro trentennale carriera - che qui si celebra - hanno pubblicato album dal vivo con assoluta precisione geometrica: un live ogni quattro dischi in studio, ognuno dei quali un punto di svolta, la summa di un periodo artistico e l'inizio di una nuova fase creativa.

Il triplo Different Stages, nel 1998, è stato l'ultimo ingranaggio di questo meccanismo da orologio svizzero, inceppato dalle tragedie che investirono la vita privata di Neil Peart, batterista e autore dei testi. E' interessante notare come già da allora il terzetto canadese avesse iniziato a fare i conti con la propria storia, proponendo un percorso parallelo fra un concerto degli anni '90 e uno degli anni '70.

Alla rinascita del gruppo, avvenuta nel 2002 con lo splendido Vapour Trails, diciassettesimo album in studio, era seguito nel 2003 l'altrettanto splendido DVD Rush in Rio: una celebrazione assoluta dell'unicità dei Rush; una band completamente e totalmente cerebrale, eppure in grado di scatenare entusiasmi folgoranti, esaltazioni improvvise, cori da stadio e pubblico che canta "lalalala" accompagnando un brano strumentale.

A due anni di distanza, e senza alcun album di inediti in mezzo (escludendo il grazioso EP di covers Feedback), ecco arrivare questo Rush R30, documento della tournèe mondiale del 2004 che toccò anche l'Italia (concerto a suo tempo recensito in questa sede).

Il dubbio della speculazione è forte, anche nel cuore di un vero fan del gruppo.
Perché il fascino di una performance dal vivo dei Rush sta anche nella splendida sintesi fra evoluzione musicale e senso di continuità: nella continua sfida dei musicisti a superare se stessi, trovando nuove "forme canzone" riuscite e concentrate, e allo stesso tempo nella coerenza che porta la band a non tralasciare mai di esplorare e riproporre ognuna delle fasi della propria carriera, ritornando sempre persino all'album d'esordio.
Ma se già il DVD Rush in Rio era perfettamente in grado di rappresentare i Rush nella loro totalità, cosa aggiunge questo R30? Soprattutto, ha senso un nuovo ritratto live della band ad appena due anni di distanza dal precedente? Due anni in cui non si può parlare di evoluzione creativa, visto che il repertorio non si è arricchito?

Probabilmente la risposta la si può trovare soltanto inserendo il disco nel lettore, e ascoltando.
L'atmosfera del concerto di R30, registrato a Francoforte, è notevolmente diversa da quella di Rush in Rio. Al posto della coinvolgente, caldissima platea brasiliana troviamo un'algido pubblico tedesco, minore di numero e sicuramente meno protagonista. R30 è più concerto e meno evento di Rush in Rio. Paradossalmente, è più musica e meno celebrazione.

A livello di scaletta, i brani "doppi" (standard irrinunciabili come Tom Sawyer, Dreamline, 2112) presenti in entrambi i DVD sono una decina. Il che significa un terzo di Rush in Rio e quasi la metà di R30. E' giustificata una simile sovrapposizione?

La risposta più razionale è probabilmente no. Anche perché la maggior parte dei veri cult del gruppo sono nel DVD brasiliano: La Villa Strangiato, By Tor & the Snow Dog, Cygnus X-1, lasciando al concerto tedesco "soltanto" Xanadu.
Maggiore spazio merita una critica verso la scaletta, che pur volendo essere omnicomprensiva dimentica un ottimo album come Presto e lascia solo le briciole di Grace Under Pressure, rappresentato unicamente dalla pur ottima Behind the Wheel.

Ma il fan dei Rush è fedele al motto "Dio è nei dettagli", e sono proprio i dettagli a trovare una ragion d'essere, se non una giustificazione, a R30.
A livello di pure impressioni, senza voler formulare un giudizio tecnico, la prestazione di Geddy Lee risulta nettamente superiore rispetto a Rush in Rio: sia nella voce, molto più in primo piano, sia soprattutto nel basso, suonato con una potenza e un coinvolgimento che rimandano al vecchio live del 1988 A Show of Hands, lontani dall'aplomb (ovviamente relativo, trattandosi di Geddy Lee) che invece lo caratterizza nel concerto brasiliano.

E così emerge l'impressionante precisione di un concentratissimo Neil Peart, che come il Clint Eastwood dei tempi d'oro ha solo due espressioni (sul palco e giù dal palco), e il classico repertorio di mossettine e smorfie di Alex Lifeson, chitarrista obliquo e originalissimo, dei tre componenti della band, forse quello rimasto più uguale a se stesso nel corso degli anni.

Alla gioia dirompente di Rush in Rio fa da contraltare un'atmosfera confortevole e rilassata. I tre canadesi sembrano suonare in un piccolo club, per pochi amici, nonostante i megaschermi e gli effetti speciali. C'è un invidiabile relax che li porta ad inanellare passaggi da brivido con la più totale naturalezza, come se fosse la cosa più facile del mondo.

La regia riesce a conservare il ritratto di una magia, con piccole incursioni che un poco la rivelano: i primi piani sulla pedaliera di Lee, che controlla i suoni campionati; l'ormai mitica marimba di Peart; Lifeson che gioca col feedback davanti agli amplificatori come nella migliore tradizione rock.

E come sempre, quando si parla di Rush, c'è il loro assurdo, strabordante senso dell'ironia. Le famose lavatrici sul palco, questa volta affiancate da un distributore di snack che continua a girare tutto il tempo; e poi i cortometraggi che introducono le due parti del concerto: il primo, un delizioso "sogno" che è un montaggio di tutte le copertine e i simboli grafici del gruppo, sempre realizzati dal fedelissimo artista Hugh Syme; il secondo, l'esilarante Darn that Dragon, in cui la band si prende in giro facendo la parodia dei vecchi telefilm con i pupazzi animati dei Thunderbirds.

Il secondo disco del cofanetto, intitolato sempre sul filo dell'ironia weRe 30, è presentato come una sorta di museo, e contiene vecchie interviste televisive e alcuni videoclip d'epoca.
Fra questi ultimi, basterebbe il video di Xanadu a giustificare l'acquisto: un trionfo di chitarre a doppio manico, moog, campane tubolari e kimono bianchi che sugella l'apoteosi del periodo progressivo dei Rush.
Sempre dello stesso periodo il video di A Farewell to Kings, mentre guardandoci ancora più indietro ecco Fly by Night, girato nella church session che produsse anche il video di Anthem, presente come easter egg in Rush in Rio. E poi un gustosissimo spezzone di un sound-check del tour di Permanent Waves, che ci permette di guardare da vicino l'enorme sintetizzatore che Geddy Lee si portava in giro all'epoca (Keith Emerson? E chi sarebbe??).
Sicuramente una serie di recuperi molto piacevoli. Nulla però che il fan dei Rush non avesse già racimolato in giro per la rete: e anche questo porta alla considerazione che, purtroppo, un viaggio completo e ragionato nel passato visivo dei Rush, per quanto splendido come progetto, sia ancora tutto da realizzare.
Speriamo nella ri-pubblicazione, prevista per il 2006, di tre concerti del passato: Exit Stage Left, Grace Under Pressure e A Show of Hands.
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Pietro H.P.L. Meroni - Dicembre 2005
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Tracklist:
R30 Overture:
(Finding My Way, Anthem,
Bastille Day,
A Passage to Bangkok,
Cygnus X-1,
Hemispheres)
The Spirit of Radio
Force Ten
Animate
Subdivisions
Earthshine
Red Barchetta
Roll The Bones
The Seeker
Tom Sawyer
Dreamline
Between the Wheels
Mystic Rhythms
Der Trommler
Resist
Heart Full of Soul
2112
Xanadu
Working Man
Summertime Blues
Crossroads
Limelight

Fabrizio De Andrè

2012-01-12T13:54:00.000+01:00

RICORDO DI UN MAESTRO

OMAGGIO A
FABRIZIO DE ANDRE’

Sono già passati 7 anni… Un male terribile lo aveva colpito verso la fine dell’estate del 1998, facendogli sospendere gli ultimi concerti programmati, e nella notte fra il 10 e l’11 gennaio 1999 moriva Fabrizio De Andrè, uno degli elementi più rappresentativi della canzone d’autore italiana.

Non è però retorica affermare che le canzoni di De Andrè si distinguono oggi proprio per il loro essere ancora e sempre "vive" e di estrema attualità, inquiete metafore che hanno saputo attraversare le generazioni dagli anni 60 ai giorni nostri, anche grazie ad un mirabile esempio di ricerca linguistica e musicale. Una ricerca che portò il cantautore a stravolgere le proprie origini artistiche, riscoprendo negli anni ’80 il dialetto genovese unito a sonorità più complesse rispetto agli inizi, mantenendo sempre altissimo il livello qualitativo delle proprie produzioni.

Nuova e coraggiosa per i tempi fu pure la scelta di cimentarsi in “concept album” (ossia un album in cui tutti i brani ruotano attorno ad una tematica univoca e/o sviluppano una sola storia). Si trattava di una scelta molto in voga nel campo progressive e psichedelico, ma non certo tipica del panorama dei cantautori italiani: De Andrè lo fece per ben due volte nei primi anni 70, con “La Buona Novella” prima e con "Non al denaro, non all'amore nè al cielo" poi. In effetti altra caratteristica di De Andrè fu la capacità di elaborare testi altrui, arrivando ad opere ugualmente originali e che poco o nulla avevano da spartire con le proprie "matrici" (lo fece per l’appunto con "L’antologia di Spoon River" e con i Vangeli apocrifi, per i due album citati precedentemente, e pure con alcune ballate di Bob Dylan, fino ad arrivare a "Smisurata Preghiera", liberamente ispirata alle liriche di Alvaro Mutis).

Sicuramente aveva una gran bella voce, calda e profonda, ma l’attualità delle sue opere non è certo da cercarsi nel fascino di quella voce. Le sue canzoni parlavano di prostitute (da "Bocca di Rosa" a "Princesa"), dei suoi amori dolorosi ("Giugno 73", "Verranno a chiederti del nostro amore"), di eroi piccoli, quotidiani, spesso sfortunati ("La guerra di Piero", "Il testamento di Tito") ed erano sempre ricche di frecciate sarcastiche e pungenti verso la borghesia ipocrita, in una perenne denuncia delle ingiustizie del mondo che gli apparivano insostenibili, e verso "la maggioranza", che detestò sempre. Sembra quasi profetico pensare oggi che l’ultima canzone del suo ultimo album in studio (ossia la già citata "Smisurata Preghiera", tratta dallo splendido "Anime Salve") recitasse così:

"Per chi viaggia in direzione ostinata e contraria
col suo marchio speciale di speciale disperazione
e tra il vomito dei respinti muove gli ultimi passi
per consegnare alla morte una goccia di splendore
di umanità, di verità
…
ricorda Signore questi servi disobbedienti
alle leggi del branco, non dimenticare il loro volto
che dopo tanto sbandare
è appena giusto che la fortuna li aiuti"

Puttane e carcerati e sconfitti, questi erano i suoi eroi. Uomini sempre e comunque veri, non privi di difetti. Ma non si pensi che in De Andrè questo essere vicino al "diverso" fosse frutto della snobistica inclinazione dell’intellettuale. E’ vero, era nato ricco, ma fin da ragazzo aveva fatto la sua scelta: la sua era la Genova dei bordelli, degli artisti, dei perdenti. E dei poeti-cantautori. E la frattura che volle creare con le sue "alte" origini familiari era qualcosa di più di un vezzo adolescenziale: era una presa di distanza esistenziale, molto più che politica. Con la sua vicinanza agli sconfitti De Andrè riusciva a non esprimere semplicemente l’affinità dell’intellettuale eccentrico (che alla fine non gratifica che se stesso), ma soprattutto la restituzione della dignità a quei soggetti. E alla fine quell’umanità sconfitta (che a molti provoca rabbia, paura, o nella migliore delle ipotesi pietà) finalmente riusciva a muoverci verso un sentimento molto più nobile e difficile: l’affinità umana.

"Ci vuole troppo tempo per trovare gente con la quale vivere le mie idee e così me le vivo da solo. Con una regola da osservare, e la osservo proprio perché nessuno me l’ha imposta: l’anarchia non è un catechismo o un decalogo , tanto meno un dogma; è uno stato d’animo, una categoria dello spirito."…

Ci sono poche frasi che possono definire più compiutamente chi era Fabrizio De Andrè. Perché per De Andrè la rivolta degli ultimi anni 60 e dei primi 70 era davvero priva di armi e prescindeva ideologie precostituite: era la rivolta più definitiva, anche se meno palese, dell’arte e della poesia, che lui viveva con la convinzione che potessero davvero demolire la montagna di ipocrisia e ingiustizie che seppellisce il mondo. Forse sarò un ingenuo, ma penso che se si fosse vissuta quella stagione in modo meno succube alla rigidità di certe ideologie, e si fossero ascoltate fino in fondo le sue canzoni, il mondo sarebbe potuto diventare un posto migliore dove vivere.

Francesco “Baro” Barilli

DISCOGRAFIA ESSENZIALE
* VOL.1 - 1967 Belldisc/Ricordi
* TUTTI MORIMMO A STENTO - 1968 Belldisc/Ricordi
* VOL.3 - 1970 Produttori Associati/Ricordi
* LA BUONA NOVELLA - 1970 Produttori Associati/Ricordi
* NON AL DENARO, NON ALL'AMORE NE' AL CIELO - 1971 Produttori Associati/Ricordi
* STORIA DI UN IMPIEGATO - 1973 Produttori Associati/Ricordi
* CANZONI - 1974 Produttori Associati/Ricordi
* VOL.8 - 1975 Produttori Associati/Ricordi
* RIMINI - 1978 Ricordi
* FABRIZIO DE ANDRE' e PFM IN CONCERTO VOL.1 - 1979 Ricordi (1)
* FABRIZIO DE ANDRE' e PFM IN CONCERTO VOL.2 - 1980 Ricordi (1)
* FABRIZIO DE ANDRE' - 1984 Ricordi (2)
* CREUZA DE MÂ - 1984 Ricordi
* LE NUVOLE - 1990 Ricordi/Fonit Cetra
* 1991 CONCERTI - 1991 Fonit Cetra
* ANIME SALVE - 1996 Ricordi
* M'INNAMORAVO DI TUTTO - 1997 Ricordi (3)
* DE ANDRE' IN CONCERTO - 1999 Ricordi
* DE ANDRE' IN CONCERTO VOL 2 - 2001 Ricordi

Note alla discografia:
(1) Verso la fine degli anni ‘80 la Ricordi ripropose i due live con la P.F.M. in un unico doppio vinile. Non mi risulta però che la stessa iniziativa sia stata proposta in Cd, per cui oggi l’esibizione di De Andrè con la P.F.M. dovrebbe essere reperibile nei due cd singoli e separati.
(2) il disco è noto anche come "L’INDIANO", per la sua copertina, priva di titolo, riportante un pellerossa.
(3) a dire il vero si tratta di una raccolta, una delle tante dedicate a De Andrè, ma è presente una splendida versione della "Canzone di Marinella", cantata in coppia con Mina.

The Sound of Memphis - Stax

2012-01-12T13:23:00.005+01:00

926 East McLemore Avenue, Soulsville, U.S.A. - The Sound of Memphis

Se negli anni ’60 foste stati adolescenti di colore a Memphis, Tennessee, l’indirizzo nel titolo lo avreste conosciuto piuttosto bene. Si tratta dello studio di registrazione di una delle maggiori case discografiche (se non la maggiore) di rithm & blues, la STAX records.

Nata con il nome di Satellite, per questioni di copyright cambiò il nome in STAX dalle iniziali dei cognomi dei due fondatori, Jim STewart ed Estelle AXton (è il cognome da sposata), fratello e sorella.

Se leggendo di musica soul vi è capitato di scorgere un nome di casa discografica, quasi sicuramente questa è la Motown di Detroit. Per esperienza personale vi posso dire che fino al momento in cui il mio interesse per la musica soul non era manifesto, l’unica etichetta che associavo a questo genere musicale era proprio la Motown di Berry Gordy. Non sapevo qual era l’altra faccia della medaglia. Una faccia non levigata, senza lustrini e matida di sudore. Una faccia nera che non vuole per forza piacere ai bianchi e che quindi non usa make up, non si slava, non scende a compromessi. La storia dirà poi che i bianchi erano tutt’altro che spaventati dalla faccia sudista del soul; così poco spaventati che addirittura l’Europa si innamorerà a tal punto del suono di Memphis da tributare tutti gli onori del caso alla tournee del 1967, la “STAX Revue”, sul suolo del vecchio continente.

Estelle Axton e Jim Stewart

STAX vuol dire Memphis e Memphis vuol dire musica. Questo è un assioma che è universalmente accettato e non lo si discute. Dove se non nella capitale della musica a stelle e strisce si possono nominare nella stessa frase Johnny Cash, Elvis Presley ed Otis Redding?

Situata “per sbaglio” entro i confini dello stato del Tennessee, Memphis va invece considerata come la capitale morale del Mississippi, inteso non tanto come stato quanto come area geografica che dal grande fiume d’America è attraversata. Del Tennessee infatti Memphis non ha nulla, essendo il primo uno stato ricco di verdi colline, mentre la seconda è città pianeggiante e legatissima al fiume che la lambisce. Totalmente diversa quindi da Nashville, questa sì un puro distillato dell’anima del Tennessee.

Al Bell e Jim Stewart

Dicevamo prima dell’assioma che lega Memphis alla musica. E’ qui infatti che i filologi fanno risalire la nascita del rock. Precisamente negli studi della “Sun records” di Sam Phillips, dove Elvis, il cognome oltremodo superfluo, registrò il suo primo 45 giri. Ed è qui che il soul, anche se nato altrove (ma la questione non è così semplice come per il rock), ha visto edificata la sua casa più importante, la sua dimora più confortevole, disponendo poi di una casa per le vacanze il quel di Detroit (chez Motown, ovviamente). Grazie alla passione di Jim Stewart (musicista country per hobby) e di sua sorella Estelle Axton, entrambi impiegati in banca, una miriade di artisti di colore ha avuto a disposizione una rampa di lancio verso la fama ed il successo.

Nonostante si possa pensare il contrario, la Satellite (poi STAX) non nacque come casa discografica rhythm&blues. Fu il relativo successo dei 45 giri “di colore” a far capire qual era la strada da seguire.

Jim ed Estelle erano bianchi, e nel sud degli USA di fine anni ’50 era ancora un bel vantaggio. Questo però non deve portare a pensare al classico “schema” in cui i capi sono “pallidi” ed il loro guadagno deriva dallo sfruttamento dei “fratelli” di colore. All’oggettiva difficoltà di integrazione razziale nel sud, proprio la STAX fu una delle poche realtà che meglio seppe rispondere, mettendo sullo stesso piano bianchi e neri, ma anche cantanti e musicisti, parolieri e compositori. Una grande famiglia, insomma, la cui unità cederà verso la metà degli anni ’70 in balia di crisi finanziarie, affari poco chiari ed un clima di violenza che, allora sì, rispecchierà le brutture al di fuori del microcosmo di McLemore Avenue. Ma ciò non deve oscurare quello che la STAX ha rappresentato, sia in ambito musicale che sociale. Molte delle persone che vi hanno lavorato descrivono l’etichetta come la miglior università che ci possa essere per imparare ad affrontare la vita. Segno di eterna gratitudine verso quella che molti hanno imparato a considerare una seconda casa.

Booker T and the Mg's

Poco dopo che l’etichetta, da un paesino fuori Memphis, decise di trasferire lo studio al 926 e. McLemore Avenue (in un vecchio cinema), Jim ed Estelle aprirono un negozio di dischi, il Satellite shop, proprio di fianco. In poco tempo il negozio divenne un punto d’aggregazione dei giovani del quartiere, in prevalenza di colore. E’ strano pensare a come le cose sarebbero potute andare diversamente se il nuovo studio non fosse stato impiantato in un quartiere di colore ma in un sobborgo w.a.s.p.

Probabilmente ora parleremmo della STAX come di una delle etichette di punta della country music.

Questo discorso nasce dal fatto che molti dei prodotti incisi nello studio adiacente venivano “testati” nel negozio prima di essere stampati. In pratica Estelle Axton, che si occupava del negozio, non appena una sessione di incisione aveva termine se ne usciva dallo studio con il master in mano e lo suonava davanti ai sui clienti. Tenendo conto della loro reazione si decideva se stamparlo così com’era oppure apportare delle modifiche.

Si diceva del negozio come punto di aggregazione, ma andrebbe aggiunto che era anche un posto dove si andava per procurarsi un’audizione. Molti dei giovani del quartiere iniziavano a vedere nella STAX la possibilità concreta di esprimere la propria arte, di renderla disponibile a tutti. Era la politica delle “porte aperte” a generare sogni di gloria. Ed era una politica che per molto tempo si dimostrò vincente, visto che nomi quali Isaac Hayes piuttosto che David Porter trovarono la loro strada grazie a questo modo di concepire la musica. Una cosa della gente, non dell’industria. E questo fu il trucco che permise ad una piccola etichetta del sud degli Stati Uniti di diventare leader incontrastata di un certo modo di intendere la musica nera.

Rufus Thomas

Mi accorgo però che tracciare una seppur minima storia della STAX richiederebbe moltissime battute in più delle poche (insomma) che state leggendo. Tant’è vero che esiste in commercio (non tradotto in italiano, purtroppo) un bel libro intitolato ”Soulsville U.S.A.-The story of Stax records” di Rob Bowman. Si tratta sicuramente di una lettura consigliata a chi mastica l’inglese (non è necessario conoscerlo alla perfezione) ed è affascinato dalla storia della musica pop (perchè è di questo che si parla). Gli altri possono pregare che qualche casa editrice (qualcuno ha detto Arcana?) si impegni nell’opera di traduzione. Il lavoro di Bowman è ricchissimo di informazioni riguardanti la vita della STAX come etichetta, ma soprattutto la vita della STAX come famiglia. Perché per quasi tutti gli anni ’60, la STAX è stata proprio questo, una grande famiglia americana “integrata”. L’ultimo aggettivo non è casuale perchè, avrete imparato, quando si parla di musica nera degli anni ’60 è inevitabile nominare il razzismo, quintessenza della stupidità umana che non difettava (ma con rammarico potrei anche usare il presente) ai bianchi del sud degli USA. Ebbene, alla STAX il razzismo restava (di solito, chè nessuno è perfetto) fuori dalla porta d’ingresso. Poco o nulla importava che i proprietari fossero esclusivamente bianchi (fino all’arrivo di Al Bell) mentre la “manovalanza” era quasi esclusivamente di colore (con le dovute, importantissime eccezioni, vedi Dunn e Cropper). Poco peso avevano le sfumature del colore della pelle, importante era il fatto che le anime fossero “nere”.

Si diceva della STAX come famiglia ed in ogni famiglia che si rispetti la figura materna è il fulcro attorno a cui tutto ruota. Estelle Axton era proprio questo, una figura materna con mentalità imprenditoriale. E pensare che il suo coinvolgimento nella STAX derivava unicamente dal fatto di aver ipotecato la casa per aiutare il fratello a fondare un’etichetta musicale. Evidentemente la signora ci aveva preso gusto. La figura paterna era invece rappresentata da Jim Stewart, formalmente il produttore di moltissimi dei primi dischi dell’etichetta, ma anche padrone a volte irascibile e con i suoi chiodi fissi. E poi c’erano i figli. Numerosissimi, alcuni belli altri un po’ meno, alcuni costanti nello sfornare hit, altri in grado di incidere un pezzo sublime per poi perdersi e non ritrovarsi più. Ma denominatore comune era il fatto di contribuire, tutti indistintamente, a forgiare quello che, orgogliosamente nei suoi comunicati, la STAX definirà “il suono di Memphis”. Che poi gli artisti STAX non si rendessero conto, al tempo, di creare una miscela musicale nuova (anche se basata sul già conosciuto) non deve destare stupore. Di solito un artista si rende conto di trovarsi di fronte al suo capolavoro quando quest’ultimo è terminato.

Quando esegeti di ogni dove iniziano a produrre immense moli di parole per spiegare, classificare, osannare ciò che per l’artista è la cosa più naturale del mondo, la sua anima espressa in modo visibile (udibile nel nostro caso).

Nominare tutti gli artisti che hanno inciso per la STAX sarebbe inutile e piuttosto noioso (e comunque internet risponderà ad ogni vostra curiosità), quindi mi limito a citare coloro che possono essere ritenuti la spina dorsale di tutto il Memphis sound, i più volte da me osannati Booker T. & the M.G.’s: quartetto nato per ¾ nero e poi, con l’arrivo del bassista Duck Dunn in sostituzione di Lewie Steinberg perfettamente diviso tra visi pallidi e visi scuri. Molti non hanno dubbi nel definirli la più grande band strumentale che sia mai esistita. A conferma di ciò può bastare l’elenco dei brani in cui sono loro a suonare, partendo dai pezzi di Otis Redding fino a quelli di Sam & Dave, passando per Wilson Pickett e Carla Thomas, senza tuttavia dimenticare gli strumentali come Green Onions, brano quest’ultimo facilmente rintracciabile nella raccolta Atlantic di cui si parlava qualche tempo fa (nel pezzo citato si accenna anche al legame tra STAX ed Atlantic).

Se per tracciare una minima storia della STAX sono occorse 400 pagine ad uno studioso come Bowman non pretenderete mica che 2 striminzite cartelle di testo come quelle che avete appena letto(spero) possano bastare per sapere tutto? Spero però di avervi incuriosito e vi invito quindi a procurarvi il libro di cui sopra ed a navigare a ruota libera nella rete alla ricerca di una irripetibile stagione creativa (per dirla con Eddy Cilìa) che va sotto il nome di Memphis sound. Gioia garantita per le vostre orecchie.

Pino Paoliello - Gennaio 2005

bibliografia:
Soulsville U.S.A.-The story of Stax records - Rob Bowman - Schirmer Trade Books 2003

ULTRAVOX! The Island Years

2012-01-11T17:13:00.001+01:00

Un punto (esclamativo) che fa la differenza.

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Le macchine hanno un’anima. Di solito si dice così di quei dischi di musica elettronica particolarmente “caldi”, vivi…con un’anima, appunto. Molte volte si dice anche che l’anima di una band è un singolo componente, solitamente il cantante. Nel caso degli Ultravox! (fate attenzione al punto esclamativo) è proprio così. John Foxx decise di lasciare i compagni dopo tre album in studio ed un successo che non è mai arrivato fulgido come forse avrebbero meritato. Perché si sa che chi è troppo avanti semina, ma quasi mai raccoglie.
E fu così che “mr. musica dello spot della Swatch” Midge Ure saltò sul treno Ultravox (senza punto esclamativo) pronto a raccogliere, con “Vienna”, il successo planetario di cui sopra.
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Ma quegli Ultravox erano già altro rispetto a quelli con Foxx in organico. Era sparito l’impeto punk caratteristico di molti brani pre’80, così come lo struggimento reso benissimo dalla voce di Dennis Leigh (vero nome di Foxx). Era invece subentrato un certo manierismo che risulterà ancora sopportabile in “Vienna”, dopo non più.

Fortunatamente per chi conosce soltanto gli Ultravox senza punto esclamativo, esiste sul mercato una raccolta dei brani incisi dalla band con Foxx alla voce per la Island records. Qualche tempo fa era rintracciabile per 5 euro e sarebbe davvero un peccato, vedendola sugli scaffali, lasciarla lì.

Dalle ceneri dei Tiger Lily, John Foxx, Stevie Shears, Billy Currie, Chris Cross e Warren Cann diedero vita agli Ultravox! suonando un rock che mescolava in modo omogeneo tanto il punk che in quel momento era la religione d’Albione, quanto le ballate romantiche e decadenti a la Roxy Music (a tal proposito va ricordato che il primo album era prodotto, oltre che da Steve Lillywhite, da Brian Eno), senza dimenticare una certa glacialità tutta teutonica di scuola Kraftwerk.

Per rendersi conto di cosa fossero gli Ultravox! basta ascoltarsi “I want to be a machine”, canzone disperata e struggente, barocca e nel contempo glaciale come un inverno russo. Oppure “Young Savage” e “Rock Wrock”, brani rock tiratissimi da pogo sfrenato in discoteca (o al centro sociale, se ancora ne esistono) così come da pogo è “Distant Smile”, dove un calmo e rilassato pianoforte viene violentemente stuprato da chitarrre assassine ed impazzite.

O ancora “Quiet Man”, con un memorabile incipit di chitarra ed un tappeto di sintetizzatori che preludono a ciò che diventerà, come detto prima, puro manierismo in epoca post-Foxx (il quale da solista darà tutt’altra caratura al suono dei suoi synth...perchè anche le macchine hanno un’anima). E che dire poi di “The wild, the beautiful and the damned”, brano con un bellissimo assolo di chitarra assolutamente non-onanistico (merce abbastanza rara), per non parlare degli archi contrastati da poderose sferzate di sei corde ed una batteria metronomica in alcuni frangenti quasi di stampo Neu! (guardacaso un punto esclamativo anche qui)?

C’è da dire che tutti i brani compresi in questa raccolta meritano di essere ascoltati, in quanto estratti dai tre album in studio con Foxx alla voce; se però dovessi consigliare un unico brano che renda appieno l’idea di ciò che gli Ultavox! hanno significato per quel genere-non genere che va sotto il nome di new wave, non avrei dubbio alcuno e senza timore sceglierei la sublime “Hiroshima mon amour”. Batteria elettronica e sintetizzatori da algidi e immateriali si fanno via via più pulsanti, più vivi, più reali, fino a che un sax ed una chitarra non ci danno la conferma che siamo dalle parti del paradiso. 5 minuti ed 11 secondi da leggenda.

Pino Paoliello - Dicembre 2005

NOTA: La raccolta intitolata “The Island years”, pubblicata nel 2002, contiene 16 brani estratti dai 3 album pubblicati per l’etichetta Island, ovvero Ultravox!, Ha Ha Ha e Systems of Romance.

NASCITA, SVILUPPO E MORTE DELL'ACID JAZZ

2012-01-11T17:01:00.001+01:00

L'acid jazz è un genere musicale sviluppatosi dai primi anni ‘80 in Inghilterra; esso nacque dall'esigenza e dalla volontà di conferire al jazz ballabile americano, il cosiddetto bebop, una colorazione più acida, con ritmiche diverse e un sound più colorito. Nel termine acid-jazz è presente un’ambiguità, in quanto unione di due anime all’apparenza contrapposte: “acid” è un termine legato alle sonorità della house music, più psichedelica, più ritmata e appunto “acida”, tipica degli anni ‘80, mentre “jazz” fa riferimento alla cultura nera del jazz, raffinato, colto ed elegante; quindi l’acid-jazz può essere interpretato come la rivisitazione del jazz ballabile americano in chiave moderna. Questo fenomeno, questo processo di modernizzazione, che come abbiamo visto ha radici americane, vede invece il suo sviluppo principalmente in terra inglese.

Alla base di tutto questo c'è la club culture, che propone un musica e un'atmosfera tipica dei locali inglesi, un po' fumosi, con le luci soffuse ed un organo hammond che suona in sottofondo; tuttavia, mentre per quanto riguarda altri generi musicali c'è stata una evoluzione, una trasformazione, una modernizzazione, giustamente al passo coi tempi, per l'acid jazz non è stato così.

Infatti, facendo un confronto con la soul music americana, vediamo che questa si era sviluppata negli anni '50-'60 con certe caratteristiche ritmiche ed un certo sound che pagavano un forte debito alla tradizione della black music (gospel e blues in particolare); poi però c'è stata una maturazione, uno sviluppo che ha portato la soul music di quegli anni a divenire, a trent'anni di distanza, una musica molto diversa, disperdendosi in un'infinità di rivoli e dando origine ad altrettanti generi musicali molto diversi tra loro.

L'acid jazz, invece, è un genere statico, immobile, che è rimasto ancorato a quello stile che caratterizzava le sue origini, senza subire nessun processo di ammodernamento e di trasformazione; se ascoltiamo uno qualunque degli ultimi dischi degli Incognito, un gruppo di punta del panorama acid jazz passato e presente, possiamo notare, purtroppo a malincuore, che quella musica non è altro che la (brutta) copia di quella dei primi dischi.

E' vero che ci sono stati sicuramente una modernizzazione nonchè un arricchimento degli strumenti, da cui è derivata una musica più ricca e più complessa, ma l'atmosfera, il sound, e di conseguenza le senzazioni trasmesse all'ascoltatore, sono gli stessi, immutati. Se poi citiamo gli altri gruppi, primi tra tutti i Brand New Heavies, qui si nota un vero svilimento dell'acid jazz ed un abbandono ad un musica molto più commerciale che non ha più niente di quella freschezza che caratterizzava gli esordi.

Stiamo assistendo allo sviluppo di nuovi generi musicali, alle trasformazioni di altri generi, al fiorire di nuove personalità e allo scomparire di altre, ma dobbiamo purtroppo decretare la morte dell'acid jazz.

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Alessandro Filippini - Dicembre 2005

Musica Popolare e Musica Elitaria

2012-01-11T16:53:00.001+01:00

Da quando ho iniziato ad appassionarmi alla musica, ed ero ancora poco più che un bambino, ho sempre cercato di ascoltare canzoni, di seguire artisti che avessero qualcosa di particolare, che non fossero troppo comuni, che fossero più profondi ed inarrivabili.
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Non era una fissazione o una mania, ma semplicemente il desiderio di andare oltre la superficie per scoprire un mondo sommerso e sfuggire dalla comune banalità; forse può essere una caratteristica della mia personalità quella di andare oltre l’apparenza, ma, parlando di musica, il discorso assume una validità del tutto generale, che riguarda non solo me personalmente ma, aggiungo per fortuna, molte persone, come ho modo di vedere tra gli ospiti di questo sito.

Spesso sono stato preso in giro dagli amici per la musica che ascoltavo, che piaceva solo a me (e questo accade tutt’ora), ma ne ero fiero, ero fiero dei miei gusti, ed ero fiero del fatto che quella musica fosse mia, solo di mia proprietà, da non condividere con nessuno; secondo me è questo il significato di musica elitaria: una musica che non è comune, che sfugge alla massa, per la quale sono in pochi a provare emozioni, passione, interesse; una musica che le radio, le televisioni non trasmettono, non hanno interesse a trasmettere perché non è di comune gusto, non è di pubblico dominio, non è quindi “popolare”.

La contrapposizione tra musica elitaria e musica popolare è quindi netta, marcata, e prescinde dai gusti personali; non esiste, secondo me, una vera e propria linea di demarcazione che separa queste due grandi realtà, e spesso questa distinzione è collegata alla questione delle vendite; se un disco vende tanto, allora automaticamente viene etichettato, bollato come commerciale; questo non è sempre vero, in quanto ci sono dischi, vedi l’ultimo di Kate Bush, che vendono piuttosto bene ma sono tutt’altro che commerciali.

Il binomio musica popolare-successo commerciale non è sempre azzeccato; l’aggettivo popolare è forse riferito anche al valore artistico, oggettivo, musicale di un disco o di una canzone. Un disco dei Backstreet Boys (con tutto il rispetto), privo di qualunque valore artistico, di qualunque accorgimento che vada oltre le classiche melodie acqua e sapone, può essere classificato come disco popolare, sia perché vende sia per la musica che contiene. Un disco a caso di Joni Mitchell, tanto per citare un'artista che conosco abbastanza bene, è caratterizzato da una profondità e da una pienezza che va oltre la melodia e che comprende musica, strumentazione, testi e molto altro. Per apprezzare un disco di Joni non ci si deve fermare alla superficie, come basterebbe fare per i già citati BB (sempre con tutto il rispetto), ma è necessario scendere nel profondo e apprezzare certi valori che appunto sfuggono ai più, alla massa.

Ecco perché si parla, in questo caso, di musica elitaria, una musica, come già ricordato, per pochi, pochi capaci di apprezzarla a dovere; per questo secondo me certa musica, certi artisti, certi generi, è meglio che rimangano “proprietà” di pochi intenditori, perché appunto sono pochi gli intenditori capaci di scendere nel profondo, di capire il valore, di cogliere l’essenza; io non mi ritengo sicuramente un grande intenditore di musica, figuriamoci, sono troppo giovane per questo, non avendo vissuto gli anni ’70 (musicalmente fondamentali), ma di quello che ho scritto sono fermamente convinto….uno che ascolta i BB (spero che mi perdoneranno…), non può apprezzare nient’altro che loro o simili.

Forse questo mio breve scritto solleverà molte discussioni, ma credo che in molti tra quelli che leggeranno, saranno d’accordo con me.

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A presto.
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Alessandro Filippini - Dicembre 2005

MADONNA - “CONFESSIONS ON A DANCEFLOOR”

2012-01-11T16:43:00.001+01:00

MADONNA - “CONFESSIONS ON A DANCEFLOOR” (Warner Bros/Wea)

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"Time goes by so slowly..."
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Lo scritto che segue probabilmente non convertirà nessuno alle gioie del pop e al profanissimo culto di Madonna... Spero comunque che, messi da parte per una quarantina di minuti i soliti paraocchi da musicofili incalliti & impegnati, si dia almeno un ascolto (e una danzata) a questo Confessions On A Dancefloor, perché trattasi di un album molto bello!
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Madonna si reinventa completamente, ogni suo lavoro è diverso dal precedente e, certo, questo può essere sintomo di perenne indecisione, ma anche di fantasia ed energia da spargere a profusione sul brilluccicante (oddìo, ultimamente neanche poi tanto...) mondo del pop.

E così dopo la maturità di Ray Of Light, album stupendo che l'ha leggermente sdoganata anche agli occhi dei critici più ottusamente ostili a tutto ciò che non è "musica impegnata" (?!?), dopo le avventure elettro-country di Music, altro bell'album di cui - ingiustamente - i più conoscono a malapena l'omonimo singolo trituraossa, dopo American Life, disco splendido e sottovalutato nel quale fanno capolino - ed è una novità - dark-ballads melodicamente commoventi e intense, dopo tutto ciò Madonna torna alla dance.

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Ma "torna" in realtà è termine improprio, perché qui non si tratta né della dance chic à-la-Erotica né tantomeno delle canzoncine ballabili-e-tanto-scemine degli esordi che, con una specie di hit organ bontempi e un computerino, i produttori dell'epoca le confezionavano su misura (e che comunque la consacrarono icona mondiale della pop music).
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La dance music di Confessions On A Dancefloor è di tutt'altra pasta: forte parentela con certa techno non estrema, sistematica ricerca melodica, cupezza d'atmosfere, perfezione formale, intensità.
Com'è noto i brani di quest'album sono mixati tutti insieme senza soluzione di continuità; dunque lo scopo dell'operazione è chiarissimo: far ballare.
Probabilmente però lo scopo di questo disco è anche un altro, forse ancora più importante: farsi ascoltare.
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Non si spiegherebbe altrimenti la cura per la melodia che permea ogni singolo brano, visto che per far ballare la gente basterebbero una sequela di "unz-unz" a bpm medio-alti (o, a seconda dell'età, una massiccia dose di Disco Music dei Seventies) senza star troppo a scervellarsi su melodie, armonie, atmosfere...
Ciò sta a significare che ci troviamo di fronte ad un album potente ma non aggressivo (per quanto, per esempio nel brano Push, certe frequenze, probabilmente non udibili ad "orecchio nudo", arrechino un certo, momentaneo disturbo/disagio...); un album che non soffre delle limitazioni a-melodiche della techno e che, pur autenticamente dance, non per questo si fa schiavizzare dal beat.
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Altra caratteristica importantissima del disco, che lo rende ancor più piacevole all'ascolto, che ne è anzi un tratto distintivo, è l'omaggio che Madonna tributa a stili, gruppi e tempi che sicuramente l'hanno segnata - e come lei, tanti di noi - nel suo passato.
Si tratta quindi di un'operazione nostalgia? Tutt'altro. E', ripeto, un disco modernissimo, ma che tributa il dovuto rispetto a chi di dovere, a chi tale e tanta influenza ha avuto sulla musica pop (o sulla musica e basta).
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Gli omaggi cominciano da Hung Up, primo brano e singolo riempipista già ai vertici delle classifiche di mezzo mondo, che usa come base un campionamento di Gimme Gimme Gimme degli Abba, continuando col secondo Get Together, quello forse maggiormente imparentato con certa pre-techno facente capo agli Snap.
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Nel terzo, potente brano - Sorry - in cui tra l'altro abbiamo l'onore di sentire Madonna pronunciare una breve frase in italiano ("...sono spiacente, perdonami...") è evidente il tributo ai Jacksons di Can You Feel It, una grande canzone epica pur nella sua danzabilità. In Future Lovers la citazione è simpaticamente spudorata: I Feel Love di Donna Summer. Ricordiamo che quel brano, prodotto a Monaco di Baviera da Giorgio Moroder nel 1976, oltre a essere anni luce avanti per i tempi, è stato uno dei brani più influenti per generazioni di poppettari-elettronici, dai Depeche Mode in giù, ed è di chiarissima marca elettronica (e ai tempi "elettronica", "pop" e "pubblico di massa" non andavano ancora così daccordo...).
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E a proposito di Depeche Mode: eccone gli echi In I Love New York, sontuosa, ossessiva e che contiene una certamente inconsapevole citazione: le note del riffettone del ritornello sono quelle di I Wanna Be Your Dog degli Stooges (ah ah ah!). Daltronde, si sa, le note sono solo sette, no?
Ma Madonna può anche, felicemente, permettersi di auto-citarsi, operazione riservata agli egomaniaci o, appunto, alle icone: in Let It Will Be l'intro e il motivo di base della canzone ricordano una "versione 2005" di Papa Don't Preach.
Mentre l'eterea e sfolgorante melodia di Forbidden Love (il mio brano preferito, credo) aiutata dal delicato uso del vocoder, ci riporta ad atmosfere melanconiche che potrebbero ricordare (...) ciò che gli Imagination avrebbero potuto fare oggi... Un ritornello-killer, di quelli che ti prendono testa e cuore e non vedi l'ora di risentire, magari in cuffia e a tutto volume.
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Arriviamo a Jump, forse il brano meno memorabile dell'album, per quanto (ritornello a parte) la citazione a Trans Europe Express dei Kraftwerk sottesa nel ritmo di base lo renda interessante.
How High possiede anch'esso una melodia-killer implacabile e omaggia certa dance sbarazzina dei primi Anni 80, anche se il brano in se' è tutt'altro che "sbarazzino" essendo dotato di una cupezza di fondo che me lo fa amare molto.

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In Isaac troviamo echi del penultimo album di Madonna (il citato American Life), sia per la "disposizione" più acustica del brano che per la sua morbidezza; oltre a ciò è palese il richiamo a certa world-music, che sfrutta ad effetto melodie e voci mediorientali e/o africane.
Push è la canzone col tema di base più ossessivo dell'intero album (quella con gli "inserti sonori disturbanti"...) ed è anche quella coi bpm più bassi. Ad un tema che poco concede a qualsivoglia melodia, si alterna un ritornello dolce e piacevole che ricorda molto da vicino sia quello di Like A Prayer (dall'omonimo album) che una popolare melodia ebraica.
L'ultimo, bellissimo brano è Like It Or Not nel quale ritornano prepotentemente alla memoria i Depeche Mode più cupi e meno compiacenti.
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Dopo tutto ciò, non si pensi ad un album di banali scopiazzature. Nessuno può mettere la mano sul fuoco rispetto all'eventuale sincerità d'intenti di Madonna (né, credo, ad alcuno interessa farlo!).
Con Confession On A Dancefloor Madonna ha ancora una volta dimostrato sia di avere ancora molto da dire sia di meritarsi lo status di icona del pop.
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Ora scusatemi: torno a ballare...
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"...mi sembra che cerchi di cambiare ed evolversi ogni volta, facendo scelte coraggiose ed andando a collaborare sempre con gente diversa per ottenere qualcosa di nuovo. Non si puo' non apprezzare un atteggiamento simile, qualunque genere si ascolti!" [Albyrinth 25/11/2004]
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Orlando Furioso - Novembre 2005

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Confessions On A Dancefloor Tracklist:

.1. Hung Up
.2. Get Together
.3. Sorry
.4. Future Lovers
.5. I Love New York
.6. Let It Will Be
.7. Forbidden Love
.8. Jump
.9. How High
10. Isaac
11. Push
12. Like It Or No

System Of A Down - Hypnotized

2012-01-11T16:25:00.000+01:00

SYSTEM OF A DOWN - Hypnotized

L’unico vero difetto che si può riscontrare a questo disco è la ben risaputa storia del disco doppio diviso in due uscite per pure esigenze commerciali. Perché si sente già al primo ascolto che sia Mesmerize, che Hypnotize, sono due album che sono nati insieme, sono stati scritti contemporaneamente e sono stati registrati in un’unica sessione.

E, cosa ancora peggiore, sommando il minutaggio totale dei due lavori si scopre che entrambi i lavori ci sarebbero tranquillamente stati su un solo cd; anzi, sentendo i due dischi uno in fila all’altro non si avverte il minimo stacco, ma addirittura una sorta di progetto unitario, con la intro del primo album (Soldier Side) che si trasforma nella outro del secondo.

Insomma, nonostante quello che i System Of A Down (SOAD d’ora in poi) possono giurare e spergiurare non c’è nulla di artistico nella scelta di scindere i due lavori, ma solo la volontà di fare più soldi possibili: viste le vendite stratosferiche di Mesmerize e quelle che sono sicuro avrà anche Hypnotize, tutto sommato, da un punto di vista meramente monetario, non è che abbiano poi fatto male…anche se il rispetto per gli ascoltatori dovrebbe essere maggiore, ma si sa com’è fatto il music business e, comunque, non è certo la prima volta che accadono fatti simili.

A parziale consolazione, comunque, Hypnotize viene venduto in formato “Dualdisc”, ovvero un ibrido tra un cd audio ed un dvd video (basta cambiare lato come i vecchi Lp) contenente il backstage sulla lavorazione dei due cd.. [Image] A questo punto la recensione del disco rischierebbe di essere un puro esercizio di stile, visto che, a grandi linee, varrebbe quanto detto per Mesmerize, ma comunque è giusto tentare di andare a scoprire se esistano delle differenze tra i due lavori.

Innanzitutto Hypnotize ha un sound un po’ meno immediato ed orecchiabile del suo predecessore: con questo non voglio dire che siano tornati alla complessità dei primi due album, ma che sicuramente le canzoni contenute in questo nuovo cd sono generalmente più incasinate e maggiormente strutturate. Parallelamente a questo si deve sottolineare generalmente una maggiore potenza ed un impatto più deciso (su tutte le due canzoni che aprono l’album, ovvero Attack e Dreaming) ed un ritorno di strutture che, in qualche modo, sembrano ricordare il debutto dei SOAD, che rimane a tutt’oggi il loro lavoro più mirabile.

Un altro aspetto importante è quello vocale: se già in Mesmerize il ruolo di Daron Malakian era aumentato esponenzialmente, qui il chitarrista fa notare la sua presenza alla voce in quasi tutti i brani, diventando in molti punti la voce solista del gruppo; la scelta, inutile negarlo (anche perché è stato candidamente confessato dal musicista in più di una intervista), è nata dalla invidia che Daron provava nei confronti del ruolo di frontman di Serj. Può forse sembrare assurdo, ma ricordiamo anche che i dualismi tra cantante solista e chitarrista/compositore sono da sempre all’ordine del giorno del rock ed anzi fanno parte della leggenda che accompagna questa musica.

Aldilà di questo, il risultato su disco è che le parti vocali da un lato hanno guadagnato un maggiore dinamismo, soprattutto quando le due voci si incrociano alla perfezione (come sul ritornello di Lonely Days), mentre dall’altro, a conti fatti, il grandissimo Serj Tankian viene un po’ troppo sacrificato ed è un peccato vista la caratura e la classe sopraffina del cantante.

In più la cosa che forse mancava in Mesmerize era l’highlight assoluto, la canzone che svettasse nettamente sulle altre: certo c’erano brani veramente stupendi come B.Y.O.B., Violent Pornography ed Old School Hollywood, ma mancava il pezzo fulminante, come lo fu per Toxicity la stupenda Chop Suey!; beh, su Hypnotize c’è e si chiama Tentative, con il suo ritornello davvero stupendo ed indimenticabile e con delle melodie semplicemente affascinanti. In più c’è una simpatica traccia chiamata Vicinity Of Obscenity, che è un condensato della totale follia che questa band sa mettere nei propri brani, tra richiami crossover, momenti soft rock (!!!), falsetti assurdi, controcori deliranti, balli cosacchi (!!!) ed un bridge che fa “bananabananabananabananabananabanana terracotta pie”, tanto per gradire…difficile trovare qualcosa di più originale e delirante!

In definitiva Hypnotize è un lavoro che riconferma la straordinaria qualità del disco precedente ed è l’ennesima conferma per una band geniale ed unica come i SOAD…se solo riuscissero ad esprimere tutto il loro potenziale anche dal vivo sarebbero davvero inarrestabili! Comunque sia il binomio Mesmerize/Hypnotize sia aggiudica già da ora il titolo di disco dell’anno in ambito metal, con gli altri parecchio staccati…

Albyrinth - Novembre 2005

Tracklist:
SYSTEM OF A DOWN "Hypnotize"
1. Attack
2. Dreaming
3. Kill Rock 'n Roll
4. Hypnotize
5. Stealing Society
6. Tentative
7. U-Fig
8. Holy Mountains
9. Vicinity Of Obscenity
10. She's Like Heroin
11. Lonely Day
12. Soldier Side

Atlantic Gold: 75 Soul Classics

2012-01-11T15:58:00.001+01:00

ATLANTIC GOLD
75 soul classics from the Atlantic vaults

75 tracce -3 cd, Warner music UK, 2004
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Nel parlare di questa raccolta potrei benissimo cavarmela mettendo uno dietro l’altro i nomi degli artisti presenti ed i rispettivi brani. Finita lì. Qualunque ascoltatore distratto riconoscerebbe, almeno per sentito dire, i nomi maggiori e con molta probabilità sarebbe in grado di fischiettare anche i brani, stra-conosciuti, di personaggi di “seconda fascia”.
Potrei, ma mi negherei la possibilità di parlare, seppur a grandi linee e senza la pretesa di essere nemmeno minimamente esaustivo, di quella che molti considerano la casa discografica per eccellenza di tutta la soul music, con buona pace di Berry Gordy e della sua Motown (diverso il discorso per quel che riguarda la Stax, ma ci arriveremo).
Si tratta infatti di un’etichetta che sarà la casa di inquilini del calibro di Ray Charles, Aretha Franklin, Wilson Pickett, Otis Redding, tanto per dire i primi che risaltano all’occhio.
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La storia dell’Atlantic Records inizia nel 1947, precisamente quando il figlio di un diplomatico turco ed un ebreo newyorkese studente di odontoiatria si conoscono e scoprono di avere in comune la passione per il jazz. Nasce così l’idea di mettere in piedi una casa discografica. Ciò dovrebbe bastare a far capire che razza di paese fossero gli Stati Uniti del secondo dopoguerra. Una terra dove l’intraprendenza (con solide basi, va da sé) era sempre premiata. Un paese dove Ahmet Ertegun ed Herb Abramson, grazie ad un prestito da parte del dentista di famiglia del primo, creano una casa discografica indipendente in grado di divenire in breve tempo sinonimo di “rhythm & blues”.

E mai accoppiamento fu più azzeccato tra una casa discografica ed il genere musicale da essa cavalcato (ma si badi che non di solo “r&b” si vivrà in casa Atlantic; un nome su tutti: Led Zeppelin…e scusate se ho detto poco!) dato che il termine “rhythm & blues” è stato coniato da quello che diventerà uno dei tre azionisti dell’Atlantic ed il suo produttore principale, Jerry Wexler. Prima di approdare all’Atlantic Wexler lavorava come giornalista per la rivista Billboard e fu qui che coniò il termine “r&b” per identificare la musica creata e “consumata” dagli afroamericani che non fosse né jazz né blues ma una sorta di incrocio tra i due generi (in verità la questione non è così semplice, ma facciamo finta che lo sia).In precedenza infatti per indicare tale genere musicale si usava il termine “race music”. Definizione più disturbante e priva di rispetto non poteva esserci ed è giusto che sia stata abbandonata senza pentimenti.
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Wexler prese il posto di Abramson quando questi fu chiamato dallo Zio Sam ed al suo ritorno le cose erano chiare: Wexler era diventato indispensabile e la permanenza di Abramson durò ancora per poco. Finì così col cedere la sua quota in Atlantic ad Ahmet Ertegun, a suo fratello Nesuhi ed a Wexler stesso.

Risulta impossibile, come scritto in apertura, essere minimamente esaurienti sull’epopea Atlantic, e quindi mi limiterò ad elencare un unico fatto che non può passare sotto silenzio: l’accordo distributivo (ma in realtà molto di più) tra l’Atlantic Records ed una piccola ma agguerrita etichetta di Memphis, la Stax Records. Quest’ultima produceva dei buoni, a volte ottimi, 45 giri che però non riuscivano a varcare gli immaginari confini del sud (Mississippi, Lousiana, Alabama, Tennessee…tanto per dare dei punti di riferimento) degli Stati Uniti. Grazie all’Atlantic però, il successo arrise a gente del calibro di Otis Redding piuttosto che Carla Thomas e gli studi Stax divennero anche la destinazione di artisti sotto contratto con l’Atlantic (quindi non-Stax) che ivi si recavano per incidere i loro capolavori (uno su tutti, “Soul man” di Sam&Dave, presente nella raccolta di cui si sta parlando). Insomma, nel suono di Memphis c’è anche un briciolo di New York.

Dopo questa lunga (per i canoni internettiani) introduzione è tempo di parlare del contenuto di Atlantic Gold. Si tratta, senza giri di parole, del bignami perfetto per chi è totalmente digiuno di soul/r&b. In 75 tracce si ripercorre infatti la storia dell’Atlantic sul versante black music. E non fa nulla che in commercio esista un cofanetto “ottuplo” con tutti i singoli Atlantic dal ’47 al ’74. Il triplo in questione assolve benissimo al suo compito. Vi imbatterete infatti nel ‘genius’ Ray Charles ed in ‘miss rithm’ Ruth Brown, due delle colonne grazie alle quali l’Atlantic è stata in grado di sopravvivere prima e di spiccare il volo poi. “I’ve got a woman” e “What’d I say” sono le prime avvisaglie di un suono che è r&b in divenire. Un Ray Charles strepitoso in grado di indirizzare, lui e Sam Cooke in definitiva, la musica nera profana verso il gospel. Lo schema ‘call and response’ caratteristico dei canti da chiesa neri viene incorporato definitivamente nella musica secolare…e sarà successo.
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Ruth Brown, d’altro canto, rappresenta la primadonna di casa Atlantic dei primi anni ’50. Una donna che riversava la sua esuberanza in brani come “5-10-15 hours” o nella sostenutissima “Lucky lips” (vi sfido a non canticchiarla!).
Ma continuando l’ascolto scoprirete che canzoni notissime perché utilizzate in spot televisivi o come colonne sonore di film importanti sono state incise in casa Atlantic.
Troverete così ‘il vescovo’ Solomon Burke (soprannome azzeccatissimo perchè di vero pastore di anime si tratta) con “Everybody needs somebody to love” a braccetto di Joe Turner con la sua “Shake, ratte and roll”.
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Farete la conoscenza dei Drifters (ben 7 i loro brani presenti) e di classici conosciutissimi come “On Broadway” ed “Under the broadwalk”; stringerete la mano ad Arthur Conley, ringraziandolo per avervi fatto respirare per qualche minuto l’atmosfera del soul dell’età aurea con “Sweet soul music”; vi asciugherete le lacrime dopo aver ascoltato il commosso omaggio ad Otis Redding da parte di William Bell con “A tribute to a king”.

Ma vi risulterà anche impossibile stare fermi quando i Bar-Kays inizieranno a suonare “Soul finger” oppure Booker T. & the M.G.’s partiranno con “Green Onions”, LO strumentale soul per eccellenza: un organo Hammond come marchio di fabbrica, la ritmica precisissima e la chitarra a mettere i puntini sulle i.

Quando poi quel giullare che risponde al nome di Rufus Thomas partirà con la sua “Walk the dog” il vostro bel sederino starà già ondeggiando in modo pericoloso per le coronarie di chi vi sta dietro!

I brani di cui ancora bisognerebbe parlare sono davvero tanti, a cominciare da “Poison ivy” dei Coasters passando per “See see rider” nell’interpretazione di Lavern Baker fino a Joe Tex con “Show me”. Risulterei però noioso, quindi mi fermo qui, non prima però di aver puntualizzato che i pezzi grossi come Aretha Franklin, Otis Redding e Wilson Pickett ci sono tutti, e nella loro versione più fulgida, com’è giusto che sia in una raccolta del meglio di quanto prodotto da una casa discografica.

Insomma, se non sapete come impiegare quei pochi soldi che vi avanzano dopo aver pagato il mutuo della casa, la luce ed il gas, un pensierino a questa raccolta lo farei. Potrete così dimostrare ai vostri amici che molti dei brani che si divertono a fischiettare sotto la doccia hanno un nome e sono presenti nella vostra fornitissima ‘discoteca’.

Pino Paoliello - Novembre 2005

Etta James: voglio solo far l'amore con te

2012-01-11T15:44:00.000+01:00

Potenza della pubblicità. Ricorderete, le fanciulle di più, lo spot che ormai qualche anno fa imperversava sulle reti tv di mezzo mondo in cui un baldanzoso giovane entrava in un ufficio popolato da segretarie “eccitate” e con fare sensuale beveva da una lattina di Coca Cola. Ricorderete anche la musica e le parole di sottofondo a cotanto erotismo con le bollicine. Avete indovinato: il brano in questione si intitola “I just want to make love to you”, come il ritornello che allusivamente sottolineava il rapporto tra il fusto e la lattina di Coca Cola (chiaro segnale, se ce ne fosse ancora bisogno, che la fine del mondo è vicina…ma qui si divaga e non poco). Immagino che a questo punto avrete anche indovinato l’autrice di quel pezzo.

Bravi, è proprio Etta James, che da quello spot ricaverà nuova popolarità dopo che quella primigenia si era inevitabilmente affievolita per poi spegnersi del tutto.

Nata Jamesetta Hawkins quale frutto di una relazione tra una donna di colore ed un immigrato italiano (da qui il colore della pelle piuttosto pallido), come da copione i suoi primi gorgheggi li regala alla causa del gospel in quel di Los Angeles. Classe 1938, si trasferisce dodicenne a San Francisco ed è qui che la musica secolare farà capolino nella vita della nostra. A quattordici anni conosce Johnny Otis (origini greche e pelle chiara, ma a parte questo nero fino al midollo) che la visiona per un’audizione e la aggrega, assieme a due sue compagne, alla sua band. Decisivo sarà l’incontro con Otis anche per il cambio di nome, ottenuto dalla divisione ed inversione del suo nome di battesimo in Etta James. Si fa le ossa con vari singoli cantati assieme alle Peaches (lei e le due compagne di cui sopra), ma la Etta James maggiore sarà sempre legata ad un’altra città ancora, l’onnipresente Chicago. E’ qui infatti che ha sede la Chess records, etichetta per cui la James inciderà il suo materiale di gran lunga migliore. “All I could do was cry” il titolo di uno dei primi successi: ballata sofferta ed egregiamente interpretata, paradigma di un modo di cantare che di diritto posiziona Etta James poco al di sotto di un’icona del soul come Aretha Franklin. Allo stesso periodo risale la già citata “I just want to make love to you”, ed è una ritmica di stampo r&b sudista che si presta a far da tappeto alle potenti corde vocali di Etta.

Così come i profumi del sud risalgono fino all’Illinois per andare a permeare quell’omaggio secolare al gospel che è “Something’s got a hold on me”; incedere che sarà preso a modello in quel di Kingston qualche tempo dopo ed uno dei brani più belli su quanto l’amore sia capace di possederci e di cambiarci in meglio. La frenesia presente in questo pezzo la troviamo poi, se possibile amplificata, nella coeva “Pushover”. Non fate mai capire ad una donna che da lei volete solo una cosa. Ve le canterà di sicuro. Anima visceralmente sudista che si manifesta anche in “In the basement” e “I’d rather go blind”, quest’ultima ballata con punti in comune con un certo modo di intendere il soul à la Redding. Di sicuro gran parte della responsabilità della presenza di questi umori sudisti è da imputarsi al fatto che nel 1967 Etta James, come del resto Aretha Franklin, venne spedita negli studi Fame di Muscle Shoals in Alabama, alla corte di Rick Hall e della sua house band che in quanto ad inventiva e capacità era seconda solo a Booker T. & the M.G.’s.

Da quelle sessioni di registrazione venne fuori anche un brano, “Tell mama”, che rappresenta probabilmente la vetta artistica della James. Un’animo rock che difficilmente i fiati riescono a mascherare, tanto è vero che Janis Joplin impiegherà pochissimo ad appropriarsi del brano.

Ma molte sarebbero le perle di cui scrivere, da “I worship the ground you walk on” più sudista che mai a brani incisi dalla James nei ’70 quali “I found a love” piuttosto che “Losers Weepers” o “Leave your hat on” (ebbene sì, proprio quella!).

Non è che lo spazio sia tiranno, ma visto che esiste in commercio un “best of” dal ridicolo prezzo di 5 € vi invito ad acquistarlo senza tema di restarne delusi (in fondo due pacchetti di sigarette vi costerebbero di più). Farete in questo modo la conoscenza di una soul diva dall’indole rock come nessuna prima di lei. Talmente rock che non è stata in grado di rifuggirne il più terribile dei luoghi comuni, la tossicodipendenza. Ma se per tanti l’eroina è stata la chiave per aprire la porta su di un abisso fatalmente inevitabile, per Etta James è stata fortunatamente una parentesi aperta e chiusa.

La possima volta che andrete a fare compere in quel di Los Angeles e vi troverete a passeggiare sulla “Walk of Fame”, prestate attenzione al marciapiede. Inavvertitamente potreste calpestare una stella rosa a cinque punte con al centro scritto il nome di Etta James. Insomma, un po’di rispetto per la signora. Se lo merita tutto.
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Pino Paoliello - novembre 2005
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Bibliografia minima:
- Sweet soul music. Il rhythm'n'blues e l'emancipazione dei neri d'America Guralnick Peter ; Arcana
- Soul, rhythm & blues. I classici Cilìa Eddy ; Giunti Editore
- Il Mucchio Extra n.18 (Estate 2005). Black music, 100 album fondamentali a cura di Cilìa Eddy Stemax Società Cooperativa
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Ricky Lee Jones

2012-01-11T12:25:00.003+01:00

Rickie Lee Jones e la vena d’oro che sto cercando

(sempre che abbiate staccato gli occhi dall’immagine che sta qui sopra sperando che la ragazza vi guardi, si può cominciare)

Voglio confidarvi un segreto: io conosco una vena d’oro e so anche dove si trova. Non sono l’unico, certo. Ma molti conoscono solo una parte della vena, forse Alessandro Filippini [1] ne sa qualcosa. Io ne conosco una parte che mi sembra grande. Ma forse non la conosco tutta neanche io.
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Sto ancora cercando la vena d’oro e divento vecchio.

Questa vena d’oro comincia da Joni Mitchell ed è lì che io e Alessandro ci siamo spesso incontrati, pur non conoscendoci.
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Il suo modo di cantare sottile, suadente e vagamente infantile, i suoi pezzi sognanti e sfumati sono il punto dove la terra della musica femminile americana diventa chiaramente oro, quell’oro che voglio descrivere in queste righe. È un’oro riconoscibile, non è l’unico che si trovi in America e che coinvolga la voce femminile ma ho sempre sentito che quella di Joni e di molte altre è una sola vena, nonostante le apparenze e nonostante tenga insieme i gioielli di donne e artiste distanti anche trenta o quarant’anni.
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La ragazza che vedete nella foto è Rickie Lee Jones. Lascia la casa dei genitori e va a vivere da sola a diciotto anni, nel 1973. Nel 1978 incontra Lowell George (con Zappa e poi con i Little Feat) e questo grande uomo le produce il primo singolo.

Quando Rickie Lee esordisce, a ventiquattro anni, la vena di Joni scorre già da quasi quindici anni. Rickie è una che frequenta Tom Waits (lo incontra nel 1977) e potrei finire qui, è già una donna da amare, ma non è il caso di esagerare con le mitizzazioni.

Tanto vi basterà ascoltare il suo primo album, omonimo, uscito per la Warner nel 1979 e prodotto dai professionisti Lenny Waronker e Russ Titelman (già produttori di Randy Newman, ad esempio nel capolavoro Sail away del 1972).

È il disco in cui Rickie cerca di comunicare il suo mondo, fatto di brutti locali, vite solitarie, vestiti vecchi, macchine rotte e amori come sogni nascosti sotto una vecchia veranda. E di costruirlo su un jazz sporcato che si fonde al rock, alla canzone folk, alle tonalità meno convenzionali della canzone popolare.

C’è Chuck E.’s in love, dedicata a Chuck E. Weiss amico di Waits, cantante, dalla vita molto waitsiana.

C’è Easy money, The last chance Texaco, After hours.

Ci sono undici canzoni scritte da Rickie quando un suo pezzo pesava più di mesi di vita, più di un sentimento, più di un ricordo.
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Poi si va a comprare Pirates (1981) prodotto ancora da Lenny Waronker e Russ Titelman con almeno due capolavori assoluti: We belong together e Living it up. Disco più sperimentale del primo, con pezzi molto lunghi e narrazioni fiume, sapientemente diretti dalla capacità affabulatoria di Rickie Lee Jones, da molti definita cinematografica, aggettivo a me antipatico, proprio perché equivoco e non chiaro. Ma è del resto molto difficile descrivere la grande dote lirica di Rickie che possiede una capacità iconica e di resa della situazione raramente riscontrabile nella canzone americana femminile, a mio parere non inferiore rispetto a quella di Joni. A me la sua musica fa pensare a vecchie foto, più che al cinema, e soprattutto a come una fotografia non sia mai distinta dal ricordo che se ne ha e dal ricordo dell’attimo che vorrebbe preservare. Ma la memoria è cosa mutevole, nonostante non lo si pensi, ed è questo il “movimento” della scrittura di Rickie che fa pensare al cinema, il movimento incessante della memoria.
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Proseguendo nel cammino, se siete fortunati, potreste incontrare un gioiello del 1983 che si chiama Girl at her volcano, EP pubblicato in 10 pollici, quasi interamente di canzoni altrui (uno è un dono di Waits e non sarà pubblicato in nessuno dei suoi album). In CD è molto diffcicile trovarlo ma qualche pezzo è presente nel recentissimo triplo CD antologico Duchess of Coolsville, un’antologia perfetta, non fosse altro che necessariamente fa perdere la possibilità di giudicare correttamente e completamente la sua opera, album per album.
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Su Girl at her volcano (e su Duchess of Coolsville) potrete ascoltare come interpreta My funny valentine (classico assoluto di Rodgers & Hart, per chi non lo sapesse) e potrete capire come alcune di quelle caratteristiche del cantato di Joni si siano magicamente diffuse, variate, in questa eterna bambina che canta come non si può cantare, almeno nel triste mondo che viviamo e che percepiamo quando, passeggiando per le nostre città, non sentiamo che rumori, fischi, stridii e voci rauche e voci senza voce, delle persone che incontriamo e forse anche di noi stessi.

Qui, nel modo in cui Rickie Lee ha immaginato di cantare My funny valentine, c’è l’oro.

Poi The magazine (1984) ci fa scoprire che forse in questa direzione la vena non è più pura. Qualche pezzo è tra le sue gemme (It must be love) e certamente Rickie mette in pratica una concezione assolutamente originale sia della canzone stessa (Rorchachs) sia di album e di sequenza dei pezzi che pochi cantautori hanno dimostrato, ma c’è una lieve sensazione di appannamento data forse dal progetto concept molto ambizioso e dagli arrangiamenti non più così efficaci.

Ma Flying cowboys (1989) ci riporta verso l’oro anche se semplicemente ce lo fa intravedere (The horses) forse reso opaco dai suoni un po’ troppo leccati di Walter Becker (ma è il chitarrista degli Steely dan, del resto, no?).

Pop pop pop (1991) ci dà la possibilità di ascoltare Rickie Lee alle prese con pezzi non suoi, forse per sviluppare il discorso di Girl at her volcano. Ma qui è l’eleganza e la perfezione degli arrangiamenti e dei musicisti (ci sono Joe Henderson, Charlie Haden e Robben Ford, per dirne tre) che danno il tono al disco, comunque bellissimo, piuttosto che l’irresistibile spontaneità della nostra ragazzina di quarant’anni.
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Ancora un passo, dorato, con Traffic from Paradise (1993) prodotto dalla nostra in solitaria, e Altar boy, Pink flamingos e una grande e trattenuta versione di Rebel rebel di Bowie per arrivare al punto dove l’oro si mostra con l’ultimo, emozionante lampo di lucentezza: Naked songs - Live and acoustic (1995).

Dovete ascoltare quest’incredibile disco, in Altar boy (qui nella versione migliore) e in ogni pezzo, troverete una malinconia e una dolcezza, una forza e una sensazione di “vita vissuta” che non potrete dimenticare. Quasi tutti i pezzi sono, o almeno sembrano, ancora più veri, più vibranti di quelli delle versioni in studio. La parola acoustic non vi inganni. Non c’è elettrificazione ma non pensate nemmeno per un attimo a certe sonorità laccate e timbriche squillanti e arrangiamenti edulcorati di alcuni dischi “acoustic” dei primi anni novanta. Qui c’è dolore, sofferenza, gioia e speranza e i suoni e le timbriche che queste cose, rare in questa forma così pura, si meritano.
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Questo viaggio (e il mio segreto) è, per ora, concluso, ma da qui potreste scorgere con me o da soli i mille rivoli della vena d’oro che vi ho fatto ammirare. La vena passa, infatti, da Edie a Suzanne a Sheryl a Tori (ma si potrebbe vedere, forse, anche Laura e chissà quante altre – ad esempio come negare che Alanis è una ramificazione, magari meno preziosa, di questa stessa vena? – ).

Per ora imparate a godere della ragazzina col cappello rosso che si accende una sigaretta e non vi guarda, del suo mondo, delle sue canzoniche valgono una vita e della sua voce, gioiello prezioso e impalpabile.
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Stefano Rizzo - novembre 2005

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Nota:
[1] Alessandro Filippini è un recente collaboratore del settore Musica di fumettidicarta e autore, tra gli altri, anche dell’articolo su Joni Mitchell pubblicato nell’aggiornamento dell’8 ottobre 2005.

Manowar!

2012-01-11T12:15:00.001+01:00

I Manowar certo non sono una band semplice semplice di cui discorrere seduti ad un tavolino bevendo una birretta….

Sono in realtà una band abbastanza complessa, soprattutto se si vuole parlare di quello che dicono del come e quando lo dicono!!!

So molto bene che le cose che dirò faranno infuriare le schiere di “True Heavy Metal Defenders” di tutto il mondo, ma ascoltando la loro musica, ascoltando le loro parole, guardando le loro copertine dei dischi e i loro stereotipi……sinceramente mi viene da riflettere!!!!

Seghe mentali? Può darsi, ma non ho mai amato l’idea di dover consumare un prodotto solo perché si trova sul mercato e tutti lo comprano….mi piace leggere l’etichetta, scoprire cosa contiene…Poi a me la scelta se comprarlo o meno!!!

I ManOwar nascono nel lontano 1981 dall’incontro tra Joey DeMaio e Ross Friedman (Ross the Boss).

Un grande feeling musicale li unisce e decidono di scritturare una delle voci più belle e più potenti del panorama metal mondiale Eric Adams e cominciare a lavorare per diventare una band.

Serve un batterista: il primo ad essere scritturato è Karl Kennedy ma, ha vita breve nella band. Esce praticamente subito e al posto suo subentra Donnie Hamzik.

Il gruppo è intenzionato a cantare degli Dei del Metallo, delle antiche leggende e saghe Vichinghe, del Dio Thor. All’interno di quello che poi sarà il loro primo lavoro, c’è una canzone “Dark Avenger” in cui c’è un pezzo parlato e i Manowar cercano la voce giusta che lo possa interpretare. Incontrano Orson Wells a N.Y. e dopo vari complimenti, baci e abbracci, Wells decide di registrare la sua voce in due pezzi: il sopraccitato “Dark Avenger” e quello che uscirà qualche anno più tardi “Defender”. Non contento decide di donare la sua voce anche per quello che poi diventerà l’intro dei concerti dei Manowar.

Tutto pronto per l’uscita del loro primo lavoro BATTLE HYMNS del 1982.

All’interno ci sono pezzi molto belli come “Dark Avenger”, “Metal daze” la title track “Battle hymns” e il pezzo con cui i Manowar aprono i loro concerti appunto “Manowar”.

La prima cosa su cui riflettere è la copertina del disco che raffigura un’aquila.

L’aquila nasce come simbolo sacro, l’animale divino collegato a Padre Giove.

Il problema è che il modo in cui è raffigurata quest’aquila ricorda le vecchie simbologie imperiali proprie di un’antica Roma ai tempi di Caio Mario e Cesare Ottaviano Augusto, riprese poi da Carlo Magno, da Napoleone e da Hitler e il significato dell’aquila stessa è quello di simboleggiare la forza, il potere militare, diventare il simbolo dell’Impero.

Ora mi chiedo: perché? La forza, la potenza la superiorità “metallica” non potevano essere rappresentate altrimenti?

La band già da subito incontradifficoltà a suonare live…volumi troppo alti, una potenza sonora e d’impatto che copre quella dei gruppi a cui loro fanno da supporter….insomma l’America certo non gli apre delle porte…Cosa diversa accade in Europa e soprattutto in Germania e Inghilterra dove i Manowar già sono una forza Metal.

Vendetta dura vendetta!!! I Manowar dichiarano di essere i veri “Kings of Metal” e dichiarano guerra al falso metallo. Già da subito? Hanno appena pubblicato un disco e già si ergono a detentori di una verità che in un ambito come quello del metal sinceramente non possiede nessuno.

Nello stesso anno Donnie saluta la band e al suo posto entra Scott Columbus un batterista che non ha una grande tecnica ma sicuramente ha una potenza nel suonare che è quasi unica, basti pensare che la batteria è costruita su misura per lui ed è in acciaio inox.

Nell’83 esce INTO GLORY RIDE l’album peggio registrato del mondo. Nato come demotape diventa poi un album.

Anche in questo lavoro ci sono pezzi di assoluta bellezza quali “Warlord”, “Secret of Steel”, “Gates of Valhalla” e “March for revenge”. Già con questo secondo lavoro i Manowar si contraddistinguono per la lunghezza e per la complessità compositiva dei brani.In Europa intanto la fama dei Manowar è sempre più forte e la band decide di fare un tour in Inghilterra.

Il tour però salterà e la band, quasi a volersi scusare con il pubblico inglese pubblica nell’84 un lavoro dedicato proprio a loro HAIL TO ENGLAND.

Questo è uno dei loro migliori lavori musicali. In questo disco riescono a fondere epico e potenza musicale alla perfezione, ottenendo brani come “Hail to England”, il brano di apertura “Blood of my enemies” una potentissima “Kill with power” e una maestosa “Bridge of death”….ma potrei anche elencarli tutti i brani….

La potenza e l’estensione vocale di Eric Adams qui raggiunge livelli mai più raggiunti.

Una piccola curiosità: “Hail to England” viene eseguita solo nei concerti in Inghilterra.

E qui però, mi spiace, devo riaprire una parentesi. Hail? Sarà pure una forma di saluto ma purtroppo il suo significato è strettamente legato ad un ricordo alquanto nefasto e spesso l’espressione si accompagna al saluto romano!!!

Il testo stesso di "Hail and Kill" lascia alcuni interrogativi:

frasi come:

il martello dell’odio è la nostra fede ……
Squarciate la loro carne bruciate i loro cuori
Pugnalateli negli occhi
Violentate le loro donne tanto da farle piangere
Uccidete i loro servi bruciate le loro case
Fino a che non ci sarà più sangue da versare
Saluta e uccidi

E se alla fine qualcuno grida BOIA CHI MOLLA?

O se sulla maglietta trovo scritto O CON NOI O CONTRO DI NOI?

Tutto tranquillo? Non è successo nulla?

Beh diciamo che un linguaggio e un gergo da “stadio” non è l’ideale quando si vendono milioni di dischi!!! Ficcare nella zucca delle persone la purezza della razza del TRUE Heavy Metal Fan non è proprio una cosa da sottovalutare.

A parte tutto, dopo questo disco la band parte per un tour europeo insieme ad un’altra band allora parecchio famosa i Mercyful Fate che però viene declassata a gruppo spalla.

Critica e fans sono divisi: da una parte chi attacca questa nuova generazione Metal dall’altra chi la difende fiero di farne parte. Non contenti del risultato di vendite e del tour nello stesso anno incidono un secondo lavoro SIGN OF THE HAMMER e ripartono per un nuovo tour suonando ovunque gli diano un posto dove suonare.

Non fanno più da spalla a nessuno e non accettano band di supporto che non siano in grado di sfoderare le armi del dio metallo e scagliarle sul pubblico.

Questo secondo disco è un altro grande e importante lavoro; pezzi come “All men play on 10”, “Animal”, “Mountain” “Sign of the hammer” e la magistrale “Guyana” sono davvero pezzi immortali, quei pezzi che ogni fan dei Manowar vorrebbe sentire live…beh alcune le fanno!!!

Dopo qualche anno di silenzio discografico esce nel 1987 FIGHTING THE WORLD un disco bello ma non bello come i suoi predecessori. La copertina, spudoratamente copiata da Destroyer dei KISS, è l’anticipazione fumettistica di quello che saranno tutte le future copertine dei loro lavori.

Con il loro nuovo tour approdano anche in Italia per uno dei concerti più belli che io abbia mai visto della band.

Il disco è registrato alla perfezione, i suoni sono chiari e puliti; il sound però subisce un ammorbidimento e i testi iniziano a non essere più solo saghe e leggende ma una glorificazione di loro stessi e del loro essere gli unici cavalieri difensori del True Heavy Metal.

Più americani di così si muore!!! (ndr)

Canzoni comunque belle ce ne sono: “Blow your speakers” ha un bel riff e un bel ritmo, “Defender” bellissima e la possente “Black wind fire and steel”.

La fede verso il “True Heavy Metal” li porta in guerra anche contro MTV, rea di aver buttato l’Heavy Metal nella spazzatura a favore di una musica fatta di sola immagine e nessuna sostanza. (beh!! È la verità!!!)

Nell’88 esce l’album più glorificato della band KINGS OF METAL, a mio avviso l’inizio di una lunga discesa in termini di qualità…. Sicuramente per loro sarà una superascesa a guadagni da capogiro!!! Chi lo avrebbe mai detto!!

A tour iniziato però Ross decide che è ora di fermarsi e intraprendere una strada diversa: lascia la band e al posto suo entra David “Death Dealer” Shankle.

Nel 1990 anche Scott, per motivi di famiglia, lascia la band e suggerisce il suo sostituto…Rhino un “treno” in corsa, con una tecnica e una potenza incredibile.

Con questa nuova formazione pubblicano nel 92 THE TRYUMPH OF STEEL un album molto particolare, in cui risaltano pochi brani tra cui la bellissima “Master of the wind”, “The demon’s whip” e “Spirit horse of the cherokee”. C’è anche il brano opera “Achilles, agony and ecstacy in 8 parts” di ben 28 minuti e rotti…per l’amore di Dio non è brutto….ma forse troppo lungo.!!!!

Tra tutti i cambiamenti c’è anche quello di un diverso modo di suonare live: i pezzi si allungano, a discapito della scaletta, si allungano gli intro o le parti finali, diventando a volte pesanti e alquanto noiosi.

Nuovo stravolgimento nella band: torna Scott alla batteria e va via David Shankle per lasciare il posto all’attuale componente Karl Logan.

Nel 96 esce un brutto ma davvero brutto nuovo lavoro LOUDER THAN HELL un disco noioso, ripetitivo in cui si nota il declino compositivo in cui la band è entrata.

Ma qualcosa in questi anni almeno i Manowar l’hanno guadagnata (oltre i soldi che non sono pochi): una credibilità e un minimo di riconoscenza da parte di una stampa che è sempre statapronta ad attaccarli e a giudicarli.

L’ultima produzione in studio arriva nel 2002 e nasce dopo l’attentato alle torri gemelle……

WARRIORS OF THE WORLD è un tripudio americano all’America guerrafondaia di Bush e soci, farcito di luoghi comuni come “The Fight for Freedom” o “Warriors of the worls United” e per chiudersi con “Fight until we die”….

La vena compositiva, creativa, musicale sono allo sfascio!!!

Che sia il declino dell’Impero?

Gluk "TheBitch" - novembre 2005

Ritratto di FIONA APPLE

2011-07-27T21:45:00.002+02:00

La carriera musicale di Fiona Apple, giovane cantautrice e pianista americana, inizia verso la metà degli anni ’90; la profondità e la ricchezza della sua musica, la durezza dei testi delle sue canzoni, che spesso raccontano episodi della sua infanzia burrascosa, hanno reso la Apple una delle artiste più interessanti della scena musicale americana degli ultimi dieci anni.

Il primo disco risale al 1996 e si intitola Tidal; non si tratta di un tipo di musica molto accessibile alla massa, e lo si capisce già dall’iniziale Sleep to dream, dal ritmo inebriante e dall’andamento molto ruvido; questa è una delle pochissime canzoni di Tidal dove vengono suonate le chitarre; lo strumento predominanteè infatti, in tutte le canzoni, il pianoforte; la senzazione che viene trasmessa da questa bellissima canzone è un po’ quella evocata dal titolo dell’album, come una marea che trasporta l’ascoltatore in un altro mondo, in un’altra dimensione; il finale della canzone è stupendo, e ci trasporta nella successiva e bellissima Sullen girl, un brano molto lento dove il pianoforte, suonato da Fiona, fa da padrone. Le successive Shadowboxer, che è stato il primo singolo tratto dal disco, e Criminal hanno invece un andamento molto più ritmato e veloce, e soprattutto hanno una strumentazione molto ricca ed elaborata; il merito di questo è da attribuire, forse, alla collaborazione con Jon Brion, che suona una quantità di strumenti. Altra grande canzone è Never is a promise, un brano molto lento sempre col pianoforte in primo piano. Dell’ultima parte del disco è da ricordare Pale september, un brano ancora lento e con un tocco di gran classe, un brano che possiede un non so che di raffinato ed elegante (ma può essere solo una mia impressione….); quindi, in generale, a parte l’introduttiva Sleep to dream e altre due o tre canzoni, l’atmosfera del disco è molto pacata, crepuscolare, elegante, raffinata; comunque, a differenza di alcune recensioni che ho letto, mi sembra davvero un ottimo esordio.
	La conferma del talento e della bravura di Fiona arriva nel 1999, con la pubblicazione di When the pawn… (il titolo completo è formato da ben 80 parole), per l’etichetta Epic; si fa un grosso passo avanti rispetto al primo disco; infatti, se Tidal era caratterizzato da un suono talvolta inconsistente e più scarno, con una strumentazione a volte povera (solo in una o due canzoni, per esempio, ci sono le chitarre), When the pawn… invece è un disco molto più complesso e articolato, una musica molto ricca e variegata; è un disco in cui Fiona espande i propri orizzonti musicali raggiungendo una maggiore maturità stilistica e musicale. Basta ascoltare l’introduttiva On the bound per capirlo; questa canzone è un po’ il corrispettivo di Sleep to dream di Tidal; la successiva To your love, anche questa una canzone dal ritmo molto veloce, ci introduce al cuore del disco, dove si fa notare Paper bag, un vero capolavoro; il ritmo di questo brano ricorda molto Bacharach, l’andamento è tenue e altalenante, molto bella davvero; sempre Fiona protagonista al pianoforte, con la collaborazione del fidato Jon Brion, che questa volta è anche produttore del disco.
Altra perla è Fast as you can, canzone molto veloce ed inebriante; in generale si cominciamo ad avvertire le influenze che Fiona ha assorbito in questi anni, da parte di artiste quali Aimee Mann, al cui stile molte canzoni di When the pawn… si avvicinano o si ispirano; anche le successive The way things are e Get gone, bellissime, hanno qualcosa che in effetti ricorda la Mann di Magnolia (disco che non a caso uscì nel 1999, come When the pawn…).

Per molti anni, dal 1999 al 2005, Fiona rimane in silenzio discografico; aveva già pronto il terzo disco nel 2002-2003, ma per motivi contrattuali con la sua casa discografica, non ha potuto pubblicarlo fino al 2005; il motivo di tutto questo, udite udite, è il fatto che per la Epic il nuovo disco non conteneva possibili singoli, cioè non conteneva canzoni sufficientemente commercializzabili (leggi commerciali) da giustificare la sua pubblicazione… E' davvero una vergonga che un’artista come Fiona Apple, o altri artisti più in ombra, debbano abbassarsi a svendere la propria musica, adattarsi a simili compromessi, o prostituire il proprio talento in funzione del guadagno, dei soldi e della fama; quindi fino a quest’anno non abbiamo potuto assaporare quello che secondo me è il capolavoro indiscusso di Fiona, cioè il suo tanto atteso terzo disco, Exraordinary machine.

Extraordinary machine vive di una pienezza, di una consistenza e di una varietà sorprendenti; si alternano canzoni più lente e melodiche (la bellissima O’sailor, la grande Oh well, Parting gift), canzoni invece più ritmate (Get him back, la bella Tymps (the sick in the head song), Not about love) e canzoni quasi orchestrali, come la introduttiva Extraordinary machine e la conclusiva e bellissima Waltz (betterthan fine).

Queste ultime sono le uniche prodotte da Jon Brion, mentre le altre sono prodotte da Mike Elizondo; una canzone come O’Sailor ti porta alle lacrime, Waltz (better than fine) la sentiresti mille volte, e non basterebbe, Tymps (the sick in the head song), ti entra in testa e non la scordi più, mentre dopo aver ascoltato Please please please ti chiedi perché questo disco non è uscito anni fa invece di ora, perchè si è dovuto attendere così a lungo per questo capolavoro; un disco genuino, fresco, moderno, come se ne trovano pochi in giro, lo consiglio vivamente a tutti.

Fiona Apple è una grande protagonista della scena musicale americana, una eccezionale artista e musicista, destinata, spero, a farci compagnia a lungo.
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Alessandro Filippini
novembre 2005

BEACH BOYS "PET SOUNDS"

2011-07-27T21:40:00.002+02:00

LA MUSICA COME GIOIA,
LA GIOIA FATTA MUSICA

“Volevo scrivere musica gioiosa che facesse star bene la gente. Musica che aiutasse e guarisse, perché credo che la musica sia la voce di Dio” - Brian Wilson
.

“Nessuno è musicalmente colto finché non ha ascoltato PET SOUNDS…è un disco classico, completo, per molti versi insuperabile” - Sir Paul McCartney
.

“Senza PET SOUNDS, SGT. PEPPER non ci sarebbe stato…PEPPER era un tentativo di eguagliare PET SOUNDS” - Sir Gorge Martin, produttore, The Beatles

Basterebbero le tre citazioni riportate in apertura a far comprendere che non di un qualunque disco si sta parlando, bensì di uno dei capolavori riconosciuti del XX secolo. Una sinfonia pop battezzata “Pet Sounds”, il disco per eccellenza dei Beach Boys. Scorrendo la scaletta dell’album però, l’ignaro ascoltatore non scorgerà i pezzi per cui i Beach Boys sono conosciuti. Nessuna Barbara Ann o Surfin’ USA a far capolino tra le 13 tracce dell’album. Eppure si tratta di un lavorolievissimo, etereo ed immaginifico, fatto di sogni e soprattutto di gioia. Come disse infatti Brian Wilson nella cerimonia di insediamento dei Beach Boys nella “Rock ‘n’ Roll Hall of Fame”, la gioia è la caratteristica principale di quello che a tutti gli effetti può essere considerato un suo lavoro solista.

Strano gruppo davvero i Beach Boys, originatisi inizialmente come propaggine della famiglia Wilson (tre fratelli ed un cugino in organico) ma ben presto mero strumento “esecutivo” nelle mani del più geniale compositore di musica pop del ‘900 (dichiarazione forte ma condivisibile), Brian Wilson appunto.

La genesi del disco è piuttosto particolare, dato che la sua composizione risale a quando un Brian Wilson ventiquattrenne rifiutò di andare in tour con i restanti Beach Boys e si chiuse in studio a comporre un album che si discostava in maniera decisa da ciò che in precedenza i “ragazzi da spiaggia” avevano proposto. Le melodie, come sempre orecchiabilissime, si fanno però di colpo stratificate, complesse, ricche oltre ogni immaginazione (a tal proposito si consiglia l’ascolto in cuffia, avrete delle belle sorprese). L’argomento dei testi è l’amore, ma un amore adulto, consapevole e soprattutto non solo verso una donna, ma, tra le righe, anche verso Dio.

La composizione di Pet Sounds era per Brian una sfida nei confronti dei Beatles di Rubber Soul, così come Sgt. Pepper sarà per i Beatles una sfida nei confronti di Pet Sounds, per chiudere il cerchio.

Entrato in studio con l’intenzione di scrivere un album “monumentale”, Brian Wilson si sbizzarrì nello sperimentare sovrapposizioni di nastri con melodie ma anche con puri e semplici suoni. Suoni di carillon o di treni in corsa, di passaggi a livello in chiusura o di campanelli da bicicletta, tutto andava bene per descrivere la realtà e soprattutto l’amore e la gioia che esso procura. Era innamorato Brian durante la scrittura di Pet Sounds, e dispiace che l’amore da lui celebrato non sia stato in grado di salvarlo da quei demoni che poco a poco lo avrebbero consumato con voracia sempre crescente e mai appagata. Una maledizione, la depressione, che fortunatamente ha allentato la presa dopo anni, rendendoci un Wilson capace di tornare attivo sia nella produzione di nuovi lavori che dal vivo.

Pubblicato nel 1966, Pet Sounds seguiva di pochi mesi un altro album dei B.B., Party!, realizzato nel mezzo della creazione del capolavoro wilsoniano e visto come un “singhiozzo nella notte” secondo la calzante definizione di David Leaf. Si trattava infatti di un album “classico”, editato più per volere della casa discografica che di Brian Wilson. Non che fosse un brutto album (conteneva Barbara Ann, singolo tra i più venduti dei B.B.), ma Brian aveva in mente l’opera pop definitiva, il capolavoro che nessuno aveva mai scritto e che avrebbe cambiato per sempre la concezione di “album da studio”, se non nell’immaginario collettivo sicuramente tra gli addetti ai lavori (cosa puntualmente avvenuta, ça va sans dire).

Abbiamo detto del fatto che a comporre tutta l’opera sia stato il solo Brian mentre gli altri membri del gruppo erano in tour, coadiuvato dal fido Tony Asher ai testi. La cosa non deve sorprendere più di tanto visto che la parte creativa è sempre stata appannaggio del maggiore dei fratelli Wilson, che nella sua mente “sentiva” già le canzoni così come dovevano essere, nota per nota, strumento per strumento. E parlando di strumenti, l’unico che non aveva a disposizione il nostro durante le registrazioni di Pet Sounds era la voce, o per meglio dire le voci, quelle appunto dei compagni in tour. Compagni che una volta tornati in California si trovarono di fronte ad un album già praticamente composto e registrato (furono turnisti vari a suonare nelle “Pet Sounds sessions” e non i B.B. che come detto erano in fondo una “facciata” per i lavori di Brian, senza per questo volerne sminuire eccessivamente il valore, sia ben chiaro) e che era qualcosa di inaspettato e semplicemente “diverso” da ciò a cui erano abituati. Diverso a tal punto da essere percepito come un “flop” una volta messo in commercio (di flop relativo si parla, se si confrontano le vendite tra Pet Sounds e gli altri lavori dei B.B.), sia dal pubblico che, cosa peggiore, dalla casa discografica. La critica invece colse da subito il valore dirompente dell’opera, il suo distaccarsi dalle classiche “California songs”, l’abilità evidentissima di Brian Wilson dietro il mixer. Pet Sounds fu tra i primi album che dimostrarono al mondo che era possibile usare lo studio di registrazione come uno strumento musicale e non come semplice mezzo per rendere la musica riproducibile nell’impianto stereo di casa. Fu questa l’innovazione storica per cui l’album sarà sempre ricordato.

Una volta aggiunte le voci dei B.B. alle composizioni già registrate, l’alchimia si rese manifesta alle orecchie di quelli che avevano partecipato alle sessions e che non erano in grado ancora di giudicare se Brian avesse confezionato un capolavoro oppure un terribile incidente di percorso. Le voci amalgamate a tutto il resto resero evidente a tutti ciò che Brian aveva in mente sin dall’inizio. Erano canzoni che funzionavano, delle piccole “sinfonie tascabili” (ascoltate “Let’s go away for a while” per avere un’idea di cosa si parla) da ascoltare una dopo l’altra, senza sosta, più e più volte. Si può in questo caso parlare di “concept album”: un’opera compatta, senza cali di tensione e con un filo conduttore che come detto è l’amore. Un lavoro inscindibile, non commercializzabile a spizzichi e bocconi (nonostante ne siano stati estratti singoli a 45 giri), da fruire come un continuum, un lavoro completo che nulla avrebbe dovuto avere in più di ciò che già conteneva.

Come ricordato, Pet Sounds fu considerato un “flop” (parola esagerata, va da sé) perché non riuscì a vendere quanto i lavori precedenti dei B.B. (risale a pochi anni fa la conquista del disco di platino, a dimostrazione comunque che ci troviamo di fronte ad un “long seller”), ma nella comunità musicale fu da subito considerato il capolavoro di Wilson. Il pubblico invece, nell’anno di grazia 1966, iniziava a mutare. I capelli si facevano lunghi e la barba poco curata, slogan di protesta sempre di più trovavano cittadinanza tra i ragazzi borghesi che qualche anno prima avevano decretato il successo dei B.B. e che iniziavano ora ad indirizzarsi verso altri lidi sonori. Tutto ciò, sommato all’argomento dell’album, l’amore appunto, contribuì a rendere Pet Sounds un oggetto anomalo per un paio di generazioni di ascoltatori. Ma ciò non poteva durare troppo a lungo. Come sarebbe stato possibile resistere in eterno a brani quali “Wouldn’t it be nice”, “God only knows”, “I’m waiting for the day”? Quale la mente malata che si sarebbe privata ad oltranza del piacereprovocato da “Sloop John B” (lontanissima parente del classico folk interpretato, tra gli altri, anche da Johnny Cash con il titolo “I want to go home”) e “I know there’s an answer”? Chi a cuor leggero avrebbe rinunciato a conoscere la benevolenza di Dio fattasi d’un tratto musica? Fortunatamente in pochi.

Se dai vostri polverosi scaffali non fa capolino un cd la cui costola recita The Beach Boys-Pet Sounds, allora siete nei guai. Ma a tutto c’è rimedio. Vi basterà recarvi nel più vicino negozio di dischi o navigare in uno dei tanti “internet music shop” e fare vostra, nonostante la copertina, una copia del lavoro più completo e magnifico della premiata ditta Wilson. Si trovano in commercio varie ristampe, oltre ad un bel cofanetto, The Pet Sounds Sessions, ricco di documenti sonori che fanno comprendere la genesi, pezzo per pezzo, dell’album. Consigliatissima è la ristampa del 2001 (rintracciabile all’irrisorio prezzo di 10 euro o poco più) comprendente le tredici tracce originarie più una bonus track (“Hang on to your ego”) in versione mono e la loro ripetizione in versione stereo, oltre ad un completo libretto con interventi volti a raccontare l’origine dell’album ed un apparato critico che analizza ogni brano (il tutto, ahimè, solo in inglese).

Una volta giunti a casa, e dopo aver inserito il cd nel vostro impianto stereo, messo in testa le cuffie (è un consiglio spassionato, se ascoltate Pet Sounds per la prima volta, fatelo con le cuffie) ed esservi seduti in poltrona, premete play e spegnete la luce del salotto. Un mondo vi si spalancherà nel cuore. Vorrete piangere di gioia, urlare la vostra felicità a chi amate, alla ragazza che non avete mai avuto il coraggio di guardare negli occhi, con la sicurezza di conquistarla.

Quando il mondo sembra darvi addosso, quando la vita vi scivola via senza sapere esattamente cosa farne, quando la speranza di un’esistenza soddisfacente lascia il posto alla rassegnazione, allora è il momento di rifugiarsi in paradiso.

PINO PAOLIELLO
ottobre 2005

Discografia:
The Beach Boys-Pet Sounds (Capitol, 1966)

Bibliografia:
Booklet della ristampa del 2001 di Pet Sounds-Brian Wilson, David Leaf, Mark Linett (Capitol, 2001)

The Beach Boys. Pet Sounds - Kingsley Abbott (Arcana, 2004)

KISS-STORY Pt. 3

2011-07-27T21:30:00.001+02:00

KISS-STORY parte 3

Questa terza e ultima parte l’apriamo con il settimo miracolo…il concerto del REUNION TOUR in Italia al filaforum di Milano. Tutto esaurito da mesi. Security truccati come i KISS. Età media dai 30 in su. Il palco viene coperto da un telo su cui è scritto KISS. Come si spengono le luci avviene il miracolo…..all right mILANO….DO U WANT THE BEST U GOT THE BEST…THE HARDEST BAND IN THE WORLD ……. KISS!!!!

Non si capisce più nulla…..piango, rido, salto, urlo, abbraccio tutti quelli che mi sono vicini….avete presente quelle scene ridicole di delirio di massa? Ebbene io ci stavo proprio dentro, e partecipavo con tutte le mie forze!!!

Mai e poi mai avrei pensato di poter rivedere con tanto di trucco, zatteroni, e tutti gli optional, i miei idoli….soprattutto ACE e PAUL…

La scaletta quella del greatest hits, lo show quello dei fasti del passato, con tanto di faro che si rompe durante il solo di Ace e la chitarra che prende fuoco, la batteria che si alza, il sangue e la scena del mangiafuoco di Gene, il pelo e le sculettate di Paul, “Beth” di Peter.

Insomma tutto quello che noi fans abbiamo sempre adorato….E il finale? Ma logicamente stelle filanti, botti, esplosioni, coriandoli, fuochi d’artificio e l’immancabile “Rock’n’roll all nite”.

Ma giriamo la frittata e notiamo che ai KISS tutte le ciambelle riescono col buco!! Ma che c’è nel buco? Nulla……..

Dal 96 in poi i KISS riaprono solo il loro immenso centro commerciale ….carta igienica, mutande, preservativi, bambole, orologi, set per il trucco, macchinine……insomma inutile fare l’elenco….immaginate di entrare in un grande ipermercato e poter trovare, diviso per settori, tutti i prodotti possibili che vi servono, tutti a markio KISS…..

Un delirio praticamente…..

E infatti i nuovi KISS sono al delirio più totale….

Ma andiamo con calma….

Dopo lo straordinario Reunion Tour, i fantastici4 decidono di rientrare in sala d’incisione e ricominciare una nuova vita tutti e 4 assieme. Ma non sarà così purtroppo. Gene e Paul sono gli assoluti detentori del potere: Ace e Peter sono a contratto….in che senso? In gergo tecnico li chiamano turnisti, per periodi più lunghi di un tour ma sono sempre turnisti. Non fanno più parte della famiglia. Per le tasche di Peter ed Ace questo va bene….ma non troppo a lungo!!

Dopo un battage pubblicitario miliardario escono nel 98 con il nuovo lavoro PSYCHO CIRCUS, un fumetto e un gioco con lo stesso titolo, e un set di nuove action figure.

Partiamo dalle due cose che stravendono: le action figure e il fumetto….il gioco insomma, il disco gran poco. Non piace né ai fans né alla critica, fatta eccezione per alcuni brani tra cui “We are one” candidata anche a fare da colonna sonora allo spot natalizio della Cocacola.

Sinceramente tutti ci aspettavamo molto di più, ma le regole imposte dal mercato e da Gene e Paul hanno sicuramente condizionato i lavori: Ace non viene fuori quasi per niente, eccetto che in “Into the void” brano oltre tutto scopiazzato ai suoi vecchi successi precedenti; Peter che interpreta un orrendo seguito di “Beth”….; “You wanted the best” in cui tutti e 4 fingono di volersi bene e di essere una grande famiglia….. Insomma, questo lavoro lascia un po’ con l’amaro in bocca….

Malgrado ciò il tour va benissimo. Date sold out quasi ovunque per un grande show in 3D…in che senso? Nel senso che all’ingresso venivano dati degli occhialini per poter vedere in 3D i filmati che venivano proiettati sul maxischermo centrale dietro la batteria e i due laterali.

L’idea era niente male…..ma il pubblico vuole qualcosa di più……

Il problema è che i KISS non hanno più nulla da offrire se non il loro nome, che mi spiace dirlo ma non è più sinonimo di garanzia, la loro immagine e il loro passato.

Cominciano così una serie di tour senza senso in cui i KISS non fanno altro che sfoderare la solita scaletta….trita e ritrita….

Il “FAREWELL TOUR”, con cui i KISS annunciavano al mondo intero il loro addio alle scene….tutta una farsa!!!;

il “WORLD DOMINATING TOUR”, con cui consacrano il loro essere americani e difensori della giustizia!!!

(domanda: Da quando si sono messi a fare politica? Risposta: dall’attentato alle torri gemelle, da quando l’America ha deciso di punire i cattivi, da quando Gene, in overdose da soldi, ha cominciato a delirare e si crede davvero un supereroe);

il “ROCK THE NATION TOUR” ……. Boh!!!

Tra un tour e l’altro, Ace saluta i suoi compagni d’avventura per la seconda volta, anche perché i suoi problemi con l’alchool tornano a farsi sentire, e viene sostituito dall’ottimo chitarrista Tommy Thayer.

Peter fa lo stesso, prima a spizzichi e bocconi, poi definitivamente, e viene sostituito da Eric Singer.

Nel 2002 esce l’ennesima raccolta VERY BEST OF KISS….no comment!!!

L’unica nota di merito in tutto questo lunghissimo periodo assolutamente improduttivo, un mega concerto sinfonico registrato a Melbourne in Australia nel 2003 che diventerà ALIVE IV – KISS SYMPHONY, che uscirà sia in Dvd che Cd e che è suddiviso in due parti: la prima in cui suonano loro come gruppo la seconda in cui suonano con la Melbourne Symphony Orchestra.

Piccole curiosità:

il mio amico PiX (per questioni di privacy), impazzito alla sola notizia che i KISS erano tornati insieme, ha comperato i biglietti per assistere alle 4 date del Madison Square Garden di N.Y. e di tutte le date Europee del Reunion Tour (più di una 20ina di date) [...certo il tuo amico non ha problemi di soldi, beato lui! ndO];
sempre il mio amico PiX, impazzito alla sola notizia che i KISS erano tornati insieme, ha speso non so quanti milioni per acquistare la famosa bara/frigorifero [...e faccelo conoscere 'sto amico nababbo, no?... ndO];
sempre e ancora lui…il mio amico PiX, impazzito alla sola notizia che i KISS erano tornati insieme, ha aperto un conto in una banca americana solo per avere la KISS-Visa [...appunto... ndO];
vi ho percaso parlato del mio amico PiX? Beh, lui impazzito alla sola notizia che i KISS erano tornati insieme, ha costruito a casa sua una stanza con porta e finestre blindate, in cui dentro ha un mini museo dei KISS del valore di circa 2 miliardi!!! [...e non ti dico dove comincia a starmi 'sto pixeron de' pixeroni... ndO]
per il Rock the Nation Tour i KISS chiamano come supporter nientepopòdimeno che i Poison che vengono scritturati per sole 40 date che faranno registrare il tutto esaurito.
approposito di amici…lo sapevate che un amico del mio amico PiX scrisse una lettera a Paul e Gene chiedendo loro di fare da testimoni alle sue nozze? …. Mai recapitata

7. sapete quanti hanno suonato come supporter dei KISS? Bon Jovi; AC/DC; Scorpions; Tom Petty And The Heartbreakers; Judas Priest; J. Geils Band; Fleetwood Mac; New York Dolls; Iron Maiden; Nazareth; Rush; Sammy Hagar; Blue Oyster Cult; Aerosmith; Vandenberg; Mott The Hoople; WASP; Slaughter; Uriah Heep; Queensryche; Motley Crue; Ted Nugent; Black 'N' Blue; Cheap Trick; John Cougar Mellencamp; King Kobra; Danger Danger; Krokus; Accept; Bow Wow; Journey; Little Caesar; Winger; Bob Seger; Jackyl; Anthrax; Faster Pussycat; Great White; Slayer; e tantissimi altri….

8. sapete a quanto fu venduto un biglietto per un concerto dei KISS in quel del Marquee di Londra? 5000 sterline

9. piccola curiosità per collezionisti: nella parte interna della copertina della ristampa italiana di ALIVE I ci sono riprodotte le copertine dei tre dischi successivi e non dei primi 3 album da cui sono tratte le canzoni del live. Sul mercato italiano vale poco ma per quello americano…beh provate a chiedere!!!

10. ultima piccola curiosità: l’originale etichetta della Casablanca Records è su sfondo blue e non beige come poi è diventata. Con quella etichetta lì si trovano solo pochissime copie dei primi 2 album….se vi capitano sotto mano non fatele scappare!!

DISCOGRAFIA COMPLETA:

KISS (1974); Hotter Than Hell (1974);

Dressed To Kill (1975); Alive! (1975);

Destroyer (1976); Rock And Roll Over (1976);

The Originals (1976 – che raccoglie I primi 3 album KISS, Hotter Than Hell and Dressed To Kill);

Love Gun (1977); Alive II (1977);

Gene Simmons (1978 - solo); Ace Frehley (1978 - solo); Peter Criss (1978 - solo); Paul Stanley (1978 - solo);

Double Platinum (1978); The Best Of Solo Albums (1978); The Best Of Gene, Paul, Peter & Ace (1978);

The Originals II (1978 – solo in Giappone – raccoglie I 3 album successivi Destroyer, Rock And Roll Over and Love Gun)

Dynasty (1979);

Unmasked (1980);

(Music From) The Elder (1981);

Creatures Of The Night (1982);

Killers (1982);

Lick It Up (1983);

Animalize (1984);

Asylum (1986);

Crazy Nights (1987);

Chikara (1988 – solo in Giappone); Smashes, Trashes & Hits (1988);

Hot In The Shade (1989);

Revenge (1992);

Alive III (1993);

Greatest KISS (1996); MTV Unplugged (1996); You Wanted The Best, You Got The Best!! (1996);

Carnival Of Souls (1997); Greatest Hits (1997 – solo in U.K.).

Psycho Circus (1998);

Alive IV-Symphony (2003); The boxset (2003).

VIDEO, FILM:

KISS Meets The Phantom Of The Park (nel 1978 per il solo mercato americano nel 1979 per il resto del mondo);

Detroit Rock City (1999).

Second Coming per la TV (1996); The Second Coming (nel 98 in VHS nel 1999 in dvd);

Animalize Live Uncensored (1985);

Exposed (1987);

Crazy Nights (1988);

X-treme Close-Up (1992);

Konfidential (1993);

KISS My Ass - The Video (1994);

MTV Unplugged (1996)

Gluk “TheBitch”

Ottobre 2005

KISS Story - Pt. 2

2011-07-27T21:13:00.000+02:00

Kiss Story parte 2

“Lick it up lick it up oh oh oh
It’s only right now….”

Sembra la pubblicità di un film porno……ma non è così!! È un pezzetto del ritornello della title-track dell’album che apre questa seconda stagione dei KISS.

LICK IT UP esce nei negozi nell’83 e va a ruba…..un album aggressivo, dalle sonorità molto metal, con un Vinnie Vincent alla chitarra che modifica completamente il soud caratteristico degli album precedenti.

Ma l’heavy metal è un’altra cosa e i metallari sono troppo impegnati a osannare gruppi come Maiden o Judas e tutti i neo-nati speed metal, thrash metal, etc etc, per accorgersi di questa evoluzione dei KISS.

C’è da aprire una parentesi però: la cosa strana che avvenne i questi anni fu la totale o quasi totale non considerazione, nelle nuove fila dei fans del metal, di tutto un passato musicale senza il quale “il nuovo” non sarebbe mai arrivato!!!

Eppure gruppi come Metallica, Slayer, Anthrax, Guns and Roses etc etc (l’elenco diventerebbe inutile) hanno sempre riconosciuto a gruppi come KISS, Aerosmith, Alice Cooper, Deep Purple, Led Zeppelin un ruolo molto importante sia nella loro formazione musicale, che nella musica stessa.

Comunque resta il fatto che i KISS dai fasti del passato, con concerti sold out, passano a suonare davanti a 3 – 4000 persone…

Questa maledetta legge del mercato però, li porterà a curare molto di più l’aspetto musicale (i testi purtroppo erano e resteranno quello che sono n.d.r.); già in questo album compaiono pezzi di una forza e una potenza metal fuori da qualsiasi schema compositivo precedente: “Young and Waisted” oppure “Fits Like a Glove” o “Gimme More” sono solo alcuni esempi di questa nuova era.

Ma Vinnie è troppo PrimaDonna on stage e Gene e Paul, che sono le due uniche e indivisibili regine dei KISS, dopo appena due anni lo sbattono fuori dalla band per prendere al suo posto un gran chitarrista di nome Mark St.John con cui registrano ANIMALIZE dell’84.

Questo è un disco misero sotto molti aspetti: la vena creativa è agli sgoccioli: i pezzi sembrano buttati dentro il disco senza un nesso logico; alcuni risultano anche essere alquanto privi di impatto. L’unica cosa che spicca in rare occasioni è la chitarra di Mark ma non a sufficienza. Il disco è un flop eccezion fatta per il singolo “Heaven’s on Fire”….ma non sarà l’unica sfiga. Mark ha un problema alla mano e lascia la band a tour iniziato. Al suo posto entra un ottimo chitarrista Bruce Kulick.

Nello stesso anno Gene produce l’album solista di Wendy ‘O’ Williams (R.i.p.) una delle voci più “cattive” del panorama hard-metal al femminile. All’interno del disco compariranno tutti i KISS tra cui il redivivo Ace.

Bruce rinvigorisce la band e li toglie da una situazione di stallo. Fratello di Bob Kulick, con cui Paul aveva già collaborato e con cui farà il suo tour solista, Bruce riesce a ricavarsi degli spazi all’interno del gruppo potendo così dimostrare tutte le sue qualità di musicista. Nell’85 esce un altro flop discografico ASYLUM un disco a parer mio molto più bello del precedente ma, anche questo di scarso impatto, con poche belle canzoni tra cui sicuramente la prima “King of the Mountain”, “Tears are Falling“ e la bella “I’m Alive”.

Non c’è che dire….i KISS stanno arrivando al secondo traguardo. Sembra che la slot machine si sia inceppata.

Eppure gruppi e nomi, che fino a qualche anno prima erano a fare da supporter, stanno sbancando….uno di questi è Bon Jovi.

Allora i KISS decidono di investire tutto l’oro che gli è rimasto nelle casse per cercare di tirar fuori un disco che sia competitivo e cercano disperatamente di eguagliare i suoni e lo schema compositivo di “Slippery When Wet” proprio dei Bon Jovi.

Il disco che viene fuori è CRAZY NIGHTS dell’87 ed esce per la Mercury, un disco sicuramente molto meno impegnativo a livello musicale, ma di più facile impatto e che restituisce al gruppo, in termini di vendite e di audience, risultati sicuramente migliori. Vengono anche inseriti per la prima volta nel programma del Monsters of Rock, oggi Gods of Metal (in Italia) e dopo anni tornano anche a suonare in Italia. Questo è il sesto miracolo….finalmente poterli vedere dal vivo. Piazzato sotto il palco, avvinghiato alle transenne rimasi assolutamente pietrificato quando li vidi uscire da dietro le quinte. Fu un attimo poi il delirio. Ricordo che gridai al miracolo e che piansi lacrime di gioia.

A questo punto il gruppo si prende una meritata sosta.

Durante questo periodo di riposo esce nell’88 SMASHES THRASHES & HITS una raccolta che contiene 2 brani nuovi: “X in Sex” e “(You Make Me) Rock Hard” e un remake di “Beth” cantata da Eric Carr. L’album vende bene e la band si sente pronta a rientrare in sala d’incisione.

Nell’89 esce HOT IN THE SHADE un disco sottovalutato da tutti ma che invece contiene del buon rock’n’roll e secondo me suonato anche discretamente. Ma il disco non vende.

I KISS si ritrovano di nuovo a dover fare i conti con il loro passato. Qualcuno gli rinfaccia di essersi tolti la maschera e di aver rovinato tutta la magia.

A tutto questo si aggiunge la triste sorte di Eric Carr che lascia la band a causa di un tumore e che muore qualche giorno dopo Freddy Mercury.

Entra nella band Eric Singer e nel 92 esce un super lavoro REVENGE, finalmente un gran disco dai tempi di CREATURES OF THE NIGHT. C’è rabbia, dolcezza, buon rock’n’roll il tutto condito con sonorità metal. Al disco fa seguito un tuor mondiale e un nuovo album live ALIVE III del 93, sicuramente non all’altezza dei due precedenti alive ma nemmeno da disprezzare.

Nei KISS però c’è qualcosa di strano. La macchina infernale del music–biz si rimette in moto. Qualcuno vocifera già qualcosa ma bisognerà aspettare ancora qualche anno….prima che un miracolo riaccada.

Nel '94 esce una nuova raccolta KISS MY ASS e riappaiono in copertina le 4 maschere originali….le notizie si fanno sempre più incalzanti……ma i preparativi sono lunghi.

Tra il '96 e il '97 i KISS invadono di nuovo il mercato discografico pronti a rimettersi in gioco e certi di ritornare ad essere i Re Mida del mondo della musica.

Nel '96 infatti, sull’onda di tutti gli unplugged, pubblicano il loro KISS UNPLUGGED….ma il loro vende più di tutti….Come mai? Perché ecco riuscire dagli armadi, puzzolenti di naftalina, Peter & Ace e suonare da vecchi amici/fratelli 4 cavalli di battaglia. Il mercato impazzisce. Esce subito dopo un greatest hits dal titolo YOU WANT THE BEST, YOU GOT THE BEST.

Nello stesso anno, da una portaerei, alla sola presenza di stampa, rappresentanti delle varie Kissarmy e qualche infiltrato, Paul Gene Peter & Ace annunciano la loro reunion.

L’anno successivo viene pubblicata una nuova raccolta GREATEST KISS.

I KISS però hanno un conto aperto che devono chiudere. Esce così, dopo varie peripezie, CARNIVAL OF SOULS un disco rabbioso e influenzato dal grunge di Alice in Chain & friends.

Questo lavoro è totalmente ignorato da pubblico e critica, troppo intenti a seguire i preparativi per il grande ritorno. Bruce ed Eric sono licenziati e i KISS tornano ad essere i fantastici 4, a reindossare i loro abiti di scena, ritirare fuori dai cassetti i loro alter-ego, a riempire stadi, palazzetti, strade……ovunque si parla solo dei KISS.

La più grande macchina commerciale di tutti i tempi è di nuovoin movimento….ma stavolta è una comoda ferrari rosso fiammante e corre a più di 200 km orari……speriamo non incontri una pattuglia!!!!

Piccole curiosità:

Durante le pause con i KISS Paul decide di intraprendere un fortunatissimo tour solista in cui suona pezzi del suo album del '78 mai suonati live. Purtroppo il tour è solo negli States.

Per il Revenge Tour i KISS cambiano il loro stage e inseriscono un mezzobusto della statua della libertà. Verso fine show il volto si spacca in due e compare il teschio…..la decadenza!!!

In America, impazziti per questa reunion, alcuni organizzatori avevano progettato un mega concerto in cui i KISS sarebbero atterrati sullo stage da un UFO. Progetto mai andato in porto.

Con la decisione di buttare via la maschera i KISS danno la possibilità alla stampa di parlare di un passato prima di allora vietato. Escono così gli amori e le leggende metropolitane riguardo a Gene e la sua lingua…. tra gli amori si annoverano nomi del calibro di Cher, Diana Ross e Shannon Tweed.

Gene partecipa a diversi film oltre al sopraccitato Runaway, i più famosi sono stati “Morte a 33 giri”, “Wanted dead or alive” in cui lui interpreta la parte di un terrorista arabo.

Sulla scia della fortunatissima serie X-Files esce Millenium e in una intera puntata ci recitano i KISS.

i KISS si distruggono in una puntata di Celebrity Death Match.

Lars Ulrich e il resto dei Metallica chiedono di poter fare da supporter ai KISS nel Reunion Tour… richiesta bocciata !!!

Per chi era al Monsters of Rock dell’88 a Modena: avete presente il reggiseno che ad un certo punto vola sul palco e che gene attacca all’asta del microfono? E’ di una nostra amica a cui abbiamo ordinato di toglierlo e buttarlo a Gene.

Ultima curiosità divertente: un mio amico, aveva raccolto, spiccando un salto da campionati mondiali, l’asciugamano che Gene, dopo essersi asciugato il viso, aveva gettato tra il pubblico. Sull’asciugamano erano rimaste, stile sacra sindone, tracce del trucco di Gene. Al ritorno a casa, la mamma premurosa del mio amico, vedendo uno straccio sporco dentro la sua borsa ha ben pensato di lavarlo!!!!! L’apocalisse!

Gluk "TheBitch"
ottobre 2005

KISS Story - Pt. 1

2011-07-27T20:53:00.000+02:00

Kiss- story, parte 1

…E se provassi a parlare di questo gruppo senza partire dalla cosa più scontata e cioè la vita, ma saltassi direttamente ai miracoli, tralasciando la morte visto che, eccetto uno,sono ancora tutti vivi?

Presentiamoli solo:

(le ovazioni stile stadio durante una finale dei mondiali sono assolutamente ben accette)

Questa è la formazione originaria e anche quella del
REUNION TOUR nel 1996:

EUGENE KLEIN detto Gene Simmons “The Demon”

STANLEY HARVEY EISEN detto Paul Stanley “The StarChild“

PAUL DANIEL FREHLEY detto Ace Frehley “The Spaceman” o “The SpaceAce”

PETER CRISCUOLA detto Peter Criss “The Catman”

Altri membri dei KISS che si sono alternati dall’81 in poi:

PAUL CHARLES CARAVELLO detto Eric Carr “TheFox” (R.i.p.)

VINCENT CUSANO detto Vinnie Vincent “The Wiz”

MARK NORTON detto Mark St.John

BRUCE KULICK detto Bruce Kulick

ERIC MANSINGER detto Eric Singer

Do u want the best u got the best....the hardest band in the world..... KISS [1]
.

Nel 1973 i KISS si formano e questo fu il primo miracolo…..

Certo non fu uno di quei miracoli da notizia sul giornale, anche perché erano troppo simili a tanti altri nuovi gruppetti che stavano uscendo allora sulla scena newyorkese.

Nel 74 arrivano il contratto con la Casablanca Records e il primo disco KISS, un nuovo look fatto di maschere stile teatro giapponese kabuki, nuovi costumi, un nuovo stage pieno di fumi, tuoni, lampi, esplosioni, ma soprattutto arrivano i loro alter ego: The Demon (che per molti sarà The Vampire) The Starchild, The Catman, e The Spaceman. Da questo disco usciranno 5 canzoni che entreranno di diritto nella classifica dei “tormentoni” da concerto. Una di queste diverrà un’icona: “Deuce” di cui non esiste versione 45 giri eccetto quella pubblicata dalla rivista Hard.

Da questo momento in poi però, bisogna chiarire che, tutti i miracoli a cui assisteremo equivarranno a miracoli per le loro tasche!!! Non dimentichiamo che, per quanto fan io possa essere, i KISS sono una disgustosa macchina mangiasoldi…..ma andiamo avanti.

Sempre nel 74 esce il loro secondo lavoro Hotter Than Hell e nel frattempo nelle misere casse dei fantastici 4 iniziano ad entrare soldi…. Decidono di cambiare lo stage, aumentano gli effetti visivi, aumenta la spettacolarità, aumentano i concerti non più nei clubs e non più per un esiguo numero di fans….iniziano anche a passare qualche loro canzone per radio. I KISS scoprono così di giocare la partita potendo contare su due assi: Ace, che si scopre dotato di un tocco magico quando poggia le mani sulla sua chitarra, vedi “Parasite” e, il secondo asso, è proprio questa innata capacità del gruppo di saper comporre il pezzo giusto con il riff giusto il ritornello giusto e di saperlo piazzare al posto giusto….(classifica n.d.r.) nel momento giusto!!!

1.2.3…….BOOM!!! i KISS sfondano sul mercato Americano e Giapponese con il loro terzo lavoro e un tour degno delle migliori star: Dressed to Kill esce nel '75 e possiamo gridare al secondo miracolo. Un lavoro-capolavoro da cui usciranno alcuni dei pezzi più amati da tutto il popolo della KISSNATION: “I wanna rock’n’roll all nite….and party everyday” non è solo il ritornello di una canzone ma l’inno conclusivo con cui i KISS da 30anni a questa parte chiudono i loro show. Ma da questo lavoro esce anche il secondo pezzo magico di SpaceAce “She”.

A questo disco farà seguito un tour che travolgerà gli States, Giappone e Australia e che terminerà in un doppio live ALIVE I un gran bel disco, dirompente, carico di sano rock’n’roll, che rimpinguerà non poco le casse della Casablanca Records e dei KISS stessi.

Intanto attorno ai 4 si crea un alone di mistero: quelle maschere che celano i loro volti diventano una ragione di culto: chi si nasconderà dietro quel cerone? Avete una vaga idea di che genere di peripezie si dovevano fare per riuscire a trovare foto in cui il loro volto era anche solo parzialmente visibile?

Tra il '76 e il '77 i KISS butteranno sul mercato discografico 4 lavori: due sono assoluti capolavori due contengono invece al loro interno dei brani che sono molto interessanti, soprattutto dal punto di vista musicale. Ma andiamo con ordine. Il primo capolavoro e qui griderei al terzo miracolo, è l’album Destroyer uno dei dischi più heavy dei KISS e che contiene pezzi di indiscussa bellezza come “Detroit Rock City” la galattica “God of Thunder” e l’hit “Should it out Loud” e la canzone che ha fatto arrivare i KISS nelle radio di tutto il mondo, la meravigliosa, stupendevole, megaipergalattica “Beth”. Originariamente si doveva chiamare Back, ma il sig. Gene Simmons, che di cose economiche se ne intende, non ritenne quel titolo azzeccato per il mercato e lo cambiò in Beth.
A questo album fanno seguito Rock and Roll Over, che eccetto alcuni brani è un lavoro senza infamia e senza lode, e un altro gran bel lavoro come Love Gun del '77. Anche qui, come già era successo in precedenza, Ace regala ai fans uno dei pezzi più belli che abbia mai scritto “Shock Me”, e i KISS regalono (si fa per dire) ai fans uno dei tour più shokkanti, che si concluderà con il secondo album live ALIVE II.

Stati Uniti, Giappone, Australia….i KISS stanno preparandosi a sbancare i mercati discografici di tutto il mondo….ma hanno bisogno di riposo. La droga fa la sua entrata nella band, l’alcool, i primi litigi, ma soprattutto la stanchezza fisica, impongono ai 4 una sosta.

La Casablanca invece va avanti e nel '78 esce Double Platinum una raccolta di hits al platino. Un gran rischio a quei tempi pubblicare una raccolta….così per correre ai ripari e non farsi dimenticare escono sul mercato con 4 album solisti. Non sono tutti belli….anzi, alcuni brani direi che sono proprio bruttini, eccezion fatta per l’album di Paul e quello di Ace da cui uscirà “New York Groove” una canzone che i KISS saranno costretti a mettere in scaletta nelle loro esibizioni future.

Intanto i mercati di tutto il mondo sono pronti per il quarto miracolo…..una smussatina qui, un accorciatina là, un addolcimento in più, un po’ di influenza dance…..e Dynasty è pronto. È il '79 e i KISS scalano tutte le vette delle classifiche mondiali con “I Was Made for Loving U”; arrivano addirittura a fare un film “KISS Phantom in the park” una boiata di film dalla trama più misera che si possa immaginare, un B movie di quint’ordine, ma che sbanca ai botteghini.

I KISS sono sulla bocca di tutti: diventano una macchina mangiasoldi, una slot machine che non farà mai vincere nessuno ma con cui tutti vorranno giocare.

Intanto il mistero attorno ai loro volti reali si fa sempre più fitto…..tutti vogliono sapere come sono i KISS veramente. Quale miglior palla da prendere al balzo…. e far uscire uno dei dischi peggiori della loro carriera: Unmasked dell’80.

I problemi all’interno della band sono sempre più evidenti: Peter il batterista è stanco, forse annoiato, o semplicemente troppo poco interessato a proseguire la sua carriera nascosto dietro una maschera e all’ombra di Paul e Gene che certo non lasciano spazio ad un povero gattino indifeso; Ace è sempre più alcolizzato e mezzo tossico. I soldi, la fama, danno alla testa, ed Ace la sua l’ha già compromessa abbastanza.

Nell’81 Peter dice addio ai KISS e comincia una misera carriera solista fatta di due lavori mediocri e scarse apparizioni live.

I KISS sono quasi al traguardo. Qualcosa non ha funzionato. Non sono più una rock’n’roll band ma un fenomeno di massa, un prodotto per famiglie.

In tutto questo bailamme i KISS passano alla Polygram, Eric Carr entra nella band al posto di Peter e i KISS danno alla luce nello stesso anno Music from THE ELDER un capolavoro incompreso, un gran bel disco finito negli scaffali di un archivio e riscoperto da pubblico e critica solo dopo molti anni.

Nell’82 i 4 cavalieri del rock mettono fine ad un’era.

Stanchi di un’immagine che oramai ha saturato il mercato, decidono di chiudere la loro carriera di fenomeni da baraccone, con un disco che è il quinto miracolo: Creatures of the Night un album metal, che dimostra al mondo intero che loro sono ancora the hardest band in the world!!!!

Esclusa l’hit “I Love it Loud” il disco contiene pezzi di rara bellezza compositiva. Ma alcuni suoni sono diversi. Qualcosa di nuovo sta per entrare nei KISS e si chiama Vinnie Vincent, che prenderà il posto di Ace e che ridarà un nuovo vigore alla band.

FINE PRIMA PARTE

Piccole curiosità:
KISS per buona parte degli isterici(integralisti) cattolici significa Kings In Satan Service;

Le due SS che richiamano alla mente un non so ché di fascista non sono altro che una riduzione grafica di due fulmini. In Germania però i KISS devono usare due ZZ;

Con la pubblicazione di DESTROYER i KISS danno il benvenuto ufficiale alla KISSARMY;

La promozione del 1° fumetto dei KISS la Marvel Comics si affida alla notizia e alle immagini che vedono i fantastici 4 versare nel contenitore del colore rosso una fialetta del loro stesso sangue;

I KISS guadagnano un posto tra le pagine delle enciclopedie sui messaggi subliminali con il brano “God of Thunder”;

Durante le 3 date italiane, ci furono scontri tra fazioni politiche di destra e di sinistra….no comment;

Durante un concerto i capelli di Gene prendono fuoco. Solo il tempestivo intervento di Paul impedisce al povero sventurato un precoce trapianto di capelli o ancor peggio l’uso del parrucchino. La cosa più scandalosa fu la risposta del pubblico, affatto preoccupato, anzi entusiasta del nuovo effetto shock!!!

Una parte dei materiali di scena che i KISS usano ancora oggi, sono cimeli cinematografici

Il costume di scena che indossa Robbie Williams nel video “Let me entertain u” è di Paul Stanley del tour di Destroyer;

Io e la mia amica Adriana fummo cacciati dal cinema in cui stavano proiettando “Runaway” il primo film di Gene senza trucco, perché ci lasciammo andare a commenti e gridolini che infastidirono non poco il pubblico presente in sala……ma fu troppa l’emozione nel vedere il nostro idolo finalmente in viso!!!

NOTE:
[1] hardest/hottest …in alcuni concerti (vedi Alive I e II ) compare hardest in altri hottest.
L'intro non è sempre lo stesso. A volte viene modificato in alcune parti.

Gluk "TheBitch"
ottobre 2005

DECLINO - 1982-85: Come Una Promessa

2011-07-27T19:13:00.003+02:00

DECLINO - 1982-85: Come Una Promessa - cd, 2004 - SOA Records, Roma - anche disponibile in vinile, 2005 - Agipunk, Bologna

qualche ora di odio buttata nella strada /idee e delusioni sprecate sull'asfalto
falsi sorrisi su vassoi d'argento/immagini perdute dentro un cranio di nylon
città di macerie solo terra bruciata/un ponte reciso un legame tagliato
un senso di spreco con un vetro nel cuore/apatie, silenzi e sogni di altri mondi
[Terra Bruciata - Declino]

Ci ho pensato un po' su, poi mi sono detto che era inutile chiedere a qualcun'altro di scrivere qualcosa su questo cd. E per che cosa poi? "Conflitto d'interesse"?!? Casomai è vero il contrario: sulle cose che mi riguardano direttamente sono particolarmente severo.

DECLINO è stata una delle più importanti hardcore band italiane (e non solo), e io ne ho fatto parte per un breve lasso di tempo. Con loro ho registrato il primo singolo (quotato ora un sacco di soldi al mercato del collezionismo, cosa che mi disgusta un po') e ho fatto una manciata di bellissimi concerti. In questo album suono in soli quattro dei diciassette brani presenti.

L'epopea dell'harcore italiano, fenomeno erroneamente assimilato al "punk" tout-court, è durata pochi anni, più o meno quelli citati nel titolo dell'album. E' stata un'epoca importantissima per chi l'ha vissuta, densissima di avvenimenti ed emozioni, intense come poche altre. Chi c'era e ne ha fatto parte non dimenticherà mai; chi non c'era può solo cercare di capire a posteriori, anche con dischi come questo.

L'hardcore punk italiano ha prodotto centinaia di bands, fanzines, autoproduzioni, concerti, riflessioni, azioni. Molte di queste bands sono durate un battito d'ali; altre hanno continuato la loro attività per alcuni anni e hanno sfornato dischi che, in carti casi, sono stati e sono dei veri capolavori.

Caratteristica delle hardcore bands dell'Epoca d'Oro era l'assoluto rifiuto di qualsiasi tipo di compromesso. Dal punto di vista (o meglio: di ascolto) artistico, espressivo e comunicativo, l'hardcore non ha nulla di consolatorio: è musica oscura, snervante, faticosa (da suonare, ma anche e forse ancor di più da ascoltare), pregna di una malinconia di fondo, cupa, che attanaglia il cuore. Difficilmente le hardcore bands usavano accordi in maggiore. E' (stata) una musica meravigliosa e dilaniante che apparentemente non ha lasciato eredi. L'hardcore è(ra) così perché non poteva che essere così. Non avevamo scelta, da un certo punto di vista. Dopo che hai visto il mondo con occhi nuovi, non puoi più guardarlo con gli occhi di prima.

Questo disco - 1982 - 85: come una promessa - è un pezzo di scuola, un disco integerrimo e perfetto. I brani - brevissimi - si susseguono uno dopo l'altro, vorticosamente, senza un cedimento né un gesto di pietà, selvaggi. Altro che le pagliacciate dell' heavy metal.

L'interesse per questo tipo di musica e di attitudine - l'hardcore italiano degli Anni 80 - è comunque tutt'altro che spento: in tutto il mondo proliferano da sempre siti web, fanzines, piccoli distributori, autoproduzioni, orde di appassionati (moltissimi dei quali ai tempi non erano che un'ipotesi). Daltronde la voglia, il bisogno in taluni casi, di autenticità non si può seppellire dicendo "è passato".

Tant'è vero che questo disco, prodotto da una piccola etichetta romana (il cd; piccola etichetta bolognese, il vinile), ha venduto molte più copie di quanto si potrebbe immaginare; tutto senza affidarsi a nessun canale istituzionale e con un prezzo politico che non lascia adito ad alcuna speculazione. Anche un certo tipo di purezza è duro a morire, nonostante èmtivì e lo sdoganamento dei peggio disvalori che da un po' di tempo va per la maggiore.
.

Adesso, mettersi a sciorinare una serie di "note tecniche" sui vari brani non ha molto senso, né c'è il tempo e lo spazio per raccontare la storia del DECLINO [a questo proposito, presto online un sito dedicato alla band]. Tutti i brani sono potenti, granitici, durissimi, belli, intensi e bene eseguiti. Silvio (basso), Mungo V.R. (chitarra), Max (chitarra), Sandr'opp (voce), Tax (batteria) e Orlando (batteria negli ultimi quattro brani), noi insomma, ci sapevamo fare benino con gli strumenti.

Ovviamente gli ultimi quattro brani, tratti dal primo e unico 45 giri della band, registrato su quattro piste nel 1983, risentono sia del limite tecnico della registrazione che dell'allora giovane età dei componenti, ma anche questi brani, certamente più grezzi rispetto ai primi tredici, reggono benissimo l'ascolto. Una certa ingenuità di esecuzione (e di registrazione) non ha mai costituito un problema per l'harcore.

Se si cerca l'essenza dell'hardcore, scarnificata, lucida e scintillante, senza nemmeno l'odore di posa da rockstar, si ascoltati qualcuno dei dischi hardcore degli Anni 80. Questo del DECLINO, per esempio. Anzi: soprattutto. C'è più anima in uno solo di questi brani che nelle intere discografie delle band che, oggi, qualcuno vuole spacciare come "punk". Ah ah.

Sarà comunque un'esperienza tutt'altro che superficiale. (Anche ottimo per pogare come dei pazzi, questo era sottinteso!)

Non troverete le parole
per ricordare a voi stessi ciò che eravate [Come Una Promessa - Declino]

Orlando Furioso
settembre 2005

Nasce RENBOOKS, casa editrice dedicata ai fumetti gay

2011-06-09T20:05:00.001+02:00

9 giugno 2011 – Nasce Renbooks , una casa editrice di Bologna dedicata ai fumetti gay!

Il 2011 è finalmente l’anno di un EuroPride in Italia. Un EuroPride di cui si avvertiva il bisogno e di cui c’era urgenza.
In concomitanza con il più importante evento dell’anno per la comunità omosessuale, nasce Renbooks, la prima casa editrice italiana di fumetti a carattere totalmente GLBTQI.

Una nuova realtà editoriale dedicata a donne e uomini omosessuali orgogliosi di esserlo, caratterizzata da una linea di fumetti pop e divertenti, ma anche romantici e sensuali provenienti da ogni parte del globo.
Un progetto editoriale dedicato non solo agli appassionati di fumetto che cercano storie con le quali identificarsi, ma anche a chi di fumetto non ha mai letto nulla o quasi e vuole trovare nuove forme d’intrattenimento che lo rappresentino.

Lo staff di Renbooks è composto da professionisti del settore che lavorano insieme da anni e che da tempo, dopo aver costituito il service editoriale Ren studio e dato il via alla linea di web comic gratuiti Ren comics, volevano realizzare un progetto editoriale stimolante.

Quella di creare Renbooks era un’esigenza non solo creativa ma anche di coscienza: in un momento storico nel quale la comunità GLBTQI è sotto l’occhio del ciclone, sentivamo l’urgenza di fare qualcosa e di scendere in campo in prima persona con i nostri mezzi.

Non a caso, la redazione si trova a Bologna, storica sede delle lotte GLBTQI che è anche considerata uno dei punto cardine dell’editoria a fumetti italiana.

Anche per questi motivi, buona parte della produzione Renbooks sarà dedicato a fumetti dal carattere sociale, senza togliere spazio ai sentimenti e all’erotismo, che sarà uno dei punti cardine della casa editrice.

Renbooks parte dal Sol levante

I primi titoli che si affacceranno a giugno sulla nostra penisola saranno due manga giapponesi: uno rivolto ai ragazzi (conosciuti come Bara manga) ed uno alle ragazze (in patria conosciuti come Yuri manga) ma entrambi fruibili da chiunque.

Entrambi i titoli saranno rappresentativi di un certo tipo di produzione nipponica che si è vista poco in Italia o quasi per nulla.

Baciando il cielo di Kotaro Takemoto

Quanto può essere difficile essere gay e innamorati? Cosa ci spinge l’uno fra le braccia dell’altro? L’amicizia resiste ai sentimenti? Si possono amare due persone contemporaneamente? E i vecchi amori possono ancora contare qualcosa?

Kotaro Takemoto, autore attivo fin dagli anni ‘90 sulla rivista Barazoku, prova a darsi e darci delle risposte in un volume composto da 10 storie brevi che vi toccheranno il cuore, realizzate con uno stile che ricorda tanto i cartoni animati degli anni ’80.

Rica’tte kanji – Una novellina a Tokyo di Rica Takashima

L’arrivo a Tokyo e l’inizio della vita universitaria, per Rica coincidono con la scoperta di un mondo LGBTQI fino a quel momento a lei sconosciuto, fatto di locali, di attivismo e di persone felici di essere quel che sono. Rica, Miho, Michiru e tutte le fantastiche figure femminili nate dalla mente di Rica Takashima, si muovono fra le mille seduzioni della città in una storia divertente dallo stile pop!

Le sorprese e gli annunci non finiscono qui. Tenete d’occhio il nostro sito http://www.renbooks.it

[Pubblico più che volentieri il comunicato stampa della Renbooks, facendo Loro mille "imboccallupo!!!" O. Furioso]

Fumetti di Carta: Secret Origins, pt. 2 (e fine)

2011-06-09T19:52:00.000+02:00

Quando ho iniziato la “Storia di Fumetti di Carta secondo il mio punto di vista” pensavo di fare una cosa più articolata, spiritosa, sgarzolina o chenesò. Invece è venuto una schifezza – ma io sono della rigida scuola “cosa pubblicata non si tocca!” – soprattutto perché il mio sense of humour non è l’organo più sviluppato che ho e quindi ecco qui la seconda ed ultima parte.
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Il Decimo Compleanno di Fumetti di Carta, occasione che abbiamo preso come pretesto per fare qualcosa di diverso dal solito, è finito e la cosa più bella è stata avere i contributi di persone che anche se non scrivono più con noi – ma ehi: mai dire mai! – sono e restano Veri Amici di Fdc, persone che al di là della webzine sono stati e sono importanti per me e per il mio cuore.

Grazie, sincero e commosso, a Tutti Quelli che hanno mandato il loro articolo: ci pensate? si sono messi lì, hanno “perso” tempo per pensare, scrivere, cercare le immagini, mandare l’articolo, scrivermi un’email… non è affatto una cosa da poco quella che avete fatto, dico sul serio. Grazie Giovanni La Mantia, Dario Beretta, Pino Paoliello

Grazie anche a Coloro che mi hanno promesso uno scritto e non l’hanno mandato; non ha importanza, davvero: l’importante è che “ci siate” e che continui a circolare affetto.

E grazie, naturalmente, a noi stessi, attuali “fumettidicarti”, per quello che abbiamo scritto per festeggiare a nostro modo i Dieci Anni della nostra webzine preferita. Speriamo di durare altri 10 anni e di realizzare qualcuno dei nostri sogni… Uno dei miei? Ok: uno speciale in più puntate sulla scena comics indiana. L’altro è curare la scena comics glbtq. (Quello segreto è imparare a scrivere recensioni) Probabilmente resteranno sogni, ma è comunque bello averne!

Allora, via che finiamo: eravamo rimasti a “Dicarta” (urgh!…) e a me stesso medesimo che scrivevo scemenze “emotive” sui fumetti che leggevo.
Nel frattempo ero entrato a far parte di una comunità fumettistica numericamente importante, quella di Comicus, forum nel quale cominciavo a farmi un po’ di ossa prima come “forumista” poi come “moderatore”. Una bellissima esperienza che mi ha insegnato molto, ad esempio che io e la diplomazia abitiamo pianeti diversi. Ma a parte questo, quella del forum è stata un’esperienza bella sul serio: c’erano un sacco di belle persone (anche diversi stronzi, ma quelli ci son dappertutto, non ci si può fare granché) e soprattutto c’erano le persone che fecero nascere insieme a me la VERA Fumetti di Carta, una VERA webzine piena di contenuti e di cose interessanti da leggere. Insieme alla nuova webzine, nacque anche un piccolo, ma affollato, forum; agguerrito e zeppo di post fighissimi. Lo chiamammo “il forum dell’Elite” prendendo come spunto l’accusa fattaci da un forumista di Comicus che, probabilmente fan di Liefeld, sentenziò che eravamo “troppo elitari”…

Webzine e forum erano talmente collegati da sembrare quasi la stessa cosa: si discuteva, si litigava anche, si stringevano amicizie, si decidevano gli argomenti per il successivo aggiornamento di Fdc, si raccoglievano stimoli, si rifletteva, si scriveva un sacco. E circolava affetto, a valanghe, se qualcuno là fuori su feisbuc sa ancora cosa significa a parte i “post” con le farfalline e i micetti.

Mai più in seguito ho trovato in rete una tale stimolante vitalità. Il Forum dell’Elite mi manca ancora oggi, per farla breve. Ma è e resta un’esperienza irripetibile (come dice il bellissimo libro di Luca Boschi, che però non parla di forum, ma mi andava di citarlo comunque). Purtroppo per me.

Fdc decise collettivamente di essere una webzine che si occupava di qualsiasi cosa interessasse chi ne faceva parte, quindi oltre ai fumetti ci si cominciò a occupare di cinema, musica, letteratura e… politica.

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Situiamo nel tempo tutto ciò: stiamo parlando degli anni 2003 – 2007, più o meno.
Io non ero molto felice di questa decisione, pensavo (e penso) che fumetti, libri, cinema e politica siano argomenti troppo vasti per essere accomunati in un’unica webzine, ma ero invece felice di essere in mezzo a così tante persone che, perdonate la frase, si volevano bene e facevano una ‘zine insieme.
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Migliorò molto anche la grafica di Fdc: basta sfondi giallini e titoli arzigogoluti, sì passò a massima leggibilità e a una grafica decisamente originale e a una buona, se non ottima, “leggibilità complessiva”, ossia da quasi ogni pagina si poteva avere una panoramica complessiva della ‘zine, cosa che ad esempio non è purtroppo possibile fare con questo blog, quello che state leggendo in questo momento.

Fu insomma un periodo splendido e produttivo, “facilitato” anche, per quel che mi riguarda, da una situazione di brutto mobbing che vissi sul posto di lavoro per un annetto circa: il fatto di venire lasciato volutamente in un ufficio da solo, a fare nulla, invece che portarmi alla depressione, mi permise di coordinare – diciamo così – Fdc, partecipare attivissimamente al Forum dell’Elite, stringere rapporti, postare le mie memorie musicali (ah: sono anche un wannabe musicista, quello sì, minch*a!), scherzare un sacco con gli altri fumettidicarti, pigliare pei fondelli i niubbi, comunisteggiare qui e là e via dicendo.

Siccome c’è questo luogo comune che tutte le cose belle devono per forza finire, anche questa situazione idilliaca finì.
Francamente non ricordo esattamente i particolari, ma sono certo che non litigammo e che in tutta la faccenda molto ebbe a che fare il mio improvviso (beh: apparentemente improvviso…) volere a tutti i costi che Fdc tornasse a occuparsi solo di fumetti e argomenti ad essi correlati.
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… e rimasi quasi da solo… Restò l’ottimo Francesco Vanagolli – che è a tutt’oggi il fumettodicarto più vecchio dopo di me (d’altronde, in generale, quasi chiunque è meno vecchio di me…), per un po’ Alessandro Bottero, per pochino pochinissimo l’insostituibile – nessuno me ne voglia, vi prego – Luigi Siviero e sostanzialmente basta.
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Stranamente proprio io che normalmente ho la forza di volontà di un’ameba morta, non mollai tutto.

Dopo un po’ arrivò Luigi Bicco, bravissimo grafico e illustratore, che da solo ristrutturò completamente la grafica del sito di Fumetti di Carta (non il blog che state leggendo, che ha un format suo) creando un impatto grafico secondo me bellissimo oltre a un’ottima leggibilità del sito tutto quanto. Col tempo io ho provveduto a rovinare un pochino questo bel lavoro (non per cattiveria, ma per mia incapacità tecnica) e chissà, forse è per questo che Luigi non è rimasto con Fdc…

Poi arrivarono gli Altri fumettidicarti, e siamo all’oggi, coloro dei quali continuiamo a leggere con piacere gli scritti: Gennaro Cardillo, Dario Lopez, Filippo Messina, Valentino Sergi, Laura Spianelli, Federico Strazzari, Vincenzo Vietato, Joe Ramirez, i Quali, chiariamolo una buona volta per tutte, non sono “collaboratori di Fdc”, ma SONO Fdc. Loro SONO la vostra/nostra webzine sui fumetti preferita. Io sono solo quello che decide l’ordine di pubblicazione degli articoli. Loro, non so se lo sanno, ma se non lo sanno che lo sappiano , sono spesso nei miei pensieri e, che li conosca di persona o meno, voglio loro molto bene. Sono perfettamente razionale in questo momento e nient’affatto commosso, intendiamoci. Sto semplicemente cogliendo l’occasione, sfruttando lo spazio diciamo così, per comunicare ufficialmente un qualcosa che magari non ho mai avuto l’occasione di dire, niente di più. Devo anche ammettere che non è cosa difficile affezionarsi a Persone del genere: sono Persone splendide, partono avvantaggiati, insomma

Ci tengo anche a dire – e coraggio, che ho quasi finito – che la redazione di Fdc è aperta a chiunque abbia passione, e rispetto (e un briciolo di competenza, via) per i fumetti. So che arriveranno altre persone, ne sono straconvinto! Scrivete a questo indirizzo e ne parliamo, ok? Fumettidicarta(at)gmail(punto)com

Ancora un grazie a Coloro che, magari per una volta soltanto, hanno scelto Fumetti di Carta per pubblicare un loro articolo sui fumetti: Grazie!

E GRAZIE, anche se sa un po’ retorico ma invece è sincero, a Quelli/e che passano di qui e ci leggono. Possiate farlo per almeno altri Dieci Anni!

…Ehi: la festa è finita, tornate a lavorare perdigiorno che siete!

Orlando Furioso

Collegamenti Interni:
- Fumetti di Carta Secret Origins pt. 1
- il SITO di Fumetti di Carta
- l’ARCHIVIO (fumettistico) di Fumetti di Carta

- un’occhiata al vecchio “dicarta”?…

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Collegamenti Esterni:
- il blog di Luigi Siviero
- il sito di Alessandro Bottero
- il blog di Luigi Bicco
- il blog di Gennaro Cardillo
- il blog di Dario Lopez
- il blog di Filippo Messina
- il blog di Valentino Sergi
- il blog di Laura Spianelli
- il blog di Vincenzo Vietato

Giustizieri e vigilanti dopo la Guerra Civile

2011-06-09T19:38:00.002+02:00

[Un regalo da Valentino Sergi per gli amici di Fumetti di Carta estratto ed esteso dalla postfazione del volume Garth Ennis – Nessuna pietà agli eroi (Edizioni XII, 2010)]

“[…] come sottolinea Umberto Eco, sarebbe forse più corretto parlare almeno di due postmoderni: uno, artistico, inventato dagli architetti e adottato poi in letteratura, tendente a instaurare con il passato un rapporto armonioso basato sulla rivisitazione, sul pastiche, sulla citazione affettuosa ed ironica; l’altro, di natura nichilistica, elaborato da filosofi come Lyotard, Derrida, Vattimo, fondato sulla messa in questione dell’eredità del pensiero precedente.”[1]

Il Rinascimento del fumetto americano – complice la brit-invasion – ha seguito i due binari individuati da Eco, ridiscutendo i codici della narrazione consolidati in anni di immobilismo del mercato. Immobilismo che aveva messo in crisi un business miliardario a tal punto da convincere i vertici delle principali case editrici a cedere un passato glorioso, ma logoro, nelle mani di una nuova generazione di autori consapevoli delle potenzialità del medium; Frank Miller, Alan Moore, Grant Morrison, Neil Gaiman, Garth Ennis, sono solo alcuni dei nomi che hanno innescato un processo alla base di un ripensamento del significato della figura del supereroe.

L’opera più emblematica, in questo senso, è The Dark Knight Returns che:

“ha il merito di recuperare atmosfere perdute e definire un nuovo tipo di approccio tematico, psicologico e narrativo al genere supereroico. […] Batman non soltanto non è più l’eroe scanzonato e solare che prende a sganassoni i nemici in abiti carnevaleschi, ma è addirittura un anziano vigilante ormai in pensione, ossessionato dal vuoto esistenziale provocato dal suo disarmo.”[2]

Proprio Batman, prima con Miller – in tutti i cicli narrativi da lui realizzati, compreso l’ultimo All Star Batman & Robin –, poi con Moore in The Killing Joke (dove lo sceneggiatore inglese individua, nel confronto con il Joker, la chiave di un’ossessione speculare[3]), si riappropria del ruolo semantico di giustiziere, e così agisce la nuova generazione di supereroi, costretti ad adeguarsi alle minacce del terrorismo e a quelle dell’instabilità delle borse mondiali.

“Il ‘giustiziere’ è, secondo lo Zingarelli, un carnefice, un esecutore di condanne capitali o, arcaicamente, un giudice. Nei fumetti, però, ‘giustiziere’ diviene sinonimo di ‘vigilante’, ovvero colui che esercita funzioni di controllo e mantenimento dell’ordine pubblico senza appartenere a un ordine di polizia statale.”[4]

Gli (anti)eroi odierni sono, infine, giustizieri, ma alla luce di un panorama segnato dell’inevitabile deriva delle norme e delle coscienze, smarriti re delle ceneri di shakespiriana memoria, incapaci d’imporre valori universali e spesso alla ricerca di un personalissimo riscatto o, ormai trito cliché, di un’ineffabile vendetta. D’altronde, era stato proprio Alan Moore, con il suo Watchmen, ad associare in modo indissolubile un drammatico senso relativista all’archetipo del supereroe.

Watchmen, n. 12 p. 27 © dc Comics. Trad. it. I classici del fumetto di Repubblica serie Oro n. 26: Watchmen – Sotto la maschera, Gruppo Editoriale L’Espresso/Panini, Modena 2005, p. 391: “Sì, è esatto, e forse la creerò [la vita umana. N.d.C.]. Addio Adrian”. “Jon, aspetta, prima di andartene… ho fatto la cosa giusta vero? Ha funzionato alla fine”. “‘Alla fine?’ Niente finisce Adrian, niente ha mai fine”. “Jon, aspetta! Cosa intendi dire…”

Queste riflessioni meta-narrative hanno influenzato per anni (e ancor oggi) un certo modo di scrivere le storie, impregnando di pessimismo anche il filone opposto, quello della rivisitazione fondata sul rispetto e sul rapporto armonioso con la tradizione. Non a caso, Grant Morrison, autore capace di dirimere le contorte fila delle continuity decennali di casa dc con la costruzione di complesse narrazioni enciclopediche in grado di giustificare anche le soluzioni più bizzarre e sconclusionate adottate in passato, ha scelto di scrivere la morte di Batman[5] e Superman[6]. La fine inevitabile del vigilante che, pur se in grado di fornire una giustificazione dignitosa del proprio passato, se non un recupero addirittura glorioso[7], è incapace di confrontarsi con le proprie contraddizioni senza cadere preda dello sconforto o immolarsi per gli ideali che rappresenta (o crede di rappresentare[8]).

Quest’inquietudine, generata dal conflitto tra i due modelli giustiziere/vigilante, è alla base di Civil War, lo scontro epocale tra i supereroi di casa Marvel divisi in due fazioni: i favorevoli all’Atto di Registrazione e i contrari. Coloro disposti a rivelare la propria identità segreta per integrarsi nella società americana, divenendo di fatto un corpo paramilitare, e coloro che ritengono di rivestire una funzione ordinatrice extra-statale, superumana appunto. Mark Millar, la mente dietro al progetto e autore di un’altra importante opera di riflessione sulla figura del supercriminale (Wanted), sceglie due personalità emblematiche come esponenti delle opposte fila: Tony Stark, uomo politico e affarista dentro la corazza ipertecnologica di Iron Man, caratterizzato da profonde contraddizioni personali (un supereroe a capo di una multinazionale che ha prodotto armi di distruzione di massa e continua a sviluppare tecnologie militari[9]); e Steve Rogers, il Capitan America originale, paladino incorruttibile, ultimo sostenitore di un’idea di giustizia universale, del concetto più puro di vigilante.

Certo, se riprendiamo la definizione fornita in apertura del paragrafo, la condizione di vigilante, ovvero “di colui che esercita funzioni di controllo e mantenimento dell’ordine pubblico”, sarebbe più consona a Stark e compagni (pur se legalmente inquadrati), mentre i ribelli, guidati da Cap, appaiono più vicini alla condizione opposta, mossi da un’idea di bene in apparenza personale, relativista (in quanto anti-statale). Saranno la scelta di Stark di combattere i “ribelli”, servendosi di criminali assassini, e la morte dello stesso Capitan America, dopo la resa (proprio per non tradire la Causa e diventare, insieme ai propri compagni di lotta, dei meschini giustizieri) a riequilibrare l’equazione, decretando, anche qui, la fine dell’idea di un personaggio integro capace di votarsi a un Bene assoluto senza esitazioni.

Ma se Brecht al suo Galileo fece esclamare: “Felice il paese che non ha bisogno di eroi”, le grandi case editrici americane non sono dello stesso avviso e, superata la notte più profonda della fase nichilista, hanno revisionato ancora una volta i loro paladini, con resurrezioni e recuperi dal passato tanto provvidenziali quanto prevedibili. Unico comun denominatore, la chiara intenzione di: “riscrivere e ricaratterizzare gli archetipi classici inserendoli in una nuova struttura epica”[10], in piena chiave neonarrativa, per adattarsi alla nuova generazione di lettori.

Ma questa, appunto, è un’altra – nuova – storia.

Valentino Sergi

[Valentino Sergi è un carissimo amico e speriamo torni presto a collaborare (anche) con Fumetti di Carta. Nonostante la sua giovanissima età, fa un milione e mezzo di cose, e - accidenti - le fa tutte bene! Tra le altre cose scrive saggi, fumetti, racconti, cura volumi e collane per le Edizioni XII , e chissà cos'altro ancora. Seguitelo, ne vale la pena. (ndO)]

Bibliografia

Aicardi Gianluca, M for Moore, Tunué, Latina 2006.
Aicardi Gianluca, Sin Cinema, Tunué, Latina 2005.
Brubaker Ed, Epting Steve, Capitan America n. 25, Marvel Comics, New York 2007. Edizione Italiana: Supereroi le grandi saghe n. 2: La morte di Capitan America, Panini Comics, Modena 2008.
Cooke Darwyn, The New Frontier nn. 1-6, dc Comics, New York 2003-2004. Edizione italiana: I più grandi supereroi della terra nn. 4-5: La nuova Frontiera voll. 1-2, Planeta DeAgostini, Barcellona 2009.
Ellis Warren, Granov Adi, Iron Man Extremis in The Invincible Iron – Man nn. 1-6, Marvel Comics New York 2005-2006. Edizione italiana: Supereroi le grandi saghe n. 11: Iron Man Extremis, Panini Comics, Modena 2009.
Gaiman Neil, Kubert Andy, Batman: “Whatever Happened to the Caped Crusader?”, in Batman n. 686 e Detective Comics n. 853, dc Comics, New York 2008. Edizione italiana: Batman: Cos’è successo al cavaliere oscuro?, Planeta DeAgostini, Barcellona 2009.
Maio Barbara, Uva Christian, L’estetica dell’ibrido. Il cinema contemporaneo tra reale e digitale, Roma, Bulzoni 2003.
Millar Mark, McNiven Steve, Civil War nn. 1-7, Marvel Comics, New York 2006-2007. Edizione italiana: Civil War nn. 1–7, Panini Comics, Modena 2007.
Moore Alan, Gibbons Dave, Watchmen nn. 1-12, dc Comics, New York 1986-1987. Edizione italiana: I classici del fumetto di Repubblica serie Oro n. 26: Watchmen – Sotto la maschera, Gruppo Editoriale L’Espresso/Panini, Modena 2005.
Morrison Grant, Daniel Tony, Batman r.i.p. In Batman nn. 676-681, dc Comics, New York 2008. Edizione Italiana: Batman r.i.p., Planeta DeAgostini, Barcellona 2009.
Morrison Grant, Quitely Frank, All Star Superman nn. 1-12, dc Comics, New York 2006-2008. Edizione italiana: All Star Superman, Planeta DeAgostini, Barcellona 2009.
Straczynski Michael Joe, Coipel Olivier, Thor nn. 1-8, Marvel Comics, New York 2007-2008. Edizione italiana: Supereroi le grandi saghe n. 16: Thor – Il ritorno del Dio del Tuono, Panini Comics, Modena 2009.

Note

[1] Maio Barbara, Uva Christian. L’estetica dell’ibrido. Il cinema contemporaneo tra reale e digitale, Roma, Bulzoni 2003.

[2] Gianluca Aicardi, Sin Cinema, Tunué, Latina 2005, p. 34.

[3] “I due personaggi esistono in funzione reciproca, sottilmente consci del proprio ruolo e della loro natura simbolica.” Gianluca Aicardi, M for Moore, Tunué, Latina 2006, p. 37.

[4] Emanuele Gatti, Batman: il tema del giustiziere (I), «Fucinemute n. 78», Trieste 2005,

[5] In Batman r.i.p.

[6] In All Star Superman.

[7] È il caso di Darwyn Cooke che, con La nuova frontiera, colma, con precisione “storiografica”, il gap narrativo tra l’età d’oro e quella d’argento dei personaggi dc (ovvero il periodo tra la fine della Seconda guerra mondiale e la metà degli anni Cinquanta, poiché in quegli anni gran parte delle testate supereroistiche erano state sospese o sottoposte a un radicale cambiamento a causa dell’onda moralizzatrice dei conservatori).

[8] Neil Gaiman, in Whatever Happened to the Caped Crusader? (narrazione della veglia funebre successiva alla morte di Bruce Wayne descritta da Morrison), suggerisce l’interessante ipotesi che la carriera eroica di Batman non sia altro che un castello di menzogne confezionato ad arte da Alfred Pennyworth, il maggiordomo, giunto a travestirsi persino da Joker per curare il giovane erede dei Wayne dalla depressione successiva all‘omicidio dei genitori.

[9] Contraddizione alla base della miniserie Iron Man Extremis, scritta da Warren Ellis, in cui il personaggio rischia la morte nel confronto con un terrorista che ha rubato il progetto di un’armatura biologica proprio dai laboratori delle Stark Industries.

[10] Cfr. Valentino Sergi, Appunti sul Neonarrativismo, FucineMute.it 2011 – http://www.fucinemute.it/2011/05/appunti-sul-neo-narrativismo/

EX MACHINA

2011-06-09T19:34:00.000+02:00

Ex-Machina - Gli ingranaggi della politica
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Quando il caro Orlando mi ha chiesto di partecipare con un pezzo ai festeggiamenti per il decennale di Fumetti di Carta mi ha fatto un immenso piacere, soprattutto perché non sono certo stato uno dei più assidui tra i passati collaboratori del sito. Non ho esitato nemmeno un attimo ad accettare.
Restava però il problema di “cosa” scrivere. Una recensione d’epoca? Una su un fumetto più attuale? Alla fine, ho pensato che mi sarebbe piaciuto parlare di un fumetto uscito nel corso di questo decennio che mi avesse particolarmente colpito.
Qualcosa di nuovo, però, che fosse davvero figlio di questi anni e non l’ennesima riproposizione, per quanto bella, di personaggi e situazioni di mezzo secolo fa. Posti questi paletti, la scelta è stata semplice.

Ci sono pochi fumetti di intrattenimento così calati nella realtà contemporanea, così figli dei Duemila, come EX MACHINA di Brian K. Vaughan e Tony Harris. E, spiace dirlo, ce ne sono anche meno che raggiungano gli stessi livelli di qualità. L’opera di Vaughan e Harris parte da una premessa molto semplice: e se ci fosse stato un supereroe a New York l’11 settembre 2001 (proprio 10 anni fa)? E se questo supereroe, dai poteri peraltro modesti, fosse riuscito a fermare il secondo aereo diretto verso il World Trade Center, salvando così una delle due torri? Quali scenari si sarebbero aperti per la Grande Mela, da lì in avanti?

Mitchell Hundred, ingegnere civile, ha ricevuto in sorte dopo uno strano incidente il potere di “parlare” con le macchine. Può condividere informazioni con esse e “comandarle” come se fossero animali ammaestrati. La sua carriera di supereroe mascherato con il nome di “The Great Machine” è destinata a durare poco, appena un anno. L’attacco terroristico dell’11 settembre, da lui sventato solo parzialmente, lo convince dell’esigenza di fare qualcosa di più che arrestare spacciatori e ladruncoli. È così che decide di rendere pubblica la propria identità e candidarsi alla poltrona di sindaco di New York. La città non ci pensa due volte ad eleggere l’uomo che ha salvato una delle torri gemelle. Diventato primo cittadino, Mitchell dovrà affrontare, nel corso della serie, moltissime sfide, le più toste delle quali saranno non tanto quelle poste dall’elemento fantastico/avventuroso della storia (da dove vengono i suoi poteri? Ci sono altre persone come lui in circolazione? Quale grande minaccia si profila all’orizzonte?), quanto quelle legate al governare una metropoli come New York. Perché, sembra dirci Vaughan, fermare uno psicopatico capace di parlare con gli animali può avere una soluzione semplice come un cazzotto in faccia. Far accettare alla comunità della Grande Mela i matrimoni omosessuali è tutta un’altra storia.

EX MACHINA è un fumetto calato nella realtà contemporanea, dicevamo. Lo è perché affronta temi che fanno parte della vita americana post-2001 in modo schietto, senza troppa retorica, ma anche senza cinismo gratuito. Il protagonista è un sindaco sicuramente progressista, ma senza estremismi, capace di parlare la lingua della gente comune e, soprattutto, dotato di grande empatia. Un personaggio credibile, che ha le sue zone d’ombra, che non è perfetto ma che ce la mette tutta, fa del proprio meglio. Il cast di supporto che gli orbita attorno, dal vicesindaco Wylie al suo migliore amico e responsabile della sicurezza, Rick Bradbury, passando per il capo dello staff Candice Watts e la stagista Journal, è molto ben caratterizzato e, come in tutte le migliori serie, rappresenta un valore aggiunto non da poco. Vaughan fa davvero un ottimo lavoro sotto tutti gli aspetti: la serie è scorrevole, coinvolgente, e se come il sottoscritto la si legge nell’edizione in volumi è sempre difficile staccarsene. Diverte e intrattiene, offrendo al tempo stesso spunti di riflessione intelligenti senza sommergere il lettore con risposte preconfezionate. Il punto di vista dell’autore è abbastanza chiaro, ma non è mai esposto in modo fazioso e/o fastidioso.

In generale, la serie ha un ritmo e un tipo di svolgimento molto simili a quelli di una moderna serie televisiva americana, non a caso è stata definita dal New York Times “un incrocio tra The West Wing (Tutti Gli Uomini Del Presidente) e The Greatest American Hero (Ralph Supermaxieroe), ed è un’ottima lettura per tutti i suoi 50 numeri. Una vera boccata di freschezza in un panorama, quello del fumetto USA, sempre più ripiegato su stesso, sempre più teso a riciclare in eterno gli stessi personaggi, situazioni, sempre più attento a tenersi i suoi 100.000 lettori affezionati che non a cercarne di nuovi. In questo contesto, risalta ancora di più la capacità di Vaughan di darci un approccio così fresco all’idea del “primo supereroe in contesto moderno e pseudo-realistico”, ormai vecchia e stantia quanto quella del giustiziere mascherato infallibile e incorruttibile, con buona pace di alcuni fan che ancora vedono il cosiddetto “revisionismo” come qualcosa di innovativo.

Doveroso spendere due parole anche sui disegni di Tony Harris. L’ex disegnatore di Starman fa un lavoro eccellente. Forse, a tratti è un filo troppo dipendente dai propri riferimenti fotografici; un filo di dinamismo in più in alcune sequenze d’azione non guasterebbe, ma stiamo proprio cercando il pelo nell’uovo. La verità è che Harris è una scelta perfetta per una serie come questa, soprattutto grazie alla sua capacità di far recitare i personaggi, curandone il linguaggio del corpo, le espressioni, esprimendo tutte le loro nevrosi, insicurezze e gioie in modo impeccabile. Davanti a lunghe sequenze basate interamente sui dialoghi, Harris non si limita mai a pigri copia-incolla della stessa vignetta ripetuta all’infinito; decide invece di guidare l’occhio del lettore attraverso la scena come un consumato regista cinematografico, scegliendo sempre le inquadrature e le suddivisioni della tavola più efficaci e congeniali. Un lavoro eccelso da parte di un autore davvero maturo, meticoloso e, di nuovo, perfettamente a suo agio con questo tipo di materiale.
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In definitiva, se c’è un fumetto figlio dell’ultimo decennio che dovreste proprio leggere, beh… a mio parere è questo.

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Buon proseguimento e tanti auguri a Fumetti di Carta!
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Dario Beretta

Dario Beretta è stato redattore e amico di Fumetti di Carta, scrivendo negli anni ottimi articoli su fumetti, musica e cinema. Integerrimo metallaro, fondatore e virtuoso axeman della power-metal band Drakkar , collabora con la webzine Glamazonia. Grazie Dario di aver festeggiato con noi questo Decimo Compleanno!

ELVIS PRESLEY – “Hitstory”

2011-05-26T19:02:00.000+02:00

3 cd, 91 brani, 4 h ca.- Sony/BMG

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Se alla domanda su chi abbia inventato il rock and roll vi saltasse in mente di rispondere Elvis Presley, state attenti. Se il vostro interlocutore è un tipo precisino e spocchioso quanto basta potrebbe mettersi a ridere in modo inquietante e poi partire per la tangente in una dotta elucubrazione su come l’uomo bianco si sia impossessato di ciò che l’uomo nero aveva nel sangue (razzismo anche questo, eh). Non avrebbe tutti i torti, è chiaro, ma sinceramente coloro che dicono che Elvis abbia contato molto meno di ciò che comunemente si crede dovrebbero pensare ad un semplice fatto: nell’America degli anni ’50 solo un bianco avrebbe potuto essere ciò che Elvis è stato. Filologicamente è corretto dire che il rock and roll non sia nato con Elvis; è invece giusto affermare che con Elvis sia nato un concetto, quello di rockstar.

Prima di lui nessuno aveva spinto milioni di ragazzi verso un fanatismo che sovente rasentava se non superava l’ossessione maniacale.

E’ con Elvis che nasce e viene codificato il comportamento da superstar che pian piano si allontana dalla vita reale per viverne una tutta sua fatta spesso di illusioni e manie di grandezza. Questo è riscontrabile soprattutto nell’ultima parte della vita di Elvis, quello tutto lustrini e concerti a Las Vegas, quello cioè che meno conta per gli sviluppi della musica rock perchè le cose importanti le aveva già dette.

Ancora una volta è centrale nella storia della musica pop una città, Memphis. Qui infatti avevano sede gli studios della Sun records, piccola etichetta facente capo ad un produttore che per la musica rock è paragonabile ad un demiurgo che dal nulla crea un intero mondo, Sam Phillips.

Fu lui a lanciare le carriere di gente come Rufus Thomas, B.B.King, Johnny Cash, Jerry Lee Lewis ed ovviamente Elvis. Fu lui quello che incanalò il talento dei suoi artisti verso musiche che a loro e solo a loro si confacevano. Aveva la capacità, Phillips, di giudicare al volo gli artisti e metterli subito sotto contratto facendo loro incidere un 45 giri il giorno stesso del provino.

Presumibilmente è ciò che accadde il 6 luglio 1954 quando un diciannovenne Elvis incise “That’s all right”. Una data che marca un confine netto tra un prima ed un dopo.

Esistono numerose biografie di Elvis sul mercato (una messe infinita in lingua inglese, va da sè) ed altrettante raccolte di suoi brani, ma in questa occasione voglio parlarvi di un triplo cd che raccoglie quelli che sono stati i brani più venduti del nostro.

La raccolta si intitola “Hitstory”, è edita dalla Sony/Bmg e comprende 91 brani.

Difficile segnalare qui quali sono i brani che meritano e quali no. Se non altro da un punto di vista culturale sono brani tutti indispensabili. Gli unici prescindibili (ed è un complimento) sono le due bonus track remixate da JXL e Paul Oakenfold.

Ascoltando la raccolta ci imbattiamo in classici quali “Heartbreak hotel” dove un piano ed una chitarra fanno incursione in un brano altrimenti a capella; oppure in “Don’t be cruel” dove il contrabbasso ci fa capire, assieme al coro di evidente matrice doo-wop che siamo invischiati negli anni ’50 dai quali mai vorremmo congedarci per quanto la musica suona fresca ancora oggi, mezzo secolo dopo.

Per non parlare di “Jailhouse rock” e “Blue suede shoes”,quintessenza rock and roll. Roba da far ascoltare ai marziani per far loro comprendere il perchè di tanta musica di oggi.

E’ con estrema leggerezza d’animo che andiamo incontro a “Promised land” di Chuck Berry, resa da Elvis con un incalzante cantato che dalla Virginia ci fa attraversare gli States alla volta della California. Interpretazione magistrale. Così come magistrali sono “Mistery train” ed “I forgot to remember to forget”, le due facce di un 45 giri uscito nel 1955 in cui da un lato si incontra l’Elvis di cui basterebbe solo la sua voce e la sua chitarra ritmica per renderci felici, mentre dall’altro si intravede l’Elvis da ballad strappalacrime che però non scade nel melenso più deleterio.

Mielosità che invece ritroviamo minacciosa in brani quali “It’s now or never” (la versione inglese di ‘O Sole mio) o “I’ve lost you” dove le orchestrazioni eccessive accoppiate a brani di per sè inducenti diabete ci consigliano di starne lontani. Quanta differenza rispetto ad una canzone come “I’m left, you’re right, she’s gone” dove l’eccessiva sdolcinatezza è un fossato evitato con perizia. O anche rispetto a “Burning love”, brano degli anni ’70 che potrebbe invece tranquillamente risalire all’epoca Sun.

Parlare di ogni singolo brano non ha però molto senso visto che il cofanetto è facilmente rintracciable in qualunque negozio di dischi al prezzo indicativo di 30 euro (ma se cercate bene qualche euro lo risparmiate di sicuro).

Magari però avete la fortuna di avere genitori che all’epoca dell’Elvismania erano degli appassionati acquirenti di dischi. Spulciate allora nella loro collezione di vinili; chissà che qualche bella pepita d’oro non venga fuori tra un 45 giri dei Cugini di Campagna ed uno dei Dik Dik.

Ladies and Gentelmen...Elvis has left the building.
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Pino Paoliello - Febbraio 2006

JOHNNY CASH - "Because you're mine I walk the line"

2011-05-26T18:50:00.002+02:00

Come sempre mi capita quando devo scrivere di monumenti della musica, mi trovo in un’empasse iniziale che in questo caso si è protratta ben oltre il dovuto. Il motivo è piuttosto semplice. Ho una venerazione incondizionata per Johnny Cash. Quindi ogni attacco del pezzo mi sembrava banale, oppure smielato ed eccessivo. Ho deciso quindi di giocare sporco e parlare di sentimenti e sensazioni personali, in barba alla vocina che continuerà a sussurrarmi mentre scrivo (ne sono sicuro) di cancellare tutto e ripartire da zero.

Insomma, se state leggendo queste parole la colpa, oltre che del sottoscritto, è del buon Orlando che non ha cassato il pezzo...e di ciò lo ringrazio davvero. [...anzi, è stato un piacere! ndO]

Conobbi Johnny Cash per caso, passeggiando nelle polverose strade di Laredo sul calar della sera, il sole grande all’orizzonte, color terracotta. Aveva già i suoi anni, ma la grinta non lo aveva abbandonato. Che anno sarà stato? Il ’96 forse, ma non ha importanza.

Come sempre era vestito di nero, fedele a quel soprannome che si porta dietro da chissà quanto tempo.

All’epoca ne avevo sentito parlare solo sporadicamente. Per me lui era l’autore di “Ring of fire”, brano che la Levi’s utilizzò per un suo spot. Insomma, non proprio una cosa lusinghiera essere associati ad una pubblicità di blue-jeans. Quindi non avevo nessun timore reverenziale nei suoi confronti e vedendolo seduto fuori da un bar lo puntai senza esitazione e mi presentai. Per nulla scocciato dal fatto di essere stato riconosciuto mi invitò a sedermi con lui e offrendomi una tequila (il confine col Messico era ad un tiro di colt) imbracciò la chitarra che giaceva affianco ai piedi della mia sedia ed iniziò a cantare. Mi cantò della folla impazzita di Austin; gente assetata di sangue pronta a linciare un carcerato condotto in galera da un onesto sceriffo. In barba a tutti però, il galeotto riuscì a scappare evitando l’impiccagione.

Mi cantò anche di quell’assassino di nome Joe Bean, un farabutto condannato a morte il giorno del suo ventesimo compleanno per un omicidio che non aveva mai commesso. E dire che di uomini al creatore ne aveva mandati una ventina.

Ironia nera quella di mr.Cash, come il suo vestito, ma non come il suo sorriso che era invece bianchissimo, anche se un po’ storto. Finito questo secondo brano mi guardò negli occhi e vide, ne sono certo, un interesse vivo. Fremevo dalla voglia di ascoltare altre canzoni e non lo nascosi. Mi rispose con un sussurro che io ho interpretato così: “Adesso ti canto un brano di un giovane artista che quando canta, canta l’America”. E detto ciò iniziò a strimpellare un brano che mi sembrava di aver già ascoltato. Ma certo! Stava cantando, con quel suo vocione baritonale inconfondibile, “Highway patrolman” di Springsteen, ma era come se in quei cinque minuti il brano fosse stato solo suo. Non si fermò nemmeno per prendere fiato e subito attaccò con un’altro brano che le mie orecchie da adolescente con camicia di flanella avevano ascoltato non so quante volte.

“Rusty cage”, cacchio. Un uomo dell’età di mio nonno mi stava suonando “Rusty cage” con una chitarra acustica.

Da impazzire! Gli chiesi se i Soundgarden approvavano questa sua versione, ma lui non rispose.

Mi guardò soltanto, e fece una smorfia che somigliava tanto ad un sorrisetto di compassione. “Cosa vuoi che me ne importi di ciò che pensano gli autori del brano? Quando canto una canzone, la canzone è solo mia”. Ma queste parole mr.Cash non le avrebbe mai pronunciate. Noblesse oblige...

All’improvviso, dall’altro lato della strada comparve una bella signora. Ci stava osservando. Capelli lunghi ed un sorriso dolcissimo. Chiesi a mr.Cash chi fosse e lui, ancora una volta sorridendo con quella sua bocca asimmetrica mi disse: “E’un angelo. Il mio”. Ed intonò “Ring of fire”. Da allora mai più avrei associato quel brano ad un paio di Levi’s. Quella era una dichiarazione d’amore per la bella signora che sul ciglio della strada, carezzandosi i capelli, continuava a guardarci ed a sorridere. “Si chiama June” fece mr.Cash, notando che il mio sguardo non si staccava da lei.

Allora capii. Era sua moglie. Imbarazzato gli chiesi scusa per aver fissato la sua donna, ma lui poggiandomi la mano sul braccio disse: ”Il fatto che tu sia stato rapito da quel viso mi ricorda ancora una volta quanto io sia fortunato”. Dette queste parole si alzò ed in silenzio entrò nel bar. Le strade di Laredo stavano divenendo sempre più fredde man mano che il sole calava ed ebbi una strana sensazione. Sentii che mr.Cash non sarebbe più uscito. Dall’altro lato della stada la bella signora era scomparsa.

Mi feci coraggio ed entrai anch’io nel bar. Era vuoto. Nessun cliente, niente barista. Solo un juke box posizionato stranamente su di un palco dove immagino si tenessero i concerti di qualche aspirante star del country. Mi avvicinai ed estrassi dalla tasca una moneta che infilai nella fessura del juke-box. Dopo aver premuto due tasti a caso scesi dal palco e mi sedetti al bancone mentre la stanza si riempiva del gracchiare di un juke-box ormai vecchio, che però sapeva toccare le corde dell’anima forse meglio che in gioventù...”...Far from Folsom prison, that’s where I want to stay, And I let that lonesome whistle, blow my blues away”.

L’occasione per scrivere un pezzo su Johnny Cash è data dall’imminente uscita nelle sale italiane del film “I walk the line” che ne narra la vita artistica e quella privata.

Johnny Cash è morto il 12 settembre 2003, pochi mesi dopo sua moglie June Carter Cash, sua compagna per 35 anni nonchè spesso sua partner artistica.

Sul mercato sono disponibili molti lavori di Johnny Cash. Assolutamente consigliate per i neofiti le raccolte con i migliori brani del nostro.

Per chi invece volesse fare la conoscenza dell’ultimo Johnny Cash, da non lasciarsi sfuggire sono i 4 album per la American Recordings prodotti da Rick Rubin a partire dal 1994.

Per la stessa etichetta è stato anche pubblicato un concerto tenuto assieme a Willie Nelson per la serie tv “VH1 Storytellers”, interessante anche per i dialoghi tra un brano e l’altro.

Se invece volete fare la conoscenza di un Cash più legato ai canti tradizionali americani è in catalogo un album intitolato “Songs of our soil” in cui il nostro si cimenta in folk ballads godibilissime ed anche conosciute (si ascolti “I want to go home” e la si confronti con “Sloop John B.” dei Beach Boys).

Pino Paoliello - Febbraio 2006

BETTY DAVIS "This is it!"

2011-01-23T21:37:00.000+01:00

Vampisoul, 2005 - 19 tracce, 74 min.

Il detto “Mai giudicare un libro dalla copertina” è una di quelle perle di saggezza che faremmo bene ad applicare non solo alla letteratura, ma a tutte le arti (escludendo, ovviamente, quelle dove copertina e contenuto coincidono, pittura e scultura nella fattispecie), musica pop inclusa e, mi permetto di aggiungere, anche alle persone. Come per ogni regola che si rispetti però, anche la summenzionata è ricchissima di eccezioni. L’eccezione a cui mi riferisco in questo caso risponde al nome di Betty Davis e di un disco da poco pubblicato, dal titolo “This is it!”.

Ad ammiccare dalla copertina dell’album una signorina a cavallo di una Harley Davidson (presumo, data la mia ignoranza in materia), ammantata (si fa per dire) di un body zebrato che lascia veramente poco all’immaginazione. Un visino che definire provocante è dire poco, sormontato da una capigliatura afro da misurare in metri cubi, ed una pelle color ebano completano il quadretto invero molto allettante, scommetto non solo per il sottoscritto.

Dicevamo del giudicare un libro dalla copertina, ebbene in questo caso copertina e contenuto coincidono in modo impressionante. La musica non sarebbe potuta essere diversa da quella contenuta in questa ristampa stipata di funk (ben 74 minuti) data alle stampe in questo 2005 dalla Vampisoul.

All’anagrafe Betty Mabry, la signorina preferirà (come darle torto!) utilizzare il cognome dell’uomo che sposerà appena ventitreenne (lei), tale Miles Davis. Tanto per dire della personalità della signorina nativa della North Carolina, il buon Miles si sentirà addirittura adombrato, musicalmente parlando, dalla foga e dalla sensualità (o meglio sessualità) che la giovane moglie era capace di infondere in ogni pezzo registrato. Betty fu la musa di Davis per un anno o poco più (tale fu la durata del loro matrimonio), ma secondo molti il Miles “elettrico”, quello ancor’oggi guardato con disprezzo da certa critica jazz, deve molto se non tutto a questa signorina capace di travolgerlo come un tornado. E’ di Betty Davis il viso che compare sulla copertina di “Filles de Kilimanjaro”, ed a lei Miles ha dedicato il brano “Madamoiselle Mabry” contenuto nell’album stesso.

Per comprendere un artista però, non è la sua biografia che bisogna studiare (anche se ha il suo peso. Tanto per dire, la nostra eroina è stata intima amica di un altro sconosciuto di nome Jimi Hendrix!), bensì la sua arte. Va dato atto alla Vampisoul di aver fatto un egregio lavoro rendendo disponibili nuovamente brani che di diritto devono essere presenti in qualunque collezione funk degna di tal nome.

“This is it!” raccoglie 19 brani estrapolati da tre album pubblicati tra il 1973 ed il 1975 (“Betty Davis”, “They say I’m different” e “Nasty Gal” i titoli da cercare nel mercato per collezionisti…buona fortuna).

La raccolta si apre con “If I’m in luck I might get picked up”, brano che fin dal titolo lascia capire quanto la tensione sessuale permei questo album. Un suono di basso densissimo ed un organo svisante fanno da tappeto alla voce per nulla levigata della bella Betty. “Walkin’up the road” è il suono del ghetto e delle puttane che lo popolano. Voce sguaiata, sanguigna, vorace, una chitarra acida il giusto e l’onnipresente basso come spina dorsale. Il trittico d’apertura si chiude con “Anti love song” dove la signorina Mabry si dà una calmata, sussurrando all’ascoltatore dolci parole di anti-amore. “He was a big freak” inizia con un organo chiesastico subito sovrastato dalle urla e dalla voglia di sesso della mai sazia cantante (anche autrice dei brani, giusto per far capire che non parliamo dell’ultima delle sprovvedute…tutt’altro). “Git in there” poi, trasuda umori impossibili da descrivere, con le coriste pronte ad incitare Betty ed a spronarla al raggiungimento di quell’orgasmo sonoro giusta ricompensa dopo tanto sudore. Coinvolgente. Così come coinvolgente è “70’s blues”, sorta di rivisitazione anni ‘70 del blues classico (delta-blues, tanto per intenderci).

In “Nasty gal” si fa invece palese quanto il funk, tra le musiche nere, sia la più imparentata con il rock di matrice bianca (che poi parlare di matrice bianca per il rock sia un ossimoro…siamo d’accordo). “Funk” invece è un treno in corsa, una locomotiva a propulsione musicale, un convoglio i cui passeggeri sono Stevie Wonder e Tina Turner, Jimi Hendrix e Aretha Franklin, i Funkadelics e Chaka Khan, con Betty Davis a controllare i biglietti. In “Shut off the light” invece la ex-moglie di Miles anticipa di quei dieci anni il modo di cantare che farà di Axl Rose un’icona per gli hard rock fan. Ascoltare per credere.

A conclusione dell’album è posta “This is it”. Chitarre che continuano là dove si erano interrotte in “Shut off the light”, ritmica sempre portentosa e voce, neanche a dirlo, padrona assoluta della scena.

Dopo i tre album da cui i brani di questa ristampa sono estratti, Betty Davis decise di ritirarsi dalle scene, cosa che ben presto ne ha fatto perdere la memoria in mezzo a tonnellate di produzioni che se non sono direttamente debitrici della signorina Mabry poco ci manca. Disse Miles Davis nella sua autobiografia: “Se Betty fosse stata una cantante al giorno d’oggi sarebbe stata come Madonna…Era troppo avanti rispetto ai tempi”. Giammai mi venga voglia di mettere in dubbio le parole di mr. Jazz in persona, non posso far altro che consigliarvi di recuperare questo lavoro che rende giustizia ad un’interprete (e come ricordato anche autrice) per troppo tempo non citata nelle varie classifiche sui migliori album black. Speriamo che da ora in poi il giusto posto sia riservato alla signorina in grado di scatenare tempeste ormonali anche nel più asessuato degli ascoltatori.

Pino Paoliello

Aimee Mann "I'm with stupid"

2011-01-23T21:33:00.000+01:00

1995

Ho letto giudizi contrastanti su questo album, il secondo della discografia di Aimee Mann; c’è chi lo definisce un capolavoro, e chi invece lo ritiene un buon disco ma nulla di più; personalmente lo giudico senza dubbio uno dei migliori dischi di Aimee, in cui la cantautrice raggiunge una maggiore maturità sotto il profilo compositivo.

Infatti, se Whatever, il primo disco, aveva un carattere embrionale, era una specie di prototipo, con ancora troppe canzoni che ricordavano lo stile dei Till Tuesday, con I’m with stupid si fa un grosso passo in avanti; basta ascoltare l’introduttiva Long shot per capire che siamo su un altro pianeta; questa canzone la ritengo una delle più belle in assoluto mai scritte da Aimee, ha un’atmosfera davvero travolgente e un groove accattivante, ha un ritornello che ti entra in testa e non esce più e il finale ti trasporta in un’altra dimensione; poterla ascoltare dal vivo è un’esperienza senza dubbio travolgente, provare per credere. Il sound che caratterizza questa canzone è un po’ quello che pervade l’intero disco, il quale ha un carattere decisamente più acceso, più movimentato, in certi casi più rock rispetto al precedente Whatever.

Anche le successive Choice in the matter e soprattutto Sugarcoated sono caratterizzate da un sound decisamente più rock, con chitarre elettriche e batteria ben in evidenza; Sugarcoated ha uno splendido assolo di chitarra elettrica sul finale che è davvero da brivido; eccoci ora alla prima canzone lenta del disco, You could make a killing, davvero molto bella, in cui la Mann suona il basso e le chitarre, insieme al fidato Jon Brion (già al fianco di Suzanne Vega e successivamente di Fiona Apple). Da notare che in due canzoni di questo disco, in particolare nella stessa You could make a killing e nella successiva Amateur, compare Juliana Hatfield alle background vocals.
Ma proseguiamo con le canzoni; è la volta di Superball; su questa canzone ho letto e sentito giudizi molto negativi, soprattutto provenienti dalla message board del sito ufficiale di Aimee, che io personalmente non condivido o condivido solo in parte; certo, non sarà la canzone di punta del disco, perché la melodia è molto semplice per non dire banale o scontata, ma non direi che sia un brano da buttare, e l’arrangiamento non è così male; comunque, ognuno ha i propri gusti.

Non possiamo avere però dubbi sul valore della successiva Amateur, uno dei brani più belli di Aimee, eseguita a molti concerti (anche a quello di Milano del Febbraio 2003); la melodia e soprattutto il ritmo ricordano molto lo stile di Bacharach; davvero un grande pezzo.
La successiva All over now invece è una canzone più pop-rock, con chitarre eletteriche e ritmo incalzante, molto gradevole e ben suonata, con una strumentazione molto ricca; in Par for the course, Aimee suona tutti gli strumenti, le chitarre, il basso, la batteria, le tastiere e le percussioni; la canzone, la più lunga del disco, è comunque bella e rilassante, piuttosto lenta e pacata.
La bellissima You’re with stupid now è ancora una canzone lenta, a base di chitarra acustica, basso e percussioni; la successiva That’s just what you are è stato il primo singolo tratto da questo album; il videoclip, nell’autunno del lontano 1995, si intravide sulla scomparsa Videomusic, una o due volte, credo; ebbi la fortuna di vederlo per caso, mi innamorai di quella canzone e da lì in poi cominciai a seguire Aimee dovunque, iniziando a comprare i suoi dischi.

E' stato appunto un caso, perché altrimenti non saprei proprio nulla di Aimee, visto che la stampa e la televisione italiane non le hanno mai dedicato uno straccio di spazio, salvo rari casi di riviste specializzate o di qualche sito internet qua e là.

Ma torniamo alle canzoni; la già citata That’s just what you are ha un andamento un po’ “altalenante” che, come Amateur, ricorda Bacharach, ed è davvero una bella canzone; la successiva Frankenstein, che, come anche That’s just what you are, vede la partecipazione di Chris Difford e Glenn Tillbrook (Squeeze), ha un andamento diverso, con la chitarra distorta suonata da Jon Brion in evidenza e un bel finale strumentale; Ray rappresenta un caso anomalo: è una delle più belle del disco, la chitarra acustica, suonata da Aimee, è superba, ma questa canzone - ho saputo dalla message board del sito ufficiale - è stata eseguita dal vivo molto raramente, specie negli ultimi tempi, perché è molto difficile da suonare con la chitarra, cioè ha una sequenza di accordi con una diteggiatura troppo complessa per poter essere eseguita dal vivo senza errori, quindi purtroppo non viene mai eseguita, o molto raramente; è un vero peccato, perchè è davvero una grande canzone; la conclusiva It’s not safe è stata eseguita anche in qualche concerto recente (del 2005) in America, è un pezzo più rock e più acceso, davvero bello; in realtà questa non è l’ultima canzone, perché, dopo la fine del pezzo, ci sono circa due minuti di silenzio, e poi compare una ghost track, una traccia fantasma, ovvero una canzone che c’è nel disco però non compare nell’elenco delle canzoni sul retro dell’album o nel booklet; in realtà questa non è una vera e propria canzone, ma una specie di conclusione, con musica mista a una voce distorta (che compare anche all’inizio di Choice in thematter); insomma, davvero un gran disco che mi sento di consigliare per cominciare a conoscere Aimee Mann.

Buon ascolto.

Alessandro Filippini

TRACKLIST:
Long shot (Mann)
Choice in the matter (Mann - Brion)
Sugarcoated (Mann - Butler)
You could make a killing (Mann)
Superball (Mann)
Amateur (Mann - Brion)
All over now (Mann)
Par for the course (Mann)
You’re with stupid now (Mann)
That’s just what you are (Mann - Brion)
Frankenstein (Mann - Brion)
Ray (Mann)
It’s not safe (Mann)

Dream Theater "Octavarium"

2011-01-23T21:28:00.000+01:00

2005 Atlantic/Universal

C’è sempre stato una cosa che non mi è andata giù nei Dream Theater: quella che musicisti così tecnici e dotati non riuscissero a scrivere, salvo le ovvie eccezioni, vere canzoni. Perché la band americana in passato non riusciva a focalizzarsi sui brani, riempiendoli oltre ogni limite, stirandoli all’infinito pur di poter inserire lunghissime parti solistiche. Insomma, le idee c’erano, ma venivano poi sommerse e diluite negli assoli chilometrici.
E sì che i Theater avevano mostrato più di una volta di riuscire a dare il meglio proprio sulle canzoni più brevi, come il trittico di apertura di Images And Words o come gli episodi migliori di Awake, che rimane, ancora oggi, il loro lavoro più riuscito (forse anche perché l’ultimo con il bravo Kevin Moore alle tastiere).

Ci devono avere pensato anche loro, visto che già qualcosa si intuiva nello scorso Train Of Thought, album dove il riffing diveniva improvvisamente molto più scarno e diretto, le atmosfere divenivano più pesanti ed oscure e le canzoni incominciavano ad assumere una struttura più lineare, ma dove gli assoli venivano tirati un po’ troppo, colpa anche di un John Petrucci al minimo storico dell’ispirazione, alle prese con piattissime scale suonate a velocità supersonica. Questo Octavarium è un ulteriore passo in avanti, decisamente più grosso di quanto ci si potesse aspettare, visto che, soprattutto nella prima parte del disco, i Theater sembrano rifiutare il loro passato, componendo le canzoni spinti solo dal puro desiderio della ricerca melodica.

Ne escono brani efficaci, come The Answer Lies Within e I Walk Beside You, dove la parte solistica è ridotta letteralmente al minimo per dare il maggior spazio possibile alle melodie ed alla musica; insomma, visto che si tratta dei Dream Theater, il tutto finisce per suonare addirittura sconvolgente, ancora di più pensando che la band si è dichiaratamente ispirata a band non certo metalliche come i Coldplay e gli U2. Già, poveri fan della band: non solo i loro favoriti tagliano i loro amatissimi sbrodolamenti strumentali, ma addirittura si ispirano a band soft rock! Aldilà delle battute, come già detto, il meccanismo funziona alla perfezione ed i Dream Theater finalmente riescono a mostrare tutto il loro talento di songwriter: tanti saluti quindi ai supposti elementi progressivi (che, non mi stancherò mai di dirlo, nella band americana sono sempre stati elementi molto più di forma che di fatto) e benvenuti ad una nuova attitudine.

A parte i due pezzi citati, in tutta la prima parte del disco il gruppo si concentra sulla ricerca della maggiore semplicità possibile, con la tecnica che finalmente viene messa a disposizione della forma canzone: insomma un ribaltamento quasi totale rispetto al passato.

Le uniche concessioni al loro stile classico sono rappresentati dagli ultimi due brani: Track 7 è un pezzo a dire il vero piuttosto anonimo e poco ispirato, mentre qualche parola la merita la suite finale che dà il titolo all’album, Octavarium, appunto. Ad un primo ascolto potrebbe sembrare la classica traccia lunghissima e prolissa a cui ci avevano abituato in passato, ma anche qui l’attitudine della band si rivela rinnovata, visto che siamo di fronte ad una canzone dove la formazione americana si diletta a citare palesemente molte delle band che li hanno ispirati, dai Pink Floyd ai Rush, passando per Kansas, Genesis, Iron Maiden e Metallica. Siamo di fronte ad un gioco dichiaratissimo e la band riesce ad amalgamare i tanti pezzettini di cui è composta la suite alla perfezione, ammiccando quasi all’ascoltatore; per fare un paragone, su questo brano c’è lo stesso tipo di atmosfera che si respira sui dischi fracassoni e divertenti degli Ayreon.

Octavarium è un passo decisivo nella carriera dei Dream Theater, l’allontanamento definitivo dal loro passato e dalla nomea di grandi eredi del progressive anni ’70 (cosa che, lo ripeterò sino alla morte, non sono mai stati) per arrivare a riscoprirsi semplici compositori capaci di mettere la loro inarrivabile tecnica strumentale al servizio della canzone e delle melodie. Molti fan della formazione americana hanno già gridato allo scandalo, ma la verità è che i Dream Theater sono finalmente riusciti a trovare la loro giusta dimensione; non tutto è ancora perfetto e ci sono ancora da limare un paio di cose, ma il più ormai è fatto…sperando che non ritornino improvvisamente sui loro passi, per placare gli animi dei loro sostenitori. Sarebbe un peccato, giunti a questo punto…

Albyrinth

OCTAVARIUS Tracklist:
1. The Root of all Evil
2. The Answer Lies Within
3. These Walls
4. I Walk Beside You
5. Panic Attack
6. Never Enough
7. Sacrificed Sons
8. Octavarium

SAM COOKE, l'architetto del Soul

2011-01-23T20:49:00.000+01:00

Scrivere di Sam Cooke in modo minimamente esauriente è un’impresa da far tremare i polsi a gente molto più professionale, e professionista, di me (che scrivo da semplice appassionato…metto le mani avanti). Si tratta, tanto per intenderci, di scrivere di colui al quale si può far risalire, per filiazione diretta o meno, la nascita della moderna black music così come la conosciamo oggi.

Trascurare la figura di Sam Cooke in ambito musicale sarebbe come ignorare Albert Einstein parlando di fisica o Jack Kirby parlando di fumetti. Non si può. Non si deve. Va da sé quindi che l’improbo compito andrebbe svolto da gente come Greil Marcus piuttosto che Peter Guralnick (il quale comunque ha già dato).

Mi piacerebbe però mettere in luce almeno un po’ un personaggio di cui, colpevolmente, in Italia non si è mai parlato con la giusta enfasi e dandogli il giusto risalto. Inoltre la sede che ospita questo scritto potrebbe sembrare antitetica (nel senso che quando si parla di musica il metallo pesante spadroneggia incontrastato; non che sia un male, intendiamoci) al tipo di musica di cui qui si scrive, ma è proprio questo che mi invoglia a parlare di un personaggio che sono certo potrà risvegliare l’interesse di appassionati di qualunque genere musicale. Dopotutto, la musica si è sempre divisa in buona e cattiva. Oppure no?

Dire che Sam Cooke proviene dal gospel è cosa scontata per chi abbia un minimo di conoscenza dei meccanismi alla base della black music degli anni ’40 e ’50. E’ infatti dalla musica di dio che provengono, se non tutti, sicuramente la maggior parte dei personaggi storici della musica soul (definizione onnicomprensiva in cui si fa rientrare, per comodità, praticamente tutta la musica nera pre hip-hop; ma il discorso andrebbe affrontato in un pezzo scritto appositamente) [...che speriamo di leggere presto!!! ndOF]. Il percorso è più o meno sempre lo stesso. Ancora bambini, ma dotati di una voce che già fa parlare di sé, i futuri divi della musica “secolare” cominciano a cantare nel coro della parrocchia o nel gruppo gospel della città. Essere poi figli di un reverendo, e Sam Cooke lo era (vale lo stesso discorso per Aretha Franklin), aiutava non poco a costruirsi un nome all’interno del circuito gospel. Certo è che la sostanza ci dev’essere. In pochi stili musicali è difficile dissimulare la mancanza di talento come nel gospel. Troppa la tecnica e la bravura richieste. Troppa l’anima da mettere a nudo di fronte ai fedeli.

Il percorso di Sam Cooke non si discosta quindi da questo canovaccio.

Nato nel Mississippi nel 1931 e trasferitosi quasi subito con la famiglia in quel di Chicago a bordo di un bus Greyhound (compagnia che assieme alle ferrovie ha contribuito a rendere gli USA un paese unito), Sam Cooke comincia a cantare in chiesa con i numerosi fratelli e sorelle; essere figli di un reverendo comportava la frequentazione assidua della chiesa ogni domenica, sia per assistere ai sermoni, sia per partecipare attivamente alla cerimonia col canto. Si intravedevano già le potenzialità del fanciullo, che infatti entrò, appena quindicenne, negli Highway QC’s, gruppo gospel composto da teen-ager, piuttosto conosciuto a Chicago e dintorni ma che non disdegnava puntatine anche negli stati confinanti per esibizioni dal vivo. All’età di 19 anni, poi, un fatto che avrebbe cambiato per sempre la vita di Sam Cook (che all’epoca non aveva ancora aggiunto una "e" al suo cognome): l’”arruolamento” nelle fila dei Soul Stirrers, forse il più conosciuto gruppo gospel della nazione, a cui gli Highway QC’s fungevano sovente da spalla nei concerti. Il difficile compito era quello di rimpiazzare il solista del gruppo, R.H. Harris; che, per chi non conosce l’ambiente della musica sacra afroamericana, sarebbe come dire Mario Rossi al posto di Mick Jagger nei Rolling Stones, mi si perdoni il paragone. Inaspettatamente, invece, il manager dei Soul Stirrers, Roy Crane, aveva visto giusto, dando fiducia ad un ragazzino che nei 6 anni trascorsi con gli Stirrers detterà gli standard a cui, di proposito o inconsapevolmente, molta se non tutta la musica gospel si rifarà. “Jesus gave me water” è ancora per poco un pezzo degli Highway QC’s, dato che con Sam Cooke nelle proprie fila i Soul Stirrers lo renderanno un loro cavallo di battaglia, brano tra i più apprezzati dai fedeli che in massa accorrevano ogni qual volta il gruppo si esibiva. Già il fatto che un brano di Sam Cooke, e non di R.H.Harris, fosse divenuto il simbolo dei “nuovi” Soul Stirrers, fa capire con quali intenzioni il ragazzo si fosse imbarcato in questa avventura.

In un’intervista, infatti, Cooke ammise la propria sconfinata ammirazione per un innovatore del calibro di R.H.Harris, ma al tempo stesso affermò con decisione di essere Sam Cooke, non un emulo di altri cantanti.

Il pubblico gospel, categoria piuttosto legata alle tradizioni, accolse la sostituzione di Harris nei Soul Stirrers con iniziale e comprensibile diffidenza, salvo poi donarsi totalmente al ragazzo dal bel viso e dai modi gentili.

Un tipo di classe Sam Cooke lo era per davvero. Eccellente studente, avido lettore di libri sui più svariati argomenti, sorriso che impiegava pochissimo a mandare in estasi mamme e figlie sedute ad assistere ai concerti. Era davvero difficile resistere ad un personaggio del genere, ed infatti nessuno lo fece.

I Soul Stirrers,con Cooke che diventava giorno dopo giorno sempre più importante negli equilibri interni, consolidarono la loro popolarità, confermandosi come gruppo gospel più famoso della nazione.

I tour si susseguivano frenetici e la personalità di Cooke veniva fuori sempre più magnetica, concerto dopo concerto. Le chiese esplodevano all’annuncio dei Soul Stirrers sul palco e le ragazze urlavano e fremevano come succedeva solo per Elvis Presley. Sam Cooke era riuscito a far riavvicinare frotte di ragazzine urlanti alla musica sacra; e tutte le chiese che ospitavano i suoi concerti erano ben felici di annunciarlo sui cartelloni per le comunicazioni ai fedeli.

Tutto questo successo fece ben presto capire a Cooke di avere doti fuori dal comune e che forse valeva la pena tentare l’avventura della musica secolare. Passare però dalla musica di Dio a quella di Satana è un passo da fare solo se ne si è fermamente convinti e si sa che non si avranno ripensamenti in futuro. Si trattava quindi di lasciare la via vecchia per la nuova, con l’aggravante di non poter poi contare su un ambiente pronto a riaccogliere un fratello che si è fatto tentare. Nel leggere queste parole a molti sembrerà trattarsi di esagerazioni. Invece le cose stavano proprio così. Negli ambienti più conservatori del gospel, la musica doveva servire unicamente a cantare di Dio e per Dio. Dedicare canzoni all’amore profano era considerato peccato. Dedicarsi alla musica “commerciale” era quindi visto come un tradimento profondo della comunità gospel. Fortunatamente però, non era così per tutti. Il reverendo Charles Cook, padre di Sam, seppur non felice della scelta, non si opporrà al volere del figlio, rendendo così un grande servizio alla musica “pop”.

Ha quindi inizio una carriera fatta solo di successi per quello che molti a ragione considerano uno degli artefici principali del soul tutto. Considerare però la carriera “secolare” di Cooke unicamente in chiave soul sarebbe fuorviante. Lui voleva rivolgersi a tutti, bianchi e neri indistintamente. Ed infatti i suoi primi successi come “You send me” e “Lovable” sono tutto fuorché brani soul in senso stretto. Sono ballate confidenziali, adatte a gente abituata ai Sinatra e crooner vari. Quello che però fa guadagnare importanza storica a questi brani è l’interpretazione di Sam Cooke: i suoi vocalizzi, i suoi “uoo-oo-oo-o”, il sex appeal che emanava ogni singola parola declamata. La musica dell’anima nasce quindi come un fatto interpretativo prima che musicale. Infatti una codificazione puntuale del genere musicale risulta ardua, mentre inquadrare un cantante che canta “con l’anima” viene più naturale. Lo si individua a pelle. Sicuramente Sam era uno che cantava l’anima come pochi. Però non alle sole ballate si dedicò il nostro, nonostante siano stati questi i brani a dargli i primi successi. “Just for you”, anche se squisita canzone d’amore, nasconde in sè un omaggio, nemmeno tanto celato a dire il vero, al gospel a cui Cooke resterà legato per tutta la sua breve vita. Il coro (ottenuto dalla sovrapposizione delle incisioni dello stesso Cooke) presente nel brano ne è testimonianza.

Che dire poi di un brano come “Everybody loves to cha cha cha”, dai ritmi latini e un ritornello che è impossibile non cantare? E’ la storia di una ragazza che non sa ballare il cha cha cha mentre la moda imperversa in tutta America. Il suo ragazzo si offre allora di darle lezioni, rendendola così una ballerina migliore di lui. Questo è un brano che presenta in sé due caratteristiche importantissime di Sam Cooke. Una è quella riguardante il suo modo di scrivere canzoni. Spesso i brani di Cooke erano estremamente descrittivi, raccontavano storie che, anche se semplici o addirittura banali, si facevano comunque ascoltare con piacere, non risultando quasi mai noiose. La seconda caratteristica che viene fuori è la perfetta dizione di cui il cantante è dotato. Era uno dei punti fissi di tutta l’opera di Sam Cooke. Non si stancava di ripetere mai, né agli intervistatori né ai suoi protetti, che se si vuole raggiungere il maggior numero di persone possibile con le proprie canzoni bisogna essere sempre comprensibili, sia per quanto riguarda ciò che si scrive, sia per come lo si dice.

A volte, sfortunatamente, alla semplicità del testo e del cantato corrispondeva un’eccessiva orchestrazione dei pezzi. Archi che sovente si fanno ridondanti fino a sommergere l’interpretazione del nostro, rendendo i brani adatti a performance in club frequentati da un pubblico bianco di classe media. Ed infatti Sam Cooke fu scritturato per uno spettacolo al Copacabana di New York City, dove però fallì. “Non ero pronto ed ho fatto un tonfo (‘I bombed’ in originale ndr)”, così disse Sam in un programma televisivo. Evidentemente non era stato se stesso. Ben diverso il secondo concerto che tenne al Copacabana nel luglio del 1964, dove però il repertorio era ancora diretto, per forza di cose, ad un pubblico bianco che voleva ascoltare artisti sulla falsariga di Sinatra, Belafonte, Nat King Cole.

Il Live at the Harlem square club del 1963 invece, registrato in un club frequentato esclusivamente da un pubblico di colore, è “fratello in spirito del Live at the Apollo di James Brown” (cfr. Eddy Cilìa, SOUL, RITHM ‘N’BLUES, Giunti 2004). Tanto basta a farcelo preferire.

Dicevamo delle caratteristiche di Cooke come autore: semplicità nella scrittura e dizione perfetta (provate ad ascoltare un suo brano attentamente; anche se la vostra conoscenza della lingua di Shakespeare è elementare, riuscirete comunque a capire buona parte del testo). A queste va aggiunta la capacità di riuscire a scrivere un pezzo in qualunque momento. Se l’ispirazione arrivava, Sam Cooke era pronto ad assecondarla. Un giorno, in macchina con i suoi fratelli negli stati del sud degli USA, vide sul ciglio della strada un gruppo di carcerati che lavorava, incatenati tra loro, sorvegliati da guardie. I galeotti chiesero a Cooke e compagni delle sigarette che gli furono date senza problemi. Una volta risaliti in macchina, Sam cominciò a canticchiare un motivo che prendeva il là dal suono dei picconi usati dai carcerati durante il loro lavoro sulla strada. “Uh-Ah…That’s the sound of the men / Working on the chain gang”. E’ questa la genesi, semplice eppure con i segni della leggenda, di “Chain gang”, un brano che è canzone d’amore tra le meno scontate.

Da buon interprete, poi, Cooke interpretava volentieri brani altrui, tra cui una sognante versione, invero anche leggermente inquietante, di “Summertime” di gershwiniana memoria ed il classico blues “Little red rooster”, contenuto nell’album tributo al blues classico “Night beat”.

Che dire, inoltre, di brani quali “(What a) Wonderful world”, “Twistin’ the night away” e “Shake”, se non che trattasi di canzoni tra le più memorabili, e più ‘coverizzate’, scritte da Cooke nella sua breve, seppur intensa, carriera secolare?

Come se questi pezzi non bastassero, a consegnare Sam Cooke alla storia ci pensa il brano che forse più di ogni altro, in ogni tempo, ha dato voce alla comunità afroamericana. Ha veicolato la speranza di riscatto di un popolo solo formalmente statunitense, ma in realtà ancora subalterno ai “veri” americani, quelli dalla pelle chiara e dalle idee tutt’altro che avanzate. “A change is gonna come” è un monumento fattosi musica, una statua che costantemente ci ricorda le umiliazioni, le sofferenze e la voglia di uguaglianza di una comunità. Spiace constatare che ancora oggi, 2005, il cambiamento preconizzato da Cooke non si sia realizzato che in minima parte. Registrata nel gennaio del 1964, “A change is gonna come” è la risposta di colore a “Blowin’ in the wind” di Dylan. Sam Cooke era un sincero ammiratore del brano dylaniano, tanto da interpretarlo anche dal vivo e rammaricarsi di non essere stato lui a scriverlo. Sosteneva che un pezzo del genere sarebbe dovuto scaturire da un “fratello”, perché rispecchiava appieno ciò che la comunità di colore stava vivendo, le lotte per i diritti civili quale segnale di un imminente (ahinoi cosa non vera) cambiamento.

“A change is gonna come” è anche l’ultimo brano di Cooke, pubblicato addirittura postumo.

Come purtroppo molto spesso è accaduto, una fine tragica era riservata all’architetto della soul music. Sposato in seconde nozze e padre di due figlie (dopo che un terzo era venuto a mancare all’età di 18 mesi), Cooke perse la vita in un motel di Los Angeles in circostanze ancora non del tutto chiare. Probabilmente giuntovi in compagnia di una prostituta che lo derubò del portafogli, adirato si rivolse alla padrona del motel, credendola coinvolta nel furto. Tre colpi partiti dalla pistola di quest’ultima misero fine alla vita di colui che è unanimemente considerato un personaggio rivoluzionario nell’ambito della black music.

Rivoluzionario non soltanto dal punto di vista strettamente musicale, ma anche per ciò che concerne la managerialità nel ‘music business’. Fu infatti tra i primi ad ottenere un controllo totale su tutta la sua produzione da parte delle case discografiche. I diritti dei brani e anche delle edizioni musicali erano nelle sue mani in un’epoca in cui ciò non era quasi concepibile da parte degli altri artisti, soprattutto se di colore. E’ emblematica la conversazione sui diritti tra Cooke e Fats Domino. Cooke chiese infatti a Fats perché non tenesse per sé i diritti sulle edizioni dei suoi brani e si sentì rispondere “You’re crazy”, “Sei pazzo”. “Pazzo abbastanza da tenermi i miei soldi” fu la risposta di Cooke, dimostrando quindi un’iniziativa imprenditoriale che pochi altri musicisti potevano vantare. Fondò addirittura un’etichetta, la SAR records, per cui faceva incidere giovani di belle speranze come i Valentinos (ovvero i fratelli Womack) oppure i mai dimenticati Soul Stirrers.

Per chi volesse procurarsi album di Cooke, consigliatissima è l’antologia Portrait of a Legend 1951-1964, 30 brani che ne coprono per intero la carriera. Metà della raccolta ci mostra un artista che mira ad un pubblico eterogeneo, rivolgendosi quindi anche a quei bianchi poco familiari con la musica di colore. L’altra metà invece mette in luce un artista che attira i bianchi a sé non andandogli incontro, ma trascinandoli dalla sua parte, con brani prettamente “soul”. L’ultima traccia (una ghost track), poi, è la miglior definizione di soul che vi possa mai capitare di ascoltare, fatta da Cooke in persona, con l’unico ausilio della sua voce.

Ci sarebbe ancora tanto da scrivere su Sam Cooke, un artista ‘bigger than life’, ma mi basta aver acceso, spero, la curiosità in quei lettori che poco o nulla frequentano i lidi della musica soul, spronandoli a recuperare materiale su quello che viene riconosciuto come uno dei cantanti più dotati di tutti i tempi, senza distinzioni di genere. Lo dicevamo prima che la musica si divide solamente in bella e brutta e sono sicuro che a pensarla così è la maggior parte dei lettori di questo pezzo.

PINO PAOLIELLO

Ritratto di JONI MITCHELL

2011-01-23T20:45:00.000+01:00

Joni Mitchell, la famosa cantautrice canadese, è uno dei personaggi più importanti della scena musicale americana a partire dagli anni ’60 del secolo scorso; la sua musica e il suo stile hanno influenzato più di una generazione di cantautrici passate e presenti, che si sono ispirate ed hanno attinto a piene mani ai modelli, alle soluzioni strumentali da lei creati ed in generale allo stile che le è proprio e che la caratterizza come una delle prime e forse più grandi artiste nel suo genere; infatti Joni Mitchell appartiene a quella generazione di artisti folk e rock, della quale fanno parte nomi come Neil Young e Bob Dylan, ed è stata la prima donna ad imporsi e ad emergere in quell’ambiente prettamente maschilista, dando vita ad una musica eccezionale ed unica; quindi, data la vastità e la complessità del personaggio, è piuttosto difficile delineare in poche righe un ritratto completo dell’artista, ed è ancora più difficile farlo in modo oggettivo e realista; comunque, con molta umiltà, cercherò di tracciare un’analisi generale della carriera di Joni Mitchell, magari soffermandomi sui dischi cheritengo più significativi.

La carriera di Joni Mitchell può essere considerata divisa in due parti; nella prima parte, dall’esordio del 1968 alla fine degli anni ’70, la sua musica ha una accezione puramente folk, molto acustica, mentre a partire dal 1979 vengono prodotti album più sperimentali, spaziando anche in altri generi musicali come il jazz o il rock, non sempre con il favore di pubblico e critica.

Il primo disco di Joni Mitchell, Song to a seagull (intitolato però Joni Mitchell nell’edizione originale) risale al 1968 ed è sicuramente uno dei migliori della sua carriera; ci sono canzoni che parlano di tradimento e di violenza, di morte e di libertà, e tutti questi aspetti sono rappresentati dalla città, simbolo proprio di violenza e illusione, e dal mare, che invece evoca libertà; il disco è di schietta natura acustica, con canzoni memorabili come Marcie, Cactus tree, I had a king e Sisotowbell Lane, un disco in cui Joni si esibisce anche come ottima musicista suonando diversi srumenti, come il pianoforte e le chitarre; dopo Clouds, disco che mi è abbastanza indifferente, e soprattutto Ladies of the canyon, che invece reputo davvero interessante e godibile, si arriva al primo capolavoro di Joni Mitchell, Blue, datato 1971; questo disco vede la collaborazione di personaggi importanti come James Taylor e Stephen Stills; il risultato è ovviamente al di sopra delle righe, con Joni sempre protagonista come musicista e cantante; da rilevare, tra le canzoni del disco, California, A case of you, Blue, All I want e River (una canzone in stile Natalizio, secondo me un po’ fuori luogo).

Il successivo For the roses (1972) rappresenta forse l’inizio di quel periodo di transizione da un tipo di musica prettamente folk, a base quasi esclusivamente acustica, ad una musica più sperimentale, più innovativa, dove Joni abbraccia generi come il jazz o il rock; infatti, da For the roses passando per The hissing of summer lawns e soprattutto Court and spark e Hejira (altri grandi dischi), la carriera di Joni subisce una vera e propria involuzione, alla ricerca di qualcosa di diverso, di una maggiore pienezza e varietà compositiva e musicale; se per esempio si ascoltano canzoni come Free man in Paris (tratta da Court and spark) si osserva subito una maggiore complessità stilistica ripetto a canzoni come Marcie, risalenti alle origini; questo periodo di passaggio vede il suo culmine nel 1979, con la pubblicazione di Mingus; questo disco è il frutto della collaborazione con Charles Mingus, dalla quale sono scaturite canzoni notevoli come God must be a boogie man e Goodbye pork pie hat; personalmente non ritengo questo disco molto valido, in quanto rappresenta un eccessivo distacco dalla purezza folk che caratterizzava i primi lavori, e anche una parte della critica internazionale nutre dubbi sul valore di Mingus; comunque, la sua importanza è da ricercare soprattutto nell’influenza che esso ha avuto nel panorama musicale di allora; con Mingus, infatti, la Mitchell ha aperto la strada a vari tipi di esperimenti o sperimentazioni nell’ambito del folk o del rock, e molti altri artisti di allora e anche di oggi traggono ispirazione proprio da quei modelli; non è un caso, infatti, che Rickie Lee Jones, altra artista molto sperimentale ma di schiette origini folk, abbia pubblicato il suo primo disco proprio nel 1979.

Gli anni ’80 sono anni oscuri per Joni Mitchell; si comincia ad avvertire una certa stanchezza nei suoni, nelle melodie e negli arrangiamenti,e gli album prodotti in questo decennio, da Wild things run fast a Dog eat dog, sono passati inosservati dalla maggior parte della critica musicale e hanno trovato anche minor riscontro di pubblico; la vena acustica che caratterizzava i dischi precedenti viene abbandonata per avvicinarsi più all’elettronica, ad un sound più artificiale e meno genuino, sebbene la grandezza di Joni come autrice non viene messa in discussione; Joni attraversa un periodo di crisi artistica e personale, e di questo ci si rende conto leggendo i testi delle canzoni scritte in questo decennio, cheparlano di rabbia, nostalgia e rimpianto, sentimenti che riflettono perfettamente il suo stato d’animo.

Il ritorno di Joni Mitchell avviene nel 1991 con la pubblicazione di Night ride home, forse il suo ultimo grande disco; c’è adesso un ritorno alle radici acustiche, alla genuinità e alla raffinatezza di certe soluzioni strumentali a cui eravamo abituati ascoltando dischi come Hejira o Blue; c’è ovviamente una maggiore complessità dei suoni, negli arrangiamenti e nella strumentazione, grazie anche alla collaborazione di personaggi di spicco come Wayne Shorter, Vinnie Colaiuta e Larry Klein; Night ride home ha qualcosa di misterioso, di sfuggente, di elegante e di meravigliosamente puro; io lo ritengo personalmente il migliore disco di Joni Mitchell degli ultimi tempi, contiene canzoni davvero straordinarie, prima fra tutte Come in from the cold, una bella ballata acustica abase di chitarre.

Dopo il 1991, Joni Mitchell pubblica altri dischi, tra cui il discreto Turbulent indigo nel 1994 e diverse raccolte negli anni successivi, ma l’inspirazione e la freschezza che caratterizzavano gli esordi fino a Night ride home sembrano svanire; anche l’ultimo disco di inediti intitolato Taming the tiger e datato 1998, non sembra aver aggiunto nulla alla pluridecorata carriera della Mitchell; per motivi contrattuali con la sua etichetta discografica e forse anche per scarsa motivazione, Joni, alcuni anni fa, ha deciso di ritirarsi dalle scene; il motivo scatenante di questa scelta è probabilmente il suo rifiuto di adattarsi alle nuove regole imposte dalle grandi case discografiche per le quali l’importante è vendere e fare soldi, a prescindere dalla qualità della musica; una come Joni Mitchell, abituata a mettere anima e corpo per realizzare musica pura, bella e genuina, ovviamente a queste regole non ci sta.

I sempre numerosi fan di Joni Mitchell sono ancora in attesa di nuovi album e, magari, di altri concerti, specie per chi, come me, non ha mai avuto la possibilità di vederla esibirsi dal vivo; speriamo che la signora del canyon, come ricorda il titolo di un suo vecchio disco, torni presto a farsi sentire…

Alessandro Filippini

Gianni Togni, o "il dimenticato"

2011-01-23T20:42:00.000+01:00

Il fenomeno dei cantautori italiani è molto interessante.
A partire dagli anni ’60 e da quella che si può definire molto semplicisticamente la “Scuola Genovese” (Paoli, Bindi, Lauzi, De André, ecc..) si afferma un tipo di autore che scrive testi e musiche delle canzoni e, cosa più importante, le interpreta. Anche Luigi Tenco, a cui è dedicato un premio famoso, appartiene a quel periodo e forse con canzoni come Vedrai Vedrai, Mi sono innamorato di te, e altre, incarna un certo modo di fare canzone debitore più della chanson francois (Brassens, Ferré) che delle pulsioni rock & folk provenienti dal mondo di lingua inglese (Dylan, Donovan, Ochs e altri).

Negli anni ’70 accanto a Venditti, De Gregori e Dalla (la Sacra Triade della musica d’autore italiana) emerge come un titano Lucio Battisti. Il fatto è che a rigor di termini Battisti non è un cantautore. Battisti scrive solo le musiche delle sue canzoni. I testi sono opera di Mogol. Nasce quindi una nuova figura autorale: la “Coppia”, ossia un cantante/musicista e un paroliere che si dedica a lui (esclusivamente come nel caso di Mogol per Battisti, o accanto ad altri ma comunque sempre scrivendo tutti i testi delle canzoni di X). Battisti rimane ancora oggi inarrivabile. Non è un cantautore, non è un mero esecutore, non è solo un compositore. E’ qualcosa di unico. Ma accanto a nomi indiscutibili della musica italiana gli anni ’70 ci hanno regalato personaggi minori, ricchi di talento ma che per un motivo qualsiasi non hanno superato la barriera del “successo stagionale”.Alla fine degli anni ’70, in piena epoca disco-music ecco che un giovane pianista-cantante cerca di sfondare nel mondo del pop.
Si tratta di Gianni Togni, che dopo un disco pubblicato nel 1975 (In una simile circostanza) e passato inosservato nel 1979 azzecca un hit con Luna e nel 1980 sforna il primo di una serie di LP che percorreranno più o meno con successo tutti gli anni ’80 . Lo so, siete tutti piccoli, ma sono sicuro che qualcuno tra voi ricorderà l’attacco ”e guardo il mondo da un oblò, mi annoio un po’…”

Dal 1980 al 1988 Togni pubblico otto LP (…E in quel momento 1980, Le mie strade 1981, Bollettino dei naviganti 1982, Gianni Togni 1983, Stile Libero 1984, Segui il tuo cuore 1985, Di questi tempi 1987, Bersaglio Mobile 1988). Devo dire che i quattro dall’’83 all’87 sono belli. O almeno… A ME ME PIACE. Canzoni come Per noi innamorati e Pensierini della sera (’83) , Se me ne andrò (se te ne andrai da me) (’84), Segui il tuo cuore e E qualcosa c’è (’85), o C’è unaverità (’87) hanno un qualcosa. Hanno una sincerità di fondo. Forse una ingenuità nel loro essere canzoni platealmente sentimentali. Quasi didascaliche. Ma di una ovvietà disarmante. E devo dire che Togni, pur essendo come dice lui stesso un autodidatta, ha una capacità musicale non comune nello scrivere melodie che si fissano nella testa. Prendiamo ad esempio Vivi, da Bollettino dei naviganti (’82). Un testo che pare quasi parodistico nel suo voler a tutti i costi sembrare quotidiano

“Vivi tutte le passioni con gli oscar mondadori
di qualche anno fa
tu luce del varietà
mangi un panino nell’attesa del provino
Vivi guardi i films estivi all’ultimo spettacolo
gli altri vanno via
e ti parte la fantasia
dalla stazione senza treni del tuo cuore"

eppure la musica, che inizia con un arpeggio ritmato di piano, nel ritornello-inciso diventa trascinante, quasi una marcia che cattura e si sposa alle parole usate quasi in senso ritmico. Possono essere canzonette, ma sono ben fatte.

Poi nel 1988 con Bersaglio mobile qualcosa si spezza. Una canzone in particolare rivela qualcosa. Si tratta di Fuori dagli schemi.

So che in verità non c’è difesa
l’equilibrio non è facile
ho provato a leggere qualcosa
ma nei libri non ci sei
come mai
Deve esserci una dimensione
che non è comunicabile
ho acceso la televisione
ma tu non appari mai
dove sei

Né entrare né uscire
vendere o comprare
mi aiuteranno a non pensare
non ti si può inquadrare
perché sei
fuori dagli schemi
fuori dai sistemi
ed anche fuori di me

Sono uscito per disperazione
con la macchina per la città
ho cercato un posto dove stare
ma ho capito che non c’è
senza te
Anche razionalizzare
è completamente inutile
la tua voce la dovrei ascoltare
con l’orecchio di un Van Gogh
che non ho...

Col senno di poi possiamo dire che quel verso “ho acceso la televisione, ma tu non appari mai dove sei” è rivelatorio.

Togni a un certo punto è sparito dal video. Ha deciso di non “apparire dove non era”. Anche la musica qui è strana. L’attacco è spezzato, un ritmo sconnesso quasi. Tempi dispari che indicano inquietudine, un vagare in territori diversi. Un ritmo spezzato, lontano dalla melodia consueta, che ritorna solo nell’inciso. Ma ancora torna la disperazione. Cerca un posto dove stare, ma senza trovarlo.

Dopo questo LP silenzio. Togni torna nel 1992 con Singoli, un CD che passa inosservato. Nessun singolo e nessun passaggio radio e TV. Nel 1996 è la volta di Cari amori miei, un’antologia che raccoglie tutti i successi e due inediti, uno dei quali Mi salvo con te, è forse la canzone più bella che abbia mai scritto

E’ una canzone che letta con gli occhiali giusti rivela una storia. La storia di un uomo, di una persona che è passato per un dolore. E ne è uscito. La storia di una persona che credeva di aver raggiunto il successo, ma che ha scoperto che la vita, quando fa male, lo fa veramente. E alla fine si salva. Ma non grazie a una cosa. Si salva con te.

L’antologia provoca un blando ritorno di interesse e l’anno dopo nel 1997, esce l’ultimo CD di Togni, Ho bisgnodi parlare. Anche qui, nessun singolo, nessuna comparsata televisiva e il silenzio torna su di lui.

Otto anni nell’oblio. Non è forse giusto definirlo il dimenticato?

Eppure… eppure….

Il discorso è che Togni ha sì abbandonato la vita di cantante, ma per un altro percorso.

Nel 1998 debutta Hollywood – ritratto di un divo, musical scritto da Togni, con Massimo Ranieri e la regia di Giuseppe Patroni Griffi. La critica lo decreta un successo e sono tre anni di seguito di repliche. Viene realizzato anche un doppio Cd con le musiche, ma essendo una commedia musicale non entra nel giro dei dischi di classifica. A questo punto Togni si dedica alla musica sinfonica, e realizza la sigla e i commenti sonori alla trasmissione su Madre Teresa di Calcutta, trasmessa da Canale 5.

Nel 2001, dopo qualche anno passato a scrivere musiche per la TV il Teatro stabile di Stoccolma gli commissiona le musiche per la commedia musicale G and G, ispirata alla vita di Greta Garbo.

Il mondo della canzone è ormai abbandonato. Prima del Cocciante di Notre Dame du paris Togni si è rivolto al mondo del teatro, cercando di fondere i due mondi in un nuovo progetto, riuscendoci anche con successo. Ma l’ironia della sorte fa sì che quasi nessuno lo sappia.

Come Battisti anche Togni non è un cantautore in senso stretto. I testi delle sue canzoni li scrive Gianni Morra, paroliere non male che in seguito collaborerà anche con Toquinho e Michele Zarrillo. Però Togni il piano lo mastica abbastanza bene. Autodidatta riesce a creare delle melodie efficaci. Dopo Luna le estati degli anni successivi vedono altri hit come Semplice, Vivi, Segui il tuo cuore, Per noi innamorati. Torniamo alla fine degli anni ’80. Nel 1988 Togni sparisce nel nulla. Cosa era successo?

Due cose. Una la decisione coraggiosa ma assolutamente folle in piena epoca MTV-Videomusic di non promuovere i suoi singoli con dei video. Questo fatto portò alla sparizione di Togni da tutte le trasmissioni video-musicali del momento. Se il tuo singolo non era supportato da un video non esisteva. Punto. E se non esisteva per la TV era molto probabile che non esistesse nemmeno per la radio. Ergo pochi passaggi , ergo poca conoscenza da parte dei probabili acquirenti, conclusione vendite bassissime.

La seconda cosa (e qui ci avventuriamo nel reame del “si dice”) è una profonda depressione conseguenza delle poche vendite di Di questi tempi e Bersaglio Mobile. La casa discografica non fu soddisfatta dei risultati. La cosa provocò in Togni (ripeto, sono solo ipotesi sia pure supportate da un’intervista rilasciata da Togni in occasione dell’uscita di Singoli, il CD del suo ritorno sulle scene) un rigetto dell’ambiente musicale.

Una cosa strana, se andate in un negozio di dischi ben fornito, è che di Gianni Togni non esistono CD, a parte due antologie di vecchi successi e Cari amori miei.

Tutti gli LP degli anni ’80 sono svaniti, e con loro canzoni molto interessanti con testi non banali di Morra, e musiche assolutamente non “usa e getta”,

Concludo: la scelta di non soggiacere alla schiavitù dei video è stata fatale per il Gianni Togni cantante, che ha sperato di poter proporre musica commerciale di classe senza seguire le regole del mercato. Gli è andata male, e oggi nessuno si ricorda di lui. Ma in un contesto elitario una persona che ha rifiutato di fare quello che fanno tutti va rivalutata. Dategli una possibilità.

Alessandro Bottero